Couleur Café : Peux-tu me décrire ton univers musical ?

Maddly : Je le vois comme un gros chaudron dans lequel il y a plein d’ingrédients. Je ne sais pas si on est la meilleure personne pour parler de son propre univers, mais je peux dire que le texte occupe une place importante dans ma musique, la notion de polyrythmie y est, j’aime avoir plusieurs types d’instruments qui vont se mélanger aux voix et créer un rythme. La basse est aussi un élément majeur dans la construction de ma musique. Ce sont tous ces éléments qui donnent le fondement des morceaux. Lorsque je présente mon projet, je dis souvent qu’il est autour d’un spectre où le texte est au centre avec des couleurs différentes. J’aime écrire des chansons en petit format, comme des ritournelles avec des superpositions de voix, et en même temps j’aime aussi des sons beaucoup plus produits.

Couleur Café : Autour de tes compositions, il y a aussi tout un univers visuel

Maddly : Je l’ai découvert en faisant. J’ai toujours été très intéressée par l’image et les différents degrés de narration. Lorsque j’ai commencé à produire mes morceaux, les images me sont venues assez rapidement et j’avais envie d’aller au bout de mes idées. Pendant la période de confinement j’ai essayé plein de choses toute seule, c’était une période d’expérimentation et de création. Je me suis amusée à faire des clips, avec l’idée de traduire en image ma musique tout en lui donnant un autre niveau de narration afin qu’on puisse aussi découvrir le morceau par l’image. Suite à cela, pour mes autres titres, je me suis fait accompagnée notamment par Jérémy Fontaine pour tous les clips fictions. J’arrivais avec un scénario très précis qu’il traduisait en mouvement tout en proposant autre chose. Nous tombons souvent d’accord, ce qui fait que nous travaillons assez vite ensemble.

Tes clips sont souvent tournés dans des endroits assez insolites, comment les trouves-tu ?

Le tout premier clip que j’ai fait avec Jérémy, était pour un texte que j’avais commencé à dire acapela en début de concert live. Il existe aussi en chanson, et va être ma prochaine sortie. C’était ma première carte de visite, je voyais un plan séquence en noir et blanc, dans un lieu complètement improbable, mais avec un look plutôt travaillé. C’est une copine qui a trouvé ce lieu à Épinay, non loin de chez elle, qui ressemble à des locaux de cinéma complètement abandonnés et ouverts au public. Lorsqu’on a visité ce lieu, on a tout de suite compris que c’était là qu’on allait tourner. J’ai appelé Jérémy et on y a réalisé ce fameux plan séquence en une journée. Ça s’est fait vraiment par hasard. Des clips ont été tournés dans des maisons de potes, sur le parking extérieur d’un centre commercial  ou dans d’autres lieux. Tout est aussi question de budget, l’idée est de trouver le bon endroit avec la bonne image.

On va revenir sur ton image ou ton look dans tes clips, est-ce que tu crées toi-même tes accessoires et tout ce qui va avec ou tu fais appel à quelqu’un ?

Je crée tout moi-même. En même temps j’ai des petits anges autour de moi. Je fais partie d’un réseau de copines artistes, certaines travaillent l’image et ont un regard sur le look que je trouve intéressant. Lorsque je pense un clip, le look fait partie de cet ensemble. L’image se joue aussi avec la silhouette, les lignes, et le look en fait partie. J’y réfléchis, je pars de l’esprit du titre, de ce que j’ai envie de dégager et autour de ça j’imagine un ou deux looks en intégrant aussi la coiffure. L’idée étant de trouver l’image juste, qui raconte ce que tu es en train de raconter dans le clip, le texte et la chanson.

Tu as sorti un EP en juin 2023

Effectivement ça va faire deux ans. J’ai écrit cinq chansons don le titre acapela, Réveille-toi, qui parle des clichés. On peut se définir de mille et une identités, je suis bien placée pour le revendiquer, il y a aussi l’image que les autres te renvoient. Je suis femme, on va me renvoyer cette image de femme, avec tout ce que ça implique, je suis noire, on va me renvoyer cette image-là avec des clichés ou pas. J’ai grandi à Saint-Denis mais ça ne se voit pas, je me sens ô combien Dionysienne et du coup il y a aussi cette identité de banlieusarde qui évoque certaines choses chez les gens. Ça m’a amusé d’écrire un texte qui reprend ces clichés sur les femmes, les noir.es, et les banlieusard.es, sur un ton assez sarcastique que j’invite le public à écouter. Le texte pourrait paraître assez léger, mais il est assez piquant, presque humoristique, je voulais mettre les gens face à cette réalité. Et à l’envers, nous sommes tous pétris de clichés. Il ne s’agit pas de dire que d’autres sont bons et d’autres sont mauvais, certains sont gentils et d’autres méchants. C’est surtout d’interroger les gens et de dire qu’il faut se réveiller parce le monde change et le monde peut changer sans toi si tu n’avances pas sur ces questions.

Et il y a la flûte, qui fait entièrement partie de toi, il y a bien évidemment ta voix, comment tu doses ces deux éléments dans ta musique ?

Je me suis aperçu, dans mon premier EP, qu’il n’y avait pas beaucoup de flûte. J’aime beaucoup la flûte, elle fait partie de moi, mais pour ce premier EP j’avais vraiment besoin d’apparaître comme ça, il n’y a pas beaucoup de flûte, la voix est importante, je ne peux pas l’expliquer. Par contre, la flûte est toujours présente quand je joue sur scène, soit en introduction, soit lorsque je prends un solo. J’intègre des vraies plages instrumentales lors des concerts. Dans mon prochain EP, la flûte est très présente dans les interludes, que je vois comme des instants musicaux. Et le prochain titre qui sortira bientôt, qui s’intitule Take it slow, est un instrumental dans lequel il y a de la flûte dans la construction, la superproduction, en solo. Cet EP va se construire un peu plus autour de la voix et de la flûte.

Propos recueillis par Ewané Nja Kwa

Chaîne youtube : https://www.youtube.com/channel/UCNR_iwbO9EZ-LTarESrFwOQ

Né officiellement le « 26 juin 1977 avec l’organisation du tout premier Concours de La Défense… avant même l’apparition de la Grande Arche ! », La défense Jazz Festival, Organisé par le Département des Hauts-de-Seine, offre chaque année au mois de juin une palette de couleurs musicales. A l’image de l’évolution du jazz, « L’hybridation des genres y est célébrée comme l’expression vivante en perpétuel mouvement. »

Ainsi, chaque année, on y retrouve une programmation gratuite assez éclectique pendant toute une semaine, avec à la clé deux grands concerts de jazz le week-end. Ce festival, qui s’inscrit dans le paysage musical depuis presque 50 ans, marque le début de la saison jazz en France. 

Une scène trônant au milieu de buildings de plus de 20 étages a accueilli le temps du lunch, entre 12 et 14 heures, puis entre 18 et 20 heures, sous un soleil ardent, du 23 au 29 juin 2025, des artistes venus de tous les continents. Le public, conquis, leur a réservé le meilleur accueil.

Retour en images sur des concerts majeurs :

Couleur Café : Ton jazz m’a ramené au bebop des années 1960, est-ce une période qui t’a influencé dans ta création ?

David Jacob : Oui j’aime aussi la période hard-bop et cool-jazz. Mon premier instrument est la trompette. J’ai commencé comme trompettiste et le premier album qu’on m’a offert était celui de Miles Davis. J’aime aussi la musique classique, Ravel, Debussy, kind of blue de Miles, je trouve qu’il y a beaucoup de concordances entre le piano et les harmonies. En étudiant la musique, j’ai compris que Bill Evans était un grand amoureux des compositeurs français, tout comme Miles Davis. C’est l’une des raisons pour laquelle j’affectionne leurs œuvres. En vérité, j’ai toujours été baigné dans cette musique, et cet album me raconte, c’est le jazz que j’ai envie de faire.

Couleur Café : Lorsqu’on écoute Yacouba Trio, le rythme et la mélodie sont essentiels.

David Jacob : Parce que j’aime la mélodie. C’est le support des paroles lorsqu’on écrit une chanson. La mélodie va amener l’émotion, j’ai essayé de créer des notes de mélodie qui mettent en avant ce que je ne pouvais pas faire avec la voix. C’est un album instrumental et la mélodie est très importante.

Ça se ressent dans ton jeu sur ta contrebasse, tu crées des mélodies qui se retiennent

C’est le but recherché. Je voulais des mélodies qui peuvent se retenir et qu’on peut chanter.

Dans Ouida Road, ton album, il est souvent question de Ouidah, du Benin. Peux-tu m’en dire un peu plus ?

Il y a eu une période dans ma vie où j’ai eu la chance d’accompagner le chanteur ougandais Geoffrey Oryema. Grâce à lui que j’ai pu jouer en Afrique. Lorsque nous sommes arrivés au Benin, j’avais la sensation, en étant sur le tarmac de l’aéroport, d’être comme à la maison. Lorsqu’on m’explique l’histoire du dernier Roi Behanzin, qu’on a exilé en Martinique, j’éprouve des sensations fortes. J’ai eu la chance de pouvoir faire la Route des esclaves, d’aller jusqu’à Ouidah et de faire tout le cérémonial que faisaient les esclaves avant d’embarquer. Tout cela était touchant et bouleversant. Pouvoir aussi échanger avec des musiciens béninois, comme John Arcadius, Maestro Mechac Adjaho qui joue de la flûte à bec, qui me disent avoir le sentiment qu’ils m’ont toujours connu, était aussi touchant. Lorsqu’il y a quelques  années, mon frère de sang me révèle avoir fait des tests ADN et découvert que nous somme Béninois à 25%, tout ce que j’avais vécu au Benin prenait du sens. Je suis un descendant d’esclave, mon père est Martiniquais ainsi que mes ancêtres, mais nous sommes d’origine béninoise. Pour qu’un arbre pousse  bien, il faut qu’il ait de bonnes racines. D’un seul coup, je me suis senti soulagé, mes racines étaient là. Raison pour laquelle cet album s’intitule Ouida Road, sans le H de ouidah, parce que mes copains m’appellent Daoud, on y trouve aussi des lettres de David. Cet album est mon chemin de vie.

Tu as une grande expérience dans la musique, tu as étudié aussi bien de la musique classique que du jazz, tu joues du rock, tu reviens au jazz, ton parcours est fait de va-et-vient.

Effectivement, tout jeune vers l’âge de 7 ans j’ai commencé par le conservatoire où j’ai étudié la musique classique, puis je suis passé au rock, et au jazz.

Je suis un Havrais d’origine antillaise, Le Havre est aussi une ville où le rock prédomine. Je suis né dans une maternité qui s’appelle Colmoulins, dont le nom rappelle celui d’une famille esclavagiste qui a joué un rôle dans le commerce triangulaire. On trouve l’une des plus grosses communautés antillaises au Havre. J’ai grandi en écoutant du rock’n’roll, mes copains écoutaient du rock, c’est la ville de Little Bob, qui continue encore à faire des concert, i y a aussi cette proximité avec l’Angleterre qui fait qu’on écoutait souvent du rock anglais, certainement plus que de la musique américaine. J’ai fait partie de plusieurs groupes de rock et lorsque j’ai rejoint le groupe Trust, c’était déjà ma culture. Lorsque j’avais 14 ans, mon premier album était celui de Trust. Le cheminement me paraissait normal, je retrouve les mêmes racines, noires et occidentales. J’aime la musique.

La majorité des titres de ton album sont en anglais

Il y en a aussi en français, L H pour Le Havre, Lily c’est ma compagne, Station Stalingrad pour mon côté Parisien et Why Tea qui est un jeu de mot, est un morceau hommage à Yves Torchinsky, mon professeur, j’aime les jeux de mots.

Lorsqu’on observe le visuel de cet album, on perçoit quelques éléments, comme la terre…

Pas seulement la terre, il y a aussi le triangle, qui symbolise le commerce triangulaire, avec une pointe vers l’Europe, une autre vers le continent africain et une autre vers les Caraïbes. C’est aussi mon histoire. Le triangle a trois côtés et mon groupe est un trio. Je n’aurais pas pu faire cet album sans Hakim Molina à la batterie, Nicolas Noël au piano.

Ce sont tes compagnons de route, à l’écoute de votre musique, on y ressent beaucoup de complicité.

On se connait depuis plus de 20 ans. Lorsque j’ai écrit ce projet, je voulais le faire avec des gens que j’aimais humainement. Ce sont d’excellents musiciens avec lesquels je sais que je ne vais jamais m’ennuyer. Il y a une vraie complicité, ils sont très à l’écoute et il n’y a aucun problème d’égo. On peut se parler clairement. 

Propos recueillis par Éwané Nja Kwa 

Quelques dates :

31 juillet 2025 Le Fury’Bar, Rouen (76)

09 août 2025 Jazz au Club House, Tennus Club, Veules-les-Roses (76)

12 août 2025, Les Musical’Ile, l’Ile Tudy (29)

17 octobre 2025, Centre culturel Juliobona, place Pierre de Coubertin, Lillebonne (76)

8 novembre 2025, Manoir d’Argueil (76), Concert privé

16 mai 2026, Festival Jazz au Confluent, Conflant-Sainte-Honorine (78)

Pour plus d’information : www.yacoubatrio.com

Marie-Laure de Decker est une photographe singulière. Grande dame de la photographie, elle a promené sa caméra sur tous les continents, où elle « a su capter les visages, les luttes et la dignité humaine, en refusant les effets spectaculaires au profit d’une photographie de l’écoute et de la présence, attentive aux marges et aux silences. » Son leitmotiv au quotidien fut l’humanité et le soucis de « la vérité derrière chaque instant, même dans les situations extrêmes. »

C’est dans les années 1070 qu’elle embrasse le métier de photographe. Ses premiers sujets seront la guerre. Celle du Vietnam où elle séjourne entre 1971 et 1972. Puis le Yémen en 1973 et le Tchad en 1975, où elle s’implique pour la cause des combattants Toubous. Membre de l’agence de photo Gamma, elle collabore avec de nombreux journaux comme Le Monde, Paris Match, Libération, The New York Time, Stern, Corriere Della Sera, Elle, Vogue. Témoin de l’histoire, souvent là où il faut au bon moment, Elle est de tous les combats et voyages. Comme les manifestations féministes qu’elle photographie à Paris, le droit à l’avortement à Rome, ou encore les dernières années du régime de l’apartheid en Afrique du Sud.

L’ensemble du travail de la photographe, puissant et d’une forte intensité, présenté et conçu à la Maison Européenne de la photographie à Paris en collaboration avec Pablo Saavedra de Decker, son fils, permet de remonter le temps.

L’exposition photo est à voir à la MEP du 04 juin au 28 septembre 2025

5/7 rue de Fourcy, 75004 Paris

Projections

Samedi 6 septembre 17 :00 à l’auditorium : Projection du film Sur les traces de Gerda Taro de Camille Ménager (France/2020/60 min)

Samedi 13 septembre 17 :00 à l’auditorium : Projection du film Un voyage chez les Woodabés de Marie-Laure de Decker (France/2004/52 min)

Samedi 20 septembre 17 :00 à l’auditorium : Projection du film Ukraine, des photographes dans la guerre, réalisé par Julien Boluen et Frédéric Decossas (France/2022/52 min)

Jeudi 25 septembre 19 :00 à l’auditorium : Projection du film Le procès contre Mandela et les autres de Nicolas Champeaux et Gilles Portes (France /2018/103 min)

Couleur Café : Peux-tu nous raconter la genèse du Festival Africlap ? Qu’est-ce qui t’a poussé à le créer ?

Bernard Djatang : Quand je suis arrivé à Toulouse en 2006 pour étudier l’esthétique du cinéma, je pensais avoir enfin accès à toutes les œuvres africaines que je ne pouvais pas voir au Cameroun, mon pays d’origine. Mais j’ai vite déchanté : dans les cursus, aucun film africain n’était abordé, et même ici, ces œuvres restaient invisibles. Je me suis alors posé une question simple : où peut-on voir ces films, ces récits faits par nous et pour nous ? En réalisant que je n’étais pas le seul à chercher ces histoires, l’idée d’un festival est née. Plutôt que de regarder ces films seul dans mon coin, j’ai voulu créer un espace collectif. Un lieu de partage, de découverte, d’échange. Africlap est né de cette envie de transmettre notre cinéma, notre mémoire, notre regard.

Couleur Café : Quelles ont été les principales évolutions du festival depuis son lancement en 2014 ?

Bernard Djatang : En douze ans, Africlap est devenu une référence culturelle à Toulouse et dans le sud-ouest. Le public a grandi avec nous, il s’est fidélisé, et surtout, il a changé son regard : il découvre que l’Afrique est plurielle, créative, audacieuse. Aujourd’hui, même les cinémas de la ville commencent à programmer des œuvres africaines en dehors du festival, parfois même en avant-première. C’est une victoire. Le cinéma africain est en train de devenir visible, parfois même bancable. 

En quoi Africlap se distingue-t-il des autres festivals de cinéma africain en France ?

Dès le départ, Africlap s’est positionné comme un festival 100 % dédié aux cinémas africains, avec plus de 50 films par édition. Nous sommes les seuls à porter ce projet dans le sud-ouest de la France. Mais Africlap, ce n’est pas que du cinéma. C’est aussi un village culturel, un festival dans le festival, avec concerts, artisanat, rencontres. L’idée, c’est de créer une immersion complète dans les cultures africaines. Le village des arts africains, qui a lieu l’été, est désormais un événement autonome, mais toujours lié à l’esprit d’Africlap.

Quel regard portes-tu sur la représentation des cinémas d’Afrique et de la diaspora en France ?

Il reste encore beaucoup de stéréotypes et de filtres. Nos récits doivent être racontés par nous-mêmes, avec notre esthétique, notre rythme, notre vérité. Il ne suffit pas de parler de l’Afrique, encore faut-il l’incarner à l’écran, jusque dans les choix techniques. Des festivals comme Lumières d’Afrique à Besançon, ou le Fespaco au Burkina Faso, m’ont inspiré. Ils prouvent qu’une ligne éditoriale exigeante peut exister et qu’on peut faire du cinéma africain un vecteur de pensée et de fierté.

Quels sont les défis pour faire grandir Africlap ?

Les ressources humaines et financières. Africlap fonctionne sans salarié. Nous sommes une équipe 100 % bénévole. C’est une force, mais aussi une fragilité. Sans financement, on ne peut pas embaucher, ni développer toutes les actions qu’on imagine.

L’autre défi, c’est la circulation des œuvres. Beaucoup de films ne trouvent pas de distributeur. Notre mission est aussi de leur offrir une seconde vie, un public, un écho.

Pourquoi est-ce si important de créer une plateforme pour les jeunes cinéastes africains et afrodescendants ?

Parce qu’ils sont nombreux à chercher, à tâtonner, sans cadre ni soutien. Africlap veut être un espace de formation, de rencontre, d’expérimentation. C’est dans nos statuts depuis le début : ne pas seulement diffuser, mais accompagner la création. On veut aider ces jeunes talents à structurer leurs idées, à croire en leurs récits, à les rendre visibles et audibles, ici comme là-bas.

En quoi les regards africains et afrodescendants sont-ils essentiels aujourd’hui ?

Parce qu’ils rééquilibrent les imaginaires et permettent de repenser la societe. Ils racontent l’Afrique de l’intérieur, sans filtre. En valorisant ces regards, surtout dans une ville comme Toulouse, on donne aux générations issues de la diaspora des repères, des références, une fierté.

Quel est le rôle des festivals comme Africlap dans la construction de récits afro-diasporiques ?

Africlap permet aux jeunes créateurs de se reconnecter à leur histoire, de poser des mots, des images, sur des héritages parfois oubliés ou déformés. Travailler la mémoire, c’est visiter les lieux, comprendre les trajectoires, se réapproprier ce qui nous appartient. Et en faire une force de création et du mieux vivre ensemble.

Comment le cinéma devient-il un outil de transformation sociale pour les jeunes de la diaspora ?

Le cinéma permet de reprendre confiance en soi, de s’inscrire dans une histoire, de comprendre sa place dans la société. C’est un levier puissant pour dépasser les fractures, pour raconter autrement, pour se construire.

Quel rôle les institutions françaises peuvent-elles jouer ?

Les institutions doivent nous soutenir concrètement : en finançant, en valorisant, en diffusant nos initiatives. Mais aussi en facilitant l’accès des jeunes à ces œuvres, pour changer les perceptions et construire un imaginaire commun plus juste.

Quelle est ta vision à long terme pour Africlap et les jeunes talents que tu accompagnes ?

Créer un incubateur cinématographique dédié à la jeunesse, avec des ateliers d’écriture, de développement, de production. Et surtout, ouvrir un lieu de diffusion permanent du cinéma africain à Toulouse. À long terme, je veux que les films africains soient visibles dans les écoles, les lycées, les universités. C’est là que se construit la conscience culturelle.

Propos recueillis par Pauline Carbo

AFRICLAP TOULOUSE