Etoile filante de sa génération, Jean K Jean est l’un des rares créateurs malien à s’imposer sur la scène internationale.  Son univers, détonne par ses propositions innovantes. Autant que les saisons dessinent son engagement pour son art, elles forgent l’image de ce jeune créateur aux ciseaux d’or. Nul doute que cet  Ex étudiant du conservatoire Arts et Métiers Mutltimédias Ballafaseké Kouyaté de Bamako, mention chorégraphie fascine par son univers ultra moderne, alliant tradition et modernité pour le bonheur de sa clientèle à travers le monde. Lorsque ce fruit mûr de la biennale artistique et culturelle de 2003, 2008, 2005, 2010 pour la région Sikasso, n’est pas sur la scène de la danse contemporaine, on le trouve dans son atelier en train de créer des pièces de collection. Jean K Jean emboite les pas du chantre de la mode au Mali, Chris Seydou. Chaque pièce transpire l’emprise du maître sur l’élève. Le PDG et le Directeur artistique de JKDRESSING, nous a reçu dans son atelier de Badalabougou, où il modèle avec passion la femme malienne du 21e siècle. Belle, tradi-moderne et assumée, en innovant des étoffes nobles comme le bogolan, le pagne tissé, des tissus bio, issus de teinture setacolor, des couleurs naturelles et végétales comme l’indigo, le ngalama, ou le sorobilen. 

Couleur Café : Comment êtes-vous venu à la mode ?

Jean K Jean: Je peux dire sans manquer de modestie que je suis la mode (rire). Enfant, lorsque nous partions à l’école avec mes frères et sœurs, pour la “petite histoire”, j’étais en 3e année de l’école primaire (niveau CE2), au moment de faire les devoirs, je découpais  les livres d’apprentissages en petites robes, tops ou jupes. C’était, sans le savoir, mon premier atelier créatif. Je découpais toutes les pages et faisais mes modèles. Je devais avoir 8 ou 9 ans, en somme, je pense que j’ai toujours été dans la mode. Je harcelais mes sœurs pour qu’elles me laissent faire des croquis

CC : Vous venez initialement de la danse, quels souvenirs gardez-vous de ces années d’apprentissages?

JKJ : Après la biennale artistique et culturelle du Mali, boosté par les bonnes critiques de mes professeurs, je me suis inscrit au concours d’entrée au conservatoire en 2008 et parallèlement j’ai travaillé avec Kettly Noël, la chorégraphe haïtienne qui avait installé sa compagnie et son festival Dense Bamako Danse au Mali. J’ai travaillé durant 4 ans avec elle, j’étais son assistant de gestion, de comptabilité. On a fait le Festival Dense Bamako Danse ensemble, où j’ai porté le festival en 2013 et 2015, à ses côtés. J’ai pu bénéficier d’une formation sur la coordination d’événements de danse et de festival en Allemagne. Après mon expérience à Donko Seko, je suis rentré et j’ai brusquement arrêté de danser. Je suis remonté sur scène en 2021 pour ma pièce.

CC : Revenons à la mode, vous revenez vers la mode, est-ce un retour aux premiers amours ?

JKJ : Oui absolument. J’ai été embauché pour gérer une maison de couture, AfroFashion dirigée par Mounish. Je faisais le lien entre elle et les tailleurs. J’ai toujours cette fibre de créateur de mode en moi mais je ne travaillais pas vraiment. C’est véritablement en 2017 que j’ai pris la décision d’être designer lorsque j’ai travaillé comme bénévole pour la créatrice Adama Paris à la Dakar Fashion Week. Lors de cette collaboration, j’ai eu le déclic et j’ai décidé de lancer ma propre marque, JK dressing. « J » pour mon prénom Jean et « K » pour Kassim. Dressing est le lien qui montre ce que l’entreprise fait. Je voulais créer ma marque pour les danseurs, les chanteurs, les artistes et non pour le grand public. Mes collections sont un peu décalées par rapport à la norme. C’est le lien que je fais entre la danse et la mode.

CC : Vous restez fidèle à la danse et à la mode, comment faîtes-vous justement le lien ? 

