Originaire de Brooklyn, Kwame Brathwaite démarre sa carrière à la fin des années 1950. Les Afro – Américains revendiquent leur identité noire et africaine, c’est l’acceptation de soi. Cette acceptation passe par la mode, le jazz, le cinéma, la littérature, les arts plastiques.  L’Amérique est en pleine ébullition, c’est aussi la période des mouvements des droits civils. « Inspiré par les écrits du militant et nationaliste noir Marcus Garvey, Kwame Brathwaite, avec son frère aîné, Elombe Brath, a fondé l’African Jazz Arts Society and Studios (AJASS) et les Grandassa Models (1962). »

L’exposition présentée au Centre de la photographie de Mougins documente le monde Noir des années 1960 aux États-Unis, plus particulièrement à Harlem. On y découvre des images de mannequins noirs, notamment, celles des mannequins Radiah Frye, Grandassa et les membres fondateurs d’AJASS. Musicien de jazz à ses débuts, Kwame a aussi réalisé de nombreuses pochettes de vinyles des musiciens de jazz. Sans dévoiler l’ensemble de l’exposition qui se tient sur deux niveaux dans l’espace, on s’extasie face aux photographies de Stevie Wonder, John Coltrane, Abbey Lincoln, Max Roach, Miles Davis, Bob Marley, ou encore du boxeur Muhammad Ali, dont il était proche. L’implication du photographe dévoile son âme de  militant, dont la volonté de mettre en avant sa culture. 

Kwame Brathwaite s’est aussi rendu en Afrique, notamment au Ghana, où il a photographié les funérailles du Président Kwamé Nkrumah. À Gorée, l’île des esclaves au large de Dakar, il a immortalisé les Jackson Five autour de Joseph Ndiaye, le conservateur de la Maison des esclaves. Il fut aussi présent à Kinshasa pour le combat du siècle : Muhammad Ali – George Foreman. 

L’exposition est accompagnée d’une monographie préfacée par le photographe ainsi que d’un cahier d’art assez bien fournit et documenté produit par le centre de la photographie de Mougins. 

Ewané Nja Kwa

L’exposition est à voir au Centre de la photographie de Mougins jusqu’au 18 janvier 2026

Pour plus d’informations : https://centrephotographiemougins.com/ 

J’ai découvert l’exposition photographique de Sanlé Sory, grâce au compte Instagram de la galerie Arrêt sur l’image. Dès que j’ai aperçu ses œuvres, j’ai été immédiatement captivée. 

J’ai été frappée par son approche unique de la photographie : sa manière de mettre en scène ses sujets et de retranscrire sa vision du monde. Il ne se contente pas seulement de capturer des images, il raconte surtout des histoires, immortalise des époques et met en lumière une culture riche.

Sanlé Sory sublime les habitants de son pays le Burkina-Faso en leur offrant une place centrale dans ses compositions. Il les habille avec soin, les fait poser avec une élégance naturelle, tout en mettant en valeur leur personnalité et leur énergie. Ses portraits dégagent une force et une authenticité qui témoignent de son profond attachement à ses racines. À travers son objectif, il ne se contente pas de montrer des visages mais il révèle des identités, des styles, des modes de vie et une époque révolue.

Ce qui me fascine particulièrement dans son travail, c’est la manière dont il met en avant la culture africaine. J’affectionne particulièrement les artistes qui célèbrent leur héritage et démontrent une représentation forte et positive de leur culture. Ses photographies ne sont pas de simples images, elles sont le reflet d’une époque où la jeunesse burkinabé s’affirmait à travers la modernité et la tradition. 

En visitant cette exposition, j’ai eu le sentiment d’entrer dans l’univers d’un photographe passionné. Il laisse libre cours à sa vision artistique, créant des images à la fois intemporelles et ancrées dans leur contexte historique et culturel. Cette exposition m’a offert une immersion dans l’œuvre de Sanlé Sory, et m’a confortée dans mon admiration pour les photographes qui, à travers leur objectif, magnifient leur culture et la transmettent avec une telle sensibilité.

Je me suis renseignée sur lui et j’ai vu que dans son studio Volta Photo, il utilisait des fonds simples et des accessoires tels que des vélos, radios ou valises, pour permettre à ses modèles d’adopter des poses expressives et modernes influencées par la pop culture. Il travaillait en argentique et maîtrisait l’éclairage. Ce qui lui a permis de sublimer davantage ses sujets, aussi bien en studio que lors de reportages sur la vie nocturne, les concerts et les bals. Son style, plutôt spontané, est tout aussi élégant. Il mélange tradition et modernité ce qui fait de lui aujourd’hui une figure incontournable de la photographie en Afrique.

Exposition à voir à la galerie Arrêt sur l’image du 09 janvier au 1^er mars 2025

Plus d’information sur : www.arretsurlimage.com

Photographe, graphiste, designer, directeur artistique et musicien, le Jamaïcain Dennis Morris expose pour la première fois ses œuvres à la Maison Européenne de la photographie à Paris.

Passionné de musique, il a collaboré avec de nombreux artistes de la scène anglaise, française et étatsunienne. « De Bob Marley aux Sex Pistols, des Stone Roses à Oasis, (…), Dennis Morris a créé non seulement des photographies iconiques, mais aussi des identités culturelles entières. » 

À travers ses images, le photographe nous transporte dans une époque où la musique et la photographies lui ont permis de s’épanouir. Au-delà de l’intimité dévoilée du photographe et des artistes, les images racontent une époque d’une « Angleterre multiculturelle profondément marquée par l’immigration et l’émergence de nouvelles identités culturelles. Chaque portrait se fait le manifeste visuel d’une connexion personnelle et authentique. »

L’exposition, qui raconte le parcours du photographe, occupe les 2 niveaux principaux de la MEP. De la rencontre du photographe adolescent avec son idole, Bob Marley, à son immigration vers la Grande Bretagne, dans les années 1970, à son opiniâtreté, ses photographies de différentes communautés ainsi que  ses relations, développées avec d’autres artistes, illustrent l’amour qu’il porte pour son art. Des photographies, de la musique et de la vie.

Exposition photographique Music + Life à voir à la Maison Européenne de la photographies 

Du 05 février au 18 mai 2025

Couleur Café : Marième Ba, voudriez-vous vous présenter en quelques mots ?

Marième Ba : J’ai une formation en sciences-politiques et en communication et marketing et j’ai travaillé dans le privé, notamment dans des institutions financières. Depuis 2012 que j’ai intégré les hautes sphères de l’administration sénégalaise, notamment le ministère de la culture.

CC : Quelles sont vos principales préoccupations en tant que secrétaire générale de la biennale de Dakar ?

MB : La préoccupation première de l’institution que je représente, à savoir le secrétariat général de la biennale de Dakar qui est sous la tutelle du ministère sénégalais de la culture, est de faire de cet événement, initié conjointement par la communauté artistique sénégalaise et le pouvoir public, un véritable tremplin pour de jeunes talents en matière d’arts visuels. La biennale veut faciliter la mobilité des œuvres créées, mais aussi des créateurs dans tous les sous-secteurs et l’écosystème des arts visuels.

La biennale évolue depuis quelques années. Lors des deux dernières éditions notamment, l’événement s’est ouvert à d’autres disciplines artistiques, mais aussi à l’artisanat et au tourisme. L’idée est de créer de plus en plus d’espaces de pluridisciplinarité et de transdisciplinarité, où les arts visuels pourraient rencontrer la musique, le théâtre et tous les arts vivants. C’est cela l’intérêt de la biennale de Dakar ; nous voulons en faire une manifestation vraiment inclusive, qui réponde toujours aux standards internationaux.

Nous figurons dans le top 5 des plus grandes biennales du monde, aux côtés de la biennale de Venise (Italie) par exemple. Cela est une très grande fierté !

Notre événement est de plus en plus couru – cela trahit bien la grande exigence qui est faite dans la qualité des propositions artistiques, les sélections des équipes « curatoriales », mais aussi dans la gouvernance de notre événement qui se veut très efficiente.

CC : Quels sont les défis que rencontrez en tant que secrétaire générale de cette biennale ?

MB : Les défis sont essentiellement d’ordre organisationnel : Les parties prenantes à la biennale sont nombreuses : les artistes, les critiques d’art, les universitaires, les historiens d’art, les collectionneurs, les marchands d’art, les agents d’artistes. C’est donc toujours une gageure pour l’administration de réunir toutes ces personnes et de tout organiser comme il se doit, pour permettre au touriste profane qui vient découvrir la biennale, d’avoir un programme à la carte.

CC : Quelle est la place selon-vous, de l’art contemporain africain dans le monde ?

MB : Au regard de la revue documentaire et de tout ce qui s’écrit à travers le monde, l’art africain occupe une place de choix en termes de créativité, d’innovation, mais aussi et surtout pour sa valeur marchande.

Des artistes africains du continent et de la diaspora sont présents sur l’échiquier mondial et leurs œuvres sont en vente sur les géants marchés que représentent Londres, Paris, New York, Los Angeles, le Japon ou encore la Corée du Sud. L’engouement suscité par les arts africains est de plus en plus grandissant, tant dans les galeries, chez les marchands d’arts, qu’au niveau même des différents marchés mondiaux.

CC : Que représente Dakar pour les artistes qui y passent ? Quel est l’impact de la biennale sur leurs carrières ?

MB : Il y a un impact pour les créateurs, cela est une évidence. La biennale est un tremplin pour les artistes qui y exposent leurs œuvres. Il y a 3 ans, vers 2019, une sélection avait été faite pour la rencontre qui avait été reportée en raison de la crise sanitaire du Covid-19. La liste a tout de même été maintenue pour l’édition suivante et nous avons demandé aux artistes qui y figuraient d’approfondir leur travail en attendant l’édition suivante. Nous avons observé avec joie que beaucoup d’entre eux ont vu la valeur de leurs œuvres croître sur le marché ; certains ont même été approchés par des agents, juste pour avoir figuré sur la sélection de la biennale de Dakar. La situation a obligé ces artistes à mieux se structurer dans leur processus créatif, mais aussi dans la manière de présenter leurs œuvres et de les commercialiser. Rappelons-le, la structuration du travail des artistes est une des orientations majeures de la biennale.

Nous avons également un volet formation pendant la manifestation, qui est bénéfique aux participants. Une série de panels et de talks se tiennent, pour les instruire sur la création mais également sur l’environnement, notamment les lois et règles en vigueur non seulement en Afrique, mais aussi à travers le monde, et qu’il importe pour eux de connaître. Des organisations importantes prennent part à ces sessions, notamment l’UNESCO, l’Organisation Mondiale de Propriété Intellectuelle (OMPI), donc ce sont des moments de partage et d’échange qui profitent vraiment aux participants. Cela favorise aussi des collaborations entre des artistes de différents pays, de différentes générations et disciplines.

C’est tout cela qui fait vivre la biennale.

CC : Auriez-vous des suggestions pour le développement du marché africain de l’art ?

MB : S’il est vrai que les œuvres africaines ont de la valeur à travers le monde, il faut reconnaitre que le marché continental est encore en phase de balbutiement. Il y a des marchés qui ont un fort potentiel comme le Nigeria, l’Afrique du Sud, le Maroc ou encore le Sénégal, mais il reste encore beaucoup à faire pour les rendre plus viables. Des dispositifs comme la biennale peuvent permettre à ces marchés de mieux se développer, car ils ramènent des historiens et théoriciens qui étudient ce qui se fait et le documentent, et ce qui est très important.

Ce type de manifestation permet aussi un réseautage vital pour tout marché qui aspire à se développer. Les biennales permettent aussi la cotation des artistes. Il faudrait également mettre en place un certain nombre d’institutions comme un conseil de ventes par exemple, pour évaluer le travail des artistes et définir des normes de vente. Si tout est bien encadré, nos marchés pourraient vraiment se développer.

Il faut aussi confronter les artistes et leurs modes de création ; ce qui va permettre une saine concurrence favorable au développement du marché.

Il faudrait aussi susciter un sens du renouvellement dans la création, car un marché où les artistes savent se réinventer et toujours concevoir de nouvelles choses est forcément très attractif ; il intéresse inexorablement les collectionneurs et marchands d’art. Les technologies nouvelles font partie des pistes à explorer pour développer nos marchés, notamment les Non-Fungible Token (NFT) qui sont très utilisés désormais pour la vente des œuvres dans des pays comme les États-Unis ou le Japon. Les marchés africains devraient vraiment s’inspirer de toutes ces choses-là.

CC : Quelles-sont les initiatives prévues pour rendre plus attractive la prochaine biennale de Dakar, prévue en 2024 ?

MB : Nous sortons d’une édition 2022 bien spéciale et exceptionnelle, saluée par la communauté créative d’Afrique et du monde. Nous envisageons de poursuivre sur cette lancée, avec toujours des innovations comme nous savons en faire. Nous souhaitons implémenter de nouvelles choses en nous fiant bien-entendu, aux recommandations émises par les participants aux éditions antérieures. Nous envisageons une ouverture encore plus grande au secteur privé national et international, aux entités et fondations qui s’intéressent à l’art contemporain d’Afrique.

Nous allons rendre encore plus efficiente la gouvernance de la biennale, en revoyant son statut et celui des artistes qui doivent y participer. Tous les différents aspects seront revus pour permettre une organisation qui réponde aux normes internationales en la matière.

Nous allons également préserver ce qui fait la particularité de cette biennale de Dakar ; c’est une manifestation organisée par l’État et pour l’Afrique, mais qui s’ouvre également au secteur privé et au reste du monde – une ouverture qui s’observe dans le caractère international de la programmation et des équipes « curatoriales ».

Nous mettrons également un accent sur les discours et les messages des artistes que nous considérons comme des visionnaires. À la biennale, nous permettons aux créateurs de nous dire ces choses qui doivent arriver et qu’ils perçoivent bien souvent avant nous grâce à leur imaginaire.

Comprenez à travers tous ces mots qu’il y a toujours des difficultés à organiser une biennale, mais il n’y a certainement rien de plus charmant et de plus passionnant.

Propos recueillis par Lamine Ba

Un monde en commun, une nouvelle exposition majeure célébrant le paysage dynamique de la photographie à travers le continent africain aujourd’hui. Réunissant 36 artistes de générations et de géographies différentes, A World in Common: Contemporary African Photography explore comment la photographie et la vidéo ont permis aux artistes d’examiner les héritages du passé tout en imaginant des avenirs plus prometteurs. Se déployant en sept sections thématiques, l’exposition met en lumière les perspectives contemporaines sur le patrimoine culturel, la spiritualité, l’urbanisation et le changement climatique, révélant des visions artistiques partagées qui se réapproprient les histoires de l’Afrique et réinventent sa place dans le monde.

Artistes : Kelani Abass ; Léonce Raphaël Agbodjélou ; Malala Andrialavidrazana ; Atong Atem ; Sammy Baloji; James Barnor; Edson Chagas; Kudzanai Chiurai ; Digue Ndidi ; Andrew Esiebo ; Em’kal Eyongakpa ; Rotimi Fani-Kayode; Hassan Hajjaj; Délio Jasse; Julianknxx ; Samson Kambalu ; Kiripi Katembo ; Lebohang Kganye ; Kiluanji Kia Henda ; François-Xavier Gbré ; Maimouna Guerresi ; Mario Macilau; Lazhar Mansouri; Sabelo Mlangeni ; Cristina de Middel; Santu Mofokeng ; Fabrice Monteiro; Aïda Muluneh ; Wura-Natasha Ogunji; Zohra Opoku; George Osodi; Ruth Ossai; Léonard Pongo; Dawit L. Petros; Zina Saro-Wiwa; Khadija Saye.