Commissaire d’exposition indépendante et galeriste, Carole Onambélé Kvasnevski est née à Yaoundé au Cameroun et vit à Paris où elle a ouvert sa première galerie en 2010. Elle y expose des artistes originaires d’Afrique et de sa diaspora. Visible dans les grands événements d’art dans le monde, c’est à Paris Photo que nous l’avons rencontrée. 

Couleur Café : Comment est née l’idée de la galerie ?

Carole Kvasnevski : La galerie est arrivée parce que j’avais un lieu en tant qu’artiste. Et ce lieu est devenu un lieu d’exposition pour des amis artistes. Et de fil en aiguille, on a pris goût à exposer les autres. On a vu que ça fonctionnait pas mal, qu’il y avait des amateurs d’art qui s’intéressaient à ces artistes qui étaient des amis. Donc on s’est dit qu’il y avait quelque chose à faire pour développer des expositions. 

CC : Et en quelle année as-tu vraiment commencé ?

CK : C’était dans les années 2003. C’était à Bois-Colombe. C’était une galerie associative que j’avais créée avec une amie. Nous étions deux à exploiter ce lieu situé vers la gare de Bois-Colombe.

CC : Ensuite tu as changé de statut ? 

CK : Oui, j’ai changé de statut parce que moi j’habite à Paris depuis plus de 30 ans. Et donc j’allais dans l’autre sens. J’étais à contre-courant par rapport au flux du matin, les gens qui venaient travailler à Paris. Moi j’allais en banlieue, même si c’était une banlieue proche à 5 minutes de Paris. Et au bout d’un moment j’ai trouvé que ça aurait été quand même bien que je m’installe là où je vis à Paris. C’est là où les choses se passaient, donc j’ai ouvert un deuxième lieu après 6 ans à Bois-Colombe. 

CC : Aujourd’hui donc t’es entre Paris et New York, qu’est-ce qui t’a poussée à faire ce choix ? 

CK : C’est un choix qui s’est imposé, ça m’a semblé évident. Depuis 2016 nous participons à des foires, des salons un peu partout dans le monde. Et une de ces destinations c’est les États-Unis. Puisque c’est là où on trouve beaucoup de collectionneurs. New York étant la première ville d’art au monde, là où on trouve le plus de collectionneurs. Donc nos clients étaient un peu partout aux États-Unis et surtout à New York. Ça nous a semblé évident qu’il fallait aller au plus proche de nos clients et de nos collectionneurs. 

CC : Il y a pas mal de photos est-ce un choix ?

CK : Il y a beaucoup de photos parce que tout simplement nous sommes dans une foire dédiée à la photo, Paris Photo, où on ne présente que de la photo, sous toutes ses formes. La galerie Carole Kvasnevski est une galerie généraliste. Nous avons des artistes peintres, plasticiens en tous genres, sculpteurs et des photographes. 

CC : Il y a tout de même beaucoup de travaux de femmes.

CK : Parce que je me suis rendue compte, lorsque j’ai ouvert ma galerie, que j’avais beaucoup d’artistes hommes voire uniquement des artistes hommes. Et à un moment donné il y avait cette invisibilité des femmes qui m’a paru criante et je me suis dit qu’il fallait aussi intégrer des artistes femmes et arriver à une parité. Et c’est vrai que, me penchant plus vers le travail des femmes, petit à petit je me suis retrouvée avec pas mal d’artistes femmes. Étant une femme aussi, je me sens concernée. 

CC : La galerie présente dans les salons en Afrique ? 

CK : Oui nous faisons quelques salons en Afrique là où ça se passe c’est-à-dire Marrakech avec 1-54, Cape Town, je suis aussi allée à Lagos. Oui il y a encore plus à faire, j’ai participé à d’autres événements à Dakar, pendant la biennale Dak’Art. 

CC : Une question un peu plus générale, quel est ton regard sur l’art aujourd’hui en Afrique ? 

C K : Je suis née au Cameroun où j’ai grandi jusqu’à l’âge de 10 ans. Lorsque je suis arrivée en France, j’ai un petit peu oublié tout ça pendant un petit moment. Je me souviendrai toujours de la phrase de mon père qui disait : «  Je vous ai emmené en France, à vous de vous retourner vers l’Afrique et de savoir y retourner. » Et un jour je me suis réveillée, cette phrase m’a interpellée et je me suis dit qu’il était temps que j’aille à nouveau découvrir ce qui se passe au Cameroun pour commencer puisque c’est mon pays. J’ai commencé à aller voir des scènes là-bas vers les années 2014 2015, j’y ai pris goût, puis je suis allée voir ce qu’il se passe dans d’autres pays, au Sénégal, en Côte d’Ivoire, et j’ai vraiment découvert une scène foisonnante qui évolue au fil des années, qui est complètement connectée au monde. Nous avons une richesse incroyable avec des artistes incroyables.

Plus d’informations sur : https://www.galeriecarolekvasnevski.com/

Mettre à l’honneur tous les créateurs qui fabriquent des éléments de décoration d’inspiration africaine. Ce qui inclus les Afro-descendants, et le Maghreb. Il ne s’agit pas simplement de l’Afrique subsaharienne, il y a l’Afrique dans sa globalité et les Antilles.

Le but est de présenter aussi des créateurs qui vivent en France qui ont des créations qui s’inspirent de leur 2 cultures. Cet événement permet de mettre en avant la pluralité et le multiculturalisme en France.

Objectif

Le salon AfroDéco a pour objectif de valoriser le meilleur de l’artisanat africain à travers une exposition vente d’éléments de décoration, d’arts de la table, d’ameublement, de beaux-livres, de photographies et de peintures. Il s’agit de mettre en lumière une diversité, un raffinement, et de nombreux savoir-faire.

Comment y participer ?

 Réserver un stand via le site www.salonafrodeco.com on y trouve toutes les informations concernant les exposants. L’essentiel est de faire connaitre les créateurs d’inspiration africaine qu’on ne connait pas assez.

Quand et où ?

Du samedi 5 au dimanche 6 novembre 2022

Palais de la femme : 94 rue de Charonne, 75011 Paris

Une occasion pour les acheteurs ou collectionneurs de rencontrer et découvrir de nombreux artistes venant d’Afrique, du Brésil, des Caraïbes, d’Europe ou d’Amérique. Des rencontres sont aussi programmées, à travers lesquelles AKAA invite le public à rencontrer les artistes, les commissaires, les galeristes et autres passionnés d’art contemporain.

Cette année l’artiste Nnenna Okore, représentée par October Gallery à Londres est invitée pour une carte blanche dans l’espace des Rencontres AKAA au sein de la Grande Halle du Carreau du Temple.

Un événement à ne pas manquer !

Plus d’informations sur : https://akaafair.com

Photographies : Dollar Mouelle

Après avoir été repoussée pour cause de Covid-19, la biennale de Dakar est de retour. Couleur café s’est intéressé au travail de l’artiste pluridisciplinaire Boubacar B. Diabang alias Cool Diabang, 

Né à Abéné, un village côtier de Casamance en 1972, Diabang est issu de la promotion 1996 de l’École Nationale des Beaux-Arts de Dakar (1992-1996). Par la suite, il se forme, en effectuant plusieurs stages, à l’animation d’ateliers d’Art Thérapie à l’Université Alanus Hochschule à Bonn en Allemagne (2013-2014). Son travail actuel s’articule autour de la protection de l’environnement et de la nature. Il dénonce l’exploitation aveugle  des ressources minières en Afrique provoquant des problèmes d’insécurité sociale et alimentaire.

En Casamance, l’artiste s’engage auprès des siens, pour défendre leur terre contre le projet d’exploitation du Zircon et contre l’installation d’usines de transformation de produits halieutiques ne respectant pas les normes, hautement néfastes pour l’environnement et la santé de la population.

Parce que « la révolution commence dans l’assiette », lors de cette 14^e édition de Dak’Art, Cool Diabang propose une performance artistique. Un projet collaboratif transdisciplinaire « food art » intitulé « Salade Kanja ». Il démontre qu’il est important de revenir à la nourriture naturelle que la nature nous procure. Pour ce faire, le « performer » a embarqué deux autres artistes interdisciplinaires : Ibaaku ExStaz, poète sonore et Fatou Samb, chorégraphe. Ces 3 artistes invitent leur communauté à davantage s’intéresser à la provenance de la nourriture. Ils militent pour moins d’artifices dans les technologies culinaires, moins de génie génétique dans la culture du vivant végétal. Surtout, ils ne veulent plus de nourriture souillée par les pesticides, qui nuisent à la santé humaine et dégradent les sols. Enfin, ils réclament moins de dépendance  alimentaire, plus de souveraineté et de sécurité alimentaire.

#greenriposte #food art #loositoo #indaffa #DakArt2022 #actionclimat

Couleur Café : Comment as-tu commencé ?

Patelam Art : Tout a commencé à Kinshasa en 2005, lorsque j’ai voulu explorer ma fibre artistique que je nourrissais à travers les dessins de visages de femmes et des vêtements que je créais souvent pour moi. Mon art a évolué vers un mélange de sculpture, modélisme et fonctionnalité. 

Sculpter devenait impérieux pour moi car je voulais que mes dessins aient du relief et l’émoi que je ressentais à chaque fois que je me retrouvais face à une sculpture. Les détails des visages, leurs expressions me fascinaient.

Ne voulant pas être une « desperate housewife », J’ai demandé à mon époux de me ramener de l’argile, mes doigts ont pris la place du crayon et l’argile celle du papier. C’est ainsi que le premier visage est apparu. Ensuite ont suivi kyrielle de visages et figurines qui a attiré l’attention de sculpteurs (ices), qui m’ont fait l’amitié de me prodiguer de précieux conseils et tutoriels. 

Aimant créer des vêtements, la création des Poupées d’artiste, était ce qui me parlait le plus. Je m’exprimais franchement  par la création de sculpture que j’habillais avec des tissus et des bijoux. Le nom Mandobell art dolls, vient de Mandone, un surnom qu’un oncle m’avait attribué.

L’art et l’esprit de Carrol Boyes, une sculptrice sud-africaine décédée en 2019, ont été déterminants dans la maturation de mon art. Elle m’a permis de comprendre comment personnifier des objets usuels : Un plateau de service a pour anses des plongeurs ! Une anse de carafe. C’est ainsi que Mandobell art dolls est devenue Patelam art.

C. C. : Qu’est ce qui t’inspire ?

P. A. : Les courbes des visages, leurs expressions, les sourires, la gestuelle, un port altier, une nuque, un joli galbe de mollet, une fossette qui marque une joue. Le visage de ma mère, celui de ma grand-mère.

C. C. : Tu créés des personnages, tu sculptes à partir d’une photo, peux-tu nous raconter en quelques mots le processus d’une création ?

P. A. : La plupart du temps mes personnages sont issus de mon imagination. Il m’a parfois été demandé de reproduire des visages à partir des photos. Pour La création d’objets tels que le plateau fromage femme Sawa, j’ai dû concevoir, dessiner la forme du plateau (bois) imaginant l’expression du visage que j’y apposerai. 

La sculpture ou le modelage des visages se fait souvent comme une conversation entre l’argile, mon esprit et mes doigts. Mes outils préférés sont mes doigts. J’ai souvent recours aux aiguilles pour les traits de visages et pour des miniatures, Une fois que le visage suscite une émotion en moi, je le passe au four ménager. Une fois l’argile cuite, elle est poncée et peinte, puis je procède au choix du pagne. Après le drapage de la sculpture, il lui est appliqué un vernis alimentaire pour la rendre étanche et durable. 

C. C. : Quelle est ta matière préférée ?

P. A. : Ma matière préférée est l’argile car j’aime modeler. Qu’elle soit polymère, à eau ou en papier. J’aime son contact dans le creux de ma main. 

J’aime aussi les tissus, le verres et les métaux. Mon rêve ultime est de réaliser des sculptures en verre, avec du cuivre et de l’argent. 

C.C. : Lorsque tu travailles tu écoutes beaucoup de musique, pourquoi ?

P. A. : J’aime la musique. Elle décuple mon imagination, et me permets d’entrer dans ma bulle. Je ne vois pas le temps passer.

C. C. : Quelles musiques écoutes-tu ?

P. A. : Smooth jazz, jazz sud-africain, samba, Manu Dibango Etienne Mbappe Richard Bona, Marvin Gaye, Tania Maria, Norman Brown, Miles Davis, de l’afro-beat. Mais j’ai une préférence pour le smooth jazz. 

C. C. : Tu préfères travailler de jour ou de nuit ?

P. A. : Tout dépend de mon inspiration. Pour plus de discipline on va dire de jour mais ma journée se termine souvent très tard dans la nuit.

C. C. : Tes personnages sont souvent vêtus de foulards, d’habits traditionnels, y-a-t-il des messages à travers tes créations ? 

P. A. : Si par message on entend conjuguer finesse, utilité, Sawa et Cameroun ? Oui. Notre art est parmi les plus beaux au monde, à en juger par ce qui s’exporte. 

Pendant très longtemps nous avons fantasmé sur les cultures des autres (massai, Ndebele, Ashanti, baoule…) notre culture est riche. Le port du vêtement traditionnel vise à souligner notre identité. J’aimerais à ma façon susciter une curiosité pour notre culture. 

C. C. : Tu décores aussi des objets fonctionnels…

P. A. : Le simple geste de boire de l’eau peut devenir un geste artistique. Y rajouter le sourire chaleureux de la figurine qui sert d’anse à la carafe transmet une certaine énergie. 

J’observe l’objet sous toutes ses coutures et identifie l’emplacement le plus pratique pour la sculpture et sa signification : 

Par exemple pour les cloches à fromage avec un torse de femme en kaba, la cloche en rotin qui devient le prolongement de la jupe du kaba qui rompt le suspense en dévoilant à chaque fois qu’on la soulève le magnifique plateau décoré de plusieurs assortiments de fromages.

C. C. : Tu sembles avoir une clientèle fidèle, comment vends-tu tes œuvres ?

P. A. : En effet, ma communauté s’appelle les Patelamers, ce sont des gens qui vivent l’art. Ils le voient partout. D’où notre slogan «  living in art ». Je vends mes œuvres à travers les réseaux sociaux  Instagram, Facebook, Whatsap et le bouche à oreille. 

OÙ TROUVER PATELAM

A la Patelam art gallery à Bonapriso, 388 au 1er étage de la résidence jabea, 2361 rue du carrefour armée de l’air. 

Facebook https://www.facebook.com/Patelam-Art-288813097815715/ 

Ou https://www.patelamart.com/

Comment as-tu débuté dans la photographie et quel rapport entretiens-tu avec ce médium ?

La photographie est venue vers moi, suite à une formation technique et mon engouement pour le numérique. Je me définis comme un artiste visuel, j’utilise la photographie comme medium principal dans mon travail. La photographie me permet d’observer les choses avant de chercher à comprendre ou à réfléchir. C’est un moyen d’expérimentation, et il témoigne de mon regard particulier, un regard situé entre ma sensibilité d’artiste et la réalité du monde. Mon travail récent « Agbara women » interroge la notion de la mémoire et du patrimoine, comme potentiel et relate  la complexité de l’histoire de ces reines africaines.

Tu présentes souvent des séries de portraits, comment travailles-tu ?

Je n’ai pas choisi de faire des portraits, mais je me rends compte que les portraits racontent des histoire avec plus d’efficacité et de sensibilité. En 2014, voyant le corps vieillissant de ma grand-mère, la thématique de la dot m’a intéressé. La mutation de cette pratique ancestrale, la réappropriation de la dot par les jeunes Africains et le changement social qui en découle m’ont interpellé. J’ai commencé par explorer les objets de la dot du mariage de ma grand-mère à travers ceux que j’avais trouvés dans la maison : cantine en bois fabriquée par son futur époux, pagnes, perles, bouteilles de gin, bassines, miroir etc. Ces objets, je les ai photographiés et ainsi est né la série « L’Essentiel est invisible pour les yeux ». Ces images révèlent l’angoisse de celle qui, avec l’âge, souhaite laisser une trace de son passage dans la mémoire familiale. Ces objets rouillés et usés qui avaient vieilli avec cette femme  portent l’empreinte du temps. L’histoire personnelle de ma grand-mère c’est aussi l’histoire de millions de femmes africaines. 

Peux-tu nous parler de la série « Trace d’une reine » ? Comment est-elle née ?

Avec mon projet « Agbara Women », j’avais décidé d’explorer les mémoires et l’héritage des reines africaines précoloniales oubliées, négligées ou même effacées telles que – Tassi Hangbé (Danxomè entre 1708 et 1711), Njinga (Angola, 1582-1663), la Linguère Wolof Ndaté Yalla Mbodj, (Sénégal, 1810-1860). Au cours de mes recherches j’ai constaté l’absence d’archives malgré l’importance et le réel poids politique de ces reines à la tête des différents royaumes du continent, c’est ainsi que j’ai commencé à fouiller et à collecter des informations qui m’ont amené à raconter la complexité de l’histoire de ces reines.

En tant qu’artiste, j’ai voulu explorer une nouvelle expérience dans ma pratique photographique parce que je ne veux pas me limiter à un medium. Dans ma série “Traces d’une reine” j’ai réalisé plusieurs collages de photographies et d’images d’archives, qui révèlent le pouvoir de ces reines en Afrique. J’ai opposé l’aiguille, matérialisant la résistance des reines, à la fragilité de leur pouvoir incarnée par le papier. Mais ce fil (rouge) exprime aussi le fil conducteur de l’histoire. je relie archives et perspectives contemporaines permettant ainsi de relier, de souder entre eux des éléments disparates pour créer une nouvelle Histoire. Sur certains de ces collages, j’ai délibérément substitué la tête des souverains par celle des reines, mettant ainsi en scène des archives à la gloire de ces dernières. Je propose une autre version de l’Histoire en réhabilitant ces femmes.

Qu’est ce qui te caractérise dans ton travail ? 

Mon travail s’articule avant tout autour de la représentation du monde, mon vécu, mes expériences personnelles. En ce sens, mon expérience personnelle peut s’inscrire dans la multiplicité des expériences non visibles, sur la base d’une reconnaissance mutuelle de l’humain. 

Y-a-t-il des photographes qui t’inspirent ou as-tu des modèles ?

Je suis sensible aux œuvres de Rotimi Fani-Kayodé, qui me ramène à cette réflexion sur les lignes de la fragilité du corps et les multiples questionnements de la complexité des identités d’aujourd’hui. J’aime beaucoup la démarche de JR par exemple sur les portraits autour du monde, Kehinde Wiley, Mary Sibdande…

Comment travailles-tu durant cette période de la pandémie ?

C’est compliqué mais ce sont des périodes d’introspection importantes pour moi ce sont aussi des  périodes de production active.

Qu’est-ce que cette période t’a inspire? 

Etant assigné à résidence en Afrique, ça été une grande expérience personnelle. Je me suis reconnecté avec la nature.