JKJ : Concernant la connexion entre la danse et la mode, elle est très grande, parce que ma création ne se limite pas qu’aux vêtements. La collection Naréna Solo par exemple reflète la culture donso, les pensées, savoirs et thématiques liés à cette confrérie. Le travail d’un danseur contemporain ou du danseur traditionnel est de prendre une thématique purement traditionnelle pour créer une nouvelle pièce. L’art en est la continuité. Prenons un thème purement traditionnel, la collection pyjamas story illustre le mouvement des pyjamas, les tenues que les femmes portent pour leur soirée nuptiale selon nos tradition. L’artiste déplace et transpose des concepts. Je déplace des  éléments vers un espace, dans lequel je m’amuse à créer. Le lien c’est la fluidité entre le corps, le mouvement et l’espace. Quand je travaille sur une collection tant que le tissu ne me parle pas, tant qu’il ne danse pas avec moi, je ne suis pas inspiré. 

CC : Comment définissez-vous vos collections ? Qu’est-ce qu’elles vous inspirent aujourd’hui ? 

JKJ : Toutes mes collections sont fluides, depuis la toute première, N’golo. Il y’a eu pyjama story, Vie-time ; ensuite ligne de wax, après bonjour, a suivi Egypte chic, après il y’a eu Hello, puis Narena Solo, Tonton jean, ainsi que Sabot. Il y a également eu Sankaba 223, oh Le cri de seydou, qui est un hommage à l’icône Chris Seydou. J’ai réalisé 14 collections depuis la création de ma marque. Toutes ces collections dansent, parce qu’à chaque fois que je fais une collection, j’essaye de trouver la musique qui lui l’habille, les accessoires, les personnes qui pourraient les incarner pendant le shooting. Je fais de la haute création, une création qui passe par l’espace, le temps, ainsi que les quatre éléments de la nature.

Propos recueillis par Dia Sacko

Comment est née l’idée de créer des Kimonos avec des tissus wax ? 

En juin 2019, à lors d’un voyage en Guadeloupe, je me suis fait confectionner un kimono en tissus pagne. Face à l’engouement suscité par ma tenue entre mon départ de Paris et mon arrivée à destination, j’ai décidé de lancer la marque Kiru’Mono. J’ai pour ainsi dire fait une étude de marché in vivo.

Avez-vous déjà été au Japon ?

J’avais prévu d’y aller en avril 2020. La pandémie étant passée par là, j’ai reporté ce projet, ainsi que d’autres.

La culture japonaise est à priori tellement éloignée à la vôtre, qu’est ce qui les rapproche ?

Dans mon pays natal le Cameroun, nous avons une ethnie à l’ouest qui porte des vêtements qui rappellent le kimono. J’ai donc fait le parallèle.

Vous respectez tous les codes de la création du Kimono, comment travaillez-vous ? Est-ce vous qui les dessinez ?

Je travail à l’instinct. Je suis autodidacte. Je travaille avec différentes dessinatrices à qui je donne des indications. Elles me font les dessins.

Avez-vous une clientèle Japonaise ? Si oui Comment a-t-elle accueilli ces kimono version africaine ?

J’ai effectivement des clients japonais, lorsqu’ils voient le nom de la marque et me voient en personne, ils sont agréablement surpris parce qu’ils observent qu’un travail de fond a été effectué, que la marque Kiru’Mono est une déclaration d’amour à ce pays où je ne suis jamais allé.

Est-ce des modèles uniques ou les fabriquez-vous en série ?

Quand j’ai démarré en 2019, je faisais des pièces uniques pour ne pas bloquer ma trésorerie et trouver ma clientèle. Aujourd’hui je fais des séries limitées par tissus, numérotées de 1 à 10 et chaque série porte un nom ou fait référence à un thème.

Quel est le coût de vos créations et quelle est votre clientèle ?

Leur coût démarre à 300€. Mes créations sont destinées aux personnes qui aiment s’habiller avec des vêtements de qualité.

L’Afrique se reconnait-elle dans le kimono ?

Kiru’Mono est une marque multiculturelle destinées aux amoureux de la mode. Le kimono est un vêtement traditionnel japonais qui date du XVIIe siècle, que j’ai modernisé en y incluant des poches, une ceinture amovible. Chaque modèle est en taille unique et mixte.

Pourquoi le choix de fabriquer vos créations en France ?

Dans le futur, je souhaite travailler avec les acteurs majeurs du secteur du coton et des artisans de pays où j’aurais l’occasion de travailler. Faire fabriquer mes créations en France me permet de suivre et de vérifier le travail et de garantir le Made in France qui est une référence dans le monde.

Quels sont vos objectifs ? 

Continuer de développer ma marque, devenir une actrice majeure de la mode, continuer à transmettre comme je l’ai fait à Abidjan avec une ONG Internationale Solidarité Laïque.

Couleur Café : Vous êtes Ivoirienne et française, où avez-vous grandi ?

Alexia de Bruchard : Je suis née en France et j’ai grandi en Côte d’Ivoire jusqu’à mon baccalauréat. J’ai effectué mes études supérieures à Paris et j’y ai vécu quelques années avant de rentrer en Côte d’Ivoire en 2005

Ccouleur Café : Quel est votre parcours ?

Alexia de Bruchard : J’ai eu un diplôme en management des entreprises. Puis j’ai eu une expérience de 2 ans dans le milieu du commerce à Bordeaux et me suis lancée dans l’entreprenariat à mon retour à Abidjan.

C.C : Comment et quand avez-vous décidé de créer votre propre marque ?

AdB : En rentrant à Abidjan en 2005, je me suis rendu compte que les jeunes filles portaient le wax qui était réservé autrefois à nos mamans. Les coupes étaient plus modernes et la recherche de l’originalité était visible. C’était aussi le début de la prise de conscience par les jeunes africains de la nécessité de la valorisation de l’Afrique et de son peuple.

Ma mère avait 3 machines à coudre à la maison qu’elle n’utilisait pas, ainsi que de nombreux tissus achetés tout au long des années. Nous avons décidé de nous en servir pour coudre des boubous que nous avons vendu à notre entourage dans un premier temps. Le succès étant au rendez-vous, cela nous a donné l’envie d’aller plus loin : Avoir une entreprise, donner un travail à des couturiers et construire une histoire. C’est ainsi qu’en décembre 2008 nous participions à notre première exposition en tant que ligne de vêtement sous la marque Aya de Cauville et que nous intégrions au premier trimestre 2009 le premier concept store de vente de produits de créateurs africains à Abidjan.

C.C : Comment avez-vous trouvé le nom de votre marque ?

AdB : Issues d’un métissage entre la France et la Côte d’Ivoire, nous avons voulu rendre hommage à ces deux cultures qui nous définissent. Nous avons naturellement choisi pour le nom de notre marque le prénom Baoulé (ethnie du centre de la CI) de ma mère Aya et le nom de famille de mon grand-père Goubert de Cauville.

Pour la petite histoire, c’est ce même grand-père qui nous a appris la rigueur dans le travail, qui nous a donné l’amour de la qualité et la curiosité qui nous amène toujours plus loin. En effet, il était propriétaire de la bijouterie « Aux masques d’or » où ma mère a fait ses premières armes dans le design de bijoux et où j’ai fait les miennes en faisant la sieste derrière le comptoir.

C.C : Qu’est-ce qui vous inspire ? 

AdB : Nous puisons notre inspiration de notre culture, de nos tissus traditionnels et de tout ce qui nous entoure. L’Occident rencontre l’Afrique à travers le métissage des étoffes, des couleurs, des styles. Notre ambition est de contribuer à l’essor de la mode africaine dans le monde, et par-dessus tout, faire rayonner l’Afrique en faisant découvrir la richesse du tissage traditionnel. C’est un travail long et minutieux, qui mérite d’être mis en valeur.

C’est pourquoi très vite nous avons appris à teindre le coton et le synthétique. Et pour notre dernière collection « Origines » nous avons travaillé avec des tisserands pour créer des pagnes tissés avec nos propres motifs et couleurs. Pour aller encore plus loin dans la personnalisation de nos créations, nous avons l’ambition de créer nos collections de tissus qui serviront à fabriquer nos collections pour faire revivre et perdurer nos histoires, nos traditions et nos savoir-faire. 

C.C : Quelle est votre matière préférée ?

AdB : En vérité toutes les matières nous inspirent, mais si nous devions choisir un tissu ce serait le pagne tissé traditionnel, un tissu noble. Nous voulons faire (re)découvrir toutes les richesses du savoir-faire traditionnel et artisanal de nos « ainés » derrière lesquels se cachent bien plus qu’une simple étoffe servant à faire un vêtement. De la diversité des pagnes aux innombrables motifs en passant par le mélange des couleurs, l’Afrique authentique se raconte et se transmet à travers les tissus et leurs utilisations.

C.C : Vous dites faire du prêt-à-porter est-ce à dire que vous créez pour toutes les bourses ou que vous produisez en série ?

AdB : Nous produisons en petite série des vêtements prêt-à-porter qui sont vendus dans notre boutique et dans les boutiques partenaires. Nous habillons toute la famille avec des collections de qualité, durables par leur résistance aux lavages, confortables et portés avec fierté et assurance en toutes circonstances. Nous conseillons nos clients dans leur choix de vêtements en fonction de leurs goûts, leurs attentes et, proposons un service de retouche pour garantir des vêtements adaptés à leurs morphologies.

Nos prix varient entre 8000 francs cfa et 60000 francs cfa pour les vêtements et à partir de 1000 f pour les accessoires et la décoration.

C.C : Où trouve-t-on vos créations et quelle est votre clientèle ?

AdB : Notre cœur de cible va de la classe moyenne à la classe supérieure et nous visons les standards internationaux. Notre clientèle est particulièrement attachée à la qualité des matières utilisées et des finitions. En quête d’originalité équilibrant matières premières contemporaines et héritage culturel, elle recherche l’authenticité et l’originalité.

A Abidjan, vous pouvez trouver nos créations à notre boutique sise à Marcory, ainsi que dans 2 concepts stores de la place sis à Biétry et au Plateau.

Pour plus d’informations : facebook, instagram, afrikrea.com.

D’où vient le nom de ta boutique, « Kreyann » ?

Ce nom est un dérivé de création Anna, le « K » et le « Y » pour donner un style au nom Kreyann. La boutique est née suite à un atelier showroom en 2001.

Que trouve-t-on ici ?

On y trouve mes créations de vêtements pour femmes, prêt-à-porter, haute couture, que nous produisons régulièrement dans notre atelier. Il y a également des accessoires qui accompagnent nos créations.

Quelles sont tes principales activités ?

J’ai deux activités : le prêt-à-porter et la haute couture. La haute couture se fait sous forme de collection réalisée une fois dans l’année, pendant la période des fêtes, et le prêt-à-porter que nous faisons régulièrement.

Quel est le principe du prêt-à-porter dans ta boutique ?

C’est acheter un vêtement qui est cousu et se trouve en boutique. Moi je fais du prêt-à-porter créateur. Je ne fais pas de production en série, il s’agit d’édition limitée, parce que ma clientèle est très réduite. Nous faisons aussi des « customisations » de vêtements, en édition réduite.

Peux-tu me parler des accessoires ?

Nous produisons nous même nos accessoires. Par exemple les sandales, sont inspirées de nos créations de vêtements. Elles sont aussi customisées, il y a toujours un petit détail fait à la main, qui peut être du « perlage » ou du « plissage ». Il y a ces 2 éléments dans notre dernière collection en plus du tissu.

Comment travailles-tu ? As-tu une équipe de production ? Est-ce que tu acceptes des stagiaires ?

J’ai une équipe de production très réduite, je n’ai pas le temps de m’occuper d’un(e) stagiaire et je n’ai pas de vocation à l’enseignement. Je le laisse aux personnes qui savent mieux le faire.

Que penses-tu de la transmission ?

La transmission est importante, parce qu’on a des acquis culturels à pérenniser. Pour qu’elle soit efficace, il faut qu’elle soit organisée. Il faudrait donc qu’en plus des initiatives individuelles, l’état organise cette transmission. Et qui parle de transmission parle de formation. On revient à la case départ où il y a un gros problème de formation. Tout est à faire.

Quelle est la matière qui domine dans tes créations ?

De manière générale, nous travaillons avec des matières naturelles, sous toutes formes. Elles sont brutes, raffinées, ça peut être du coton, de la soie. J’aime les matières naturelles sous différentes formes et textures.

Le showroom Kreyann Douala

847 rue Christian Tobie Kuoh, Bonanjo, Douala 

Contact : +237 677521500 info@kreyann.com 

Instagram @kreyann_officiel

Emmanuelle Soundjata est une créatrice et styliste instinctive. Suite à une licence master 1 en droit pénal et divers voyages en Afrique, elle développe sa passion pour la culture ethnique, le Maré tèt. Elle met en place des ateliers autour de l’art du turban à Paris, dans le XVIIIe arrondissement. Installée en Martinique, elle se fie encore une fois à son instinct et lance le concept de Maré tèt tout en renouvelant l’idée des ateliers sur place, en 2012. Elle est aujourd’hui une entrepreneuse accomplie.

Pouvez-vous nous expliquer ce qu’est le Maré Tèt ?
L’art du Maré tèt est un savoir-faire qui trouve son origine dans la Caraïbe. Il consiste à envelopper les cheveux d’un tissu appelé à l’époque le tignon. La technique de nouages, plis, torsades, sans intervention d’épingles, est utilisée dans le but d’obtenir une coiffe éphémère.
L’appellation Maré tèt n’est pas un terme que l’on retrouve dans les livres d’Histoire où il était plutôt question du Tignon (emprunté à la loi Tignon 1785).
Le Tèt Maré désigne la coiffe créole traditionnelle qui est indissociable du costume créole. Semblable au chapeau, elle est posée sur la tête, contrairement au Tignon qui consiste à enveloppement des cheveux avec un tissu. Celui-ci a donné, à l’époque, naissance à un véritable langage codé sur les disponibilités sentimentales des femmes :
–Tèt Maré 1 bout (je suis célibataire)
_ Tèt Maré 2 bouts (je suis un cœur à prendre)
_ Tèt Maré 3 bouts (je suis mariée)
Le Maré tèt a trouvé ses lettres de noblesse et la reconnaissance grâce au concept Atelier Maré tèt. Le fait de nommer ce savoir-faire et de le conceptualiser lui a donné une dimension et une reconnaissance internationales sur le plan artistique. Aujourd’hui, ce travail de valorisation que j ‘ai mené durant toutes ces années permet de l’inscrire dans le patrimoine culturel et touristique de la Martinique.

Vous en avez fait un accessoire de mode, comment y êtes-vous parvenue ?
Effectivement, aujourd’hui le Maré tèt est un accessoire de mode à part entière. J’ai réussi ce challenge en travaillant sur des designs modernes, originaux et faciles à associer au pantalon jean, ou à une robe classique. L’objectif est de faire porter le Maré tèt par toutes les femmes, quelque soit leur appartenance religieuse, leur catégorie sociale, leur couleur de peau et leur origine.
Il est important de tenir compte du design, de l’allure et de la forme du Maré tèt. J’ai inventé le modèle Fleur, qui est devenu ma signature, apprécié par toutes les femmes. Il est le symbole de la féminité et convient à tous les types de femmes. Mon travail consiste aussi à diffuser mes créations sur la toile afin de les faire connaître partout de par le monde. J’ai été invitée à Tokyo pour y faire des ateliers, des conférences et des démonstrations Maré tèt.

Vous dites ne jamais faire de croquis, expliquez-nous justement comment vous travaillez ?
Il est vrai que je n’en fais jamais. Il s’agit d’un art instinctif et intuitif. Je ressens les couleurs, les formes en voyant le modèle, les énergies de manière générale et ensuite tout se met en place comme dans un puzzle. Je procède comme un peintre, il s’agit pour moi de créer un tableau en faisant appel à mes sens.
Dans la continuité des Maré tèt, j’ai créé un concept de vêtements éphémères consistant à utiliser uniquement des tissus liés entre eux par des nœuds de façon à ce que ce soit le vêtement qui s’adapte au corps et non l’inverse. J’ai ressenti ce besoin de créer des vêtements éphémères lorsqu’en élaborant mes Maré tèt, je me suis rendu compte que je n’avais pas de vêtements qui pouvaient s’associer à ces derniers.

Où puisez-vous votre inspiration ?
Dans mon environnement. Flâner dans les boutiques de tissus est aussi très nourrissant en termes de créativité, les couleurs et textures, il y a toujours de nouvelles idées qui émergent, et les voyages, bien entendu.

On distingue plusieurs styles de Maré Tèt, pouvez-vous les énumérer et les expliquer ?
Il est important de distinguer la coiffe créole (Tèt Maré) de l ‘Art du Maré tèt.
La coiffe créole traditionnelle donne naissance à un langage, dont j’ai parlé plus haut (Cf 1ère question), dans les années 1800. En ce qui concerne l’Art du Maré tèt, deux modèles ont marqué leur époque : La bamboche et la coiffe pain de sucre. Ces modèles étaient portés par les femmes noires libres, qui n’étaient pas des esclaves, à la différence des esclaves qui s’attachaient les cheveux pour se protéger du soleil. Ces femmes noires libres à l’époque coloniale, ainsi que les femmes affranchies, quarteronnes, mulâtresses, se sont vues imposer une série de lois discriminatoires concernant leur façon de s’habiller : Elles avaient aussi l’obligation de couvrir leur cheveux car leur coiffure sur cheveux afro attirait l’attention de la classe dirigeante masculine de l’époque. Ces femmes noires libres étaient pour la plupart des courtisanes, donc source de litige.
C’est ainsi que le gouverneur de l’époque, Rodriguez Esteban, a mis en place en 1785, la loi Tignon qui imposait aux femmes noires libres l’obligation de se couvrir les cheveux. Ces dernières, pour défier l’ordre établi sans être hors la Loi, ont décidé d’en faire un art. Cette contrainte légale, qui avait pour seul but de faire qu’elles portent le moins possible une attention particulière à leur beauté, a été contournée grâce à leur créativité et ingéniosité. C’est ainsi qu’elles ont créé des modèles de Tignon (nom donné à l’époque à cette pratique) plus volumineux, plus extravagants et colorés quand elles en avaient les moyen.
Autrement dit, à travers cette résistance intelligente, il s’agissait du combat des femmes pour leur droit à la liberté et celui d’exister.

Y a-t-il un rapport avec votre intérêt pour l’Afrique ?
J’ai beaucoup voyagé sur le continent africain, Sénégal, Burkina Faso, Mali. Je suis Afro caribéenne, l’Afrique est en moi, ainsi que la Caraïbe, qui est une zone géographique très métissée. L’Afrique est le cœur de la Caraïbes, le Maré tèt, le symbole de la reconnaissance de notre africanité. C’est le condensé de toutes les cultures qui composent notre identité martiniquaise.

Vous proposez aussi des ateliers de créations pour celles ou ceux qui veulent apprendre, comment cela se passe-t-il ?
Les ateliers Maré tèt ont lieu tous les samedis du mois sauf exception. Il y a trois types d’ateliers Maré tèt.
L’atelier Maré tèt classique (turban uni)
L’atelier Maré tèt madras moderne
L’atelier Maré tèt wax
Les prix sont abordables, on apprend de vraies techniques de nouages. Ils sont accessibles à tous et à toutes à partir de l’âge de 10 ans jusqu’à 80 ans.
Les inscriptions se font sur : ateliermaretet@hotmail.com. Les ateliers Maré tèt ont lieu généralement à fort de France au centre-ville. Je me déplace également à Domicile pour des événements spéciaux.

Pouvez-vous nous en dire plus sur vos autres activités ? Vous gérez un concept store, qu’est-ce qu’on y trouve ?
Depuis 2012, j’ai ouvert un concept store multi ethnik de jeunes créateurs africains et caribéens. C’est un appart Boutik en plein centre-ville à fort de France en face du grand marché couvert au 3ème étage de l’immeuble Osiris. J’y organise également des ateliers beauté, estime de soi, des rencontres créateurs. C’est un lieu très agréable, chaleureux et original.