Couleur Café : Tu as choisi comme nom de scène Papyrus, peux-tu m’en dire plus ? 

Papyrus : Le papyrus, c’est la première page de l’humanité. C’est toute une histoire : Très jeune, j’ai été fasciné par l’Égypte antique, cette civilisation qui a tout inventé ou presque (l’écriture, l’architecture, la médecine, la philosophie). C’est sur cette plante que les anciens ont couché leurs pensées, leurs prières, leurs révoltes. Quand j’ai cherché un nom de scène, je voulais quelque chose qui parle de mémoire, de transmission, d’écriture gravée dans le temps. Papyrus, c’est dire que mes mots ne sont pas jetables. Qu’ils portent quelque chose d’ancien et de vivant à la fois. Je recherchais un nom qui parle de transmission, de trace, de parole qui résiste au temps. Le slam, c’est aussi poser des mots qui demeurent.

Couleur Café : Pourquoi ce choix ? 

Papyrus : Parce que le papyrus n’est pas seulement un objet, c’est un symbole. Il représente la rencontre entre la nature et la pensée humaine, entre le vivant et l’écrit. Je viens d’Afrique, et cette connexion avec l’Égypte ancienne me rappelle que notre continent a été le berceau de la civilisation écrite. Porter ce nom, c’est aussi une manière de revendiquer cet héritage, de dire : nous avons toujours eu des choses à raconter.

CC : Qu’est ce qui caractérise ton slam ?
P : Mon écriture est le cœur de tout. Mais ce qui me distingue peut-être, c’est mon amour profond pour le jazz. Ce n’est pas une simple influence musicale, c’est une philosophie : l’improvisation, la liberté dans la structure, le dialogue entre les voix. Mon slam respire. Et derrière tout ça, il y a un engagement fort pour l’art, l’art comme espace de résistance, de beauté et de vérité.

CC : Parle-nous de la scène slam au Togo, y a-t-il un vrai engouement pour cet art dans ton pays ?

CC : La scène existe, elle respire, elle grandit même si parfois c’est une croissance silencieuse. Le slam au Togo se construit dans les espaces culturelles, les salles de quartier, dans les universités, dans les têtes de jeunes qui cherchent une façon de dire ce que la société préfère taire. 

Peu de scènes dédiées, peu de financements, peu de visibilité médiatique. Ce qui est beau, en revanche, c’est l’énergie du public jeune. L’engouement  est réel, mais il manque encore de structures, de visibilité, de ponts avec l’extérieur. On porte souvent nos textes comme on porte ses rêves : avec conviction, même quand personne ne regarde encore.

La parole poétique, ici touche quelque chose de profond. Il y a une culture de l’oralité très ancrée en Afrique de l’Ouest. Le slam s’inscrit naturellement dans cette tradition du griot, du conteur, de celui qui dit ce que les autres pensent tout bas.

CC : Comment procèdes-tu pour écrire tes textes ? 

P : Je n’écris jamais à froid. Il me faut une étincelle une conversation entendue dans le bus, une actualité qui me révolte, une image qui refuse de partir. J’observe beaucoup, je note beaucoup. Parfois, un texte commence par un seul mot que je trouve beau ou violent. Ensuite vient le travail : je cherche le rythme avant même le sens, parce que pour moi la musicalité d’un texte, c’est son squelette. Je lis à voix haute dès le début du processus. Si ça sonne faux dans ma bouche, c’est faux sur le papier. J’écris souvent la nuit, quand le monde est silencieux.

CC : Est-ce la musique qui s’adapte à tes textes ou le contraire ?

P : C’est un dialogue, pas une hiérarchie. Pour être honnête, je pars toujours du texte. La parole est première chez moi c’est elle qui dicte le tempo, les respirations, les silences. Ensuite, les musiciens entrent dans cet espace et le transforment. Ce qui est fascinant avec le jazz notamment, c’est que les musiciens improvisent autour de ma voix comme si elle était un instrument parmi les autres. Parfois ils me surprennent tellement que je modifie ma propre façon de dire le texte. Il y a une vraie co-construction qui se fait en temps réel sur scène, ce qui le rend vivant.

CC : Tu débarques à Paris pour la première fois, tu as décliné ton slam au Baiser salé, une salle de jazz parisienne, en rencontrant des musiciens de jazz, comment s’est faite la rencontre et qu’est-ce que tu en as tiré ?

P : Je me promenais dans Paris avec un ami et je lui ai demandé de m’emmener dans un jazz club. Mais pas dans n’importe lequel. Je lui ai précisé : le Baiser Salé. J’en avais tellement entendu parler, ce lieu avait une aura presque mythique dans mon imaginaire. Je voulais voir de mes propres yeux comment ça se passe, comment la musique vit dans cet endroit.

En arrivant, c’était la deuxième session d’une soirée jam, l’énergie était là, les musiciens jouaient, et quelque chose en moi m’a poussé à m’avancer. J’ai demandé à collaborer. Sans protocole, sans rendez-vous, ils ont dit oui. Ce moment m’a confirmé quelque chose d’essentiel : la musique et la parole parlent la même langue, il suffit d’oser la conversation.

CC : Tu participes au festival Togo Art, comment as-tu été sélectionné ?

P : C’est la chanteuse Laura Prince qui a été le lien. On s’était déjà croisés à Lomé, on avait partagé une scène ensemble et apparemment quelque chose dans mon travail avait résonné en elle. Quand elle est devenue marraine de cette deuxième édition, elle a pensé à moi. C’est aussi ça la force des rencontres artistiques : elles ne s’oublient pas. Les gens qui vous écoutent vraiment gardent une trace de vous, et parfois cette trace devient une porte ouverte. C’est ainsi que j’ai pu venir en France. Ce voyage n’aurait pas été possible sans le soutien de l’Institut Français de Lomé, à travers son projet FEF Création. C’est une aide précieuse pour les artistes comme moi — elle ne fait pas que financer un voyage, mais apporte le soutien nécessaire pour qu’un autiste puisse d’être vu ailleurs. C’est une forme de reconnaissance, plus qu’un coup de pouce pour la suite de ma carrière.

CC : Que retiens-tu de ce festival ?
P : Togo Art Festival est une fenêtre ouverte sur le monde. Une vitrine pour la culture togolaise à l’international, mais surtout un espace de retrouvailles entre la diaspora togolaise, les autres diasporas africaines établies en France, et une communauté française qui veut sincèrement aller à la rencontre de l’Afrique contemporaine. Ce que je retiens surtout, c’est la chaleur de ces échanges, la fierté collective.

CC : As-tu d’autres projets en France ou ailleurs ?

P : L’aventure est loin d’être terminée. Au Togo et dans toute la sous-région ouest-africaine, je continue à construire, à rencontrer, à performer. Et puis il y a un projet qui me tient particulièrement à cœur : une création au Canada, plus précisément en Acadie, qui devrait voir le jour en octobre de cette année. Une rencontre entre ma parole d’Africain et cette autre francophonie là, celle qui se bat pour exister. Et si tout s’aligne, une résidence artistique en France l’année prochaine le temps de vraiment creuser, de créer loin du bruit, de revenir avec quelque chose de nouveau et de consistant.

Propos recueillis par Samuel Nja Kwa

Né officiellement le « 26 juin 1977 avec l’organisation du tout premier Concours de La Défense… avant même l’apparition de la Grande Arche ! », La défense Jazz Festival, Organisé par le Département des Hauts-de-Seine, offre chaque année au mois de juin une palette de couleurs musicales. A l’image de l’évolution du jazz, « L’hybridation des genres y est célébrée comme l’expression vivante en perpétuel mouvement. »

Ainsi, chaque année, on y retrouve une programmation gratuite assez éclectique pendant toute une semaine, avec à la clé deux grands concerts de jazz le week-end. Ce festival, qui s’inscrit dans le paysage musical depuis presque 50 ans, marque le début de la saison jazz en France. 

Une scène trônant au milieu de buildings de plus de 20 étages a accueilli le temps du lunch, entre 12 et 14 heures, puis entre 18 et 20 heures, sous un soleil ardent, du 23 au 29 juin 2025, des artistes venus de tous les continents. Le public, conquis, leur a réservé le meilleur accueil.

Retour en images sur des concerts majeurs :

Qu’est-ce qui t’a poussé à créer le festival Africa Stereo ?

En tant que musicien, j’ai souvent ressenti une forme d’incompréhension vis-à-vis de la musique que je proposais. Elle était peu connue, perçue avec scepticisme. Au Sénégal, le paysage musical est dominé par le Mbalax ou le Hip-Hop. Il y a peu de place pour d’autres formes d’expression. Cela fait plus de dix ans que je vis à Dakar, et j’ai constaté un manque réel de valorisation et de promotion pour les artistes alternatifs locals.

Pourtant, au bout de dix ou quinze ans de parcours, ce sont ces mêmes artistes qu’on envoie jouer à l’étranger. Alors je me suis dit : pourquoi ne pas créer un espace ici, chez nous, pour les artistes qui explorent d’autres esthétiques ? Un lieu où l’on puisse montrer qu’un festival de musique alternative est non seulement possible, mais nécessaire. Un festival qui redonne aux artistes ouest-africains leur légitimité, ici même, sans attendre d’être validés ailleurs.

En quoi la musique est-elle un vecteur d’émancipation ?

La musique, comme l’ensemble des expressions culturelles, porte en elle une force de transformation. Elle raconte, interroge, soigne. Elle donne une voix aux douleurs, aux questionnements, aux psychoses collectives. C’est un outil vital. On peut se nourrir, vivre… mais sans culture, l’existence perd son sens. La musique est essentielle à notre humanité.

Tu parles souvent des “imaginaires artistiques africains”. Que signifie ce concept ?

Mes parents sont issus d’une génération dont le lien culturel a été profondément abîmé par la colonisation. Le cordon ombilical avec nos racines a été rompu. En conséquence, nous avons hérité d’imaginaires qui ne nous appartiennent pas, souvent même à un niveau inconscient.

Aujourd’hui, à travers la musique et la culture, on peut interroger notre histoire, se réapproprier nos récits, reconstruire nos représentations. Cette dualité intérieure que nous vivons — presque une forme de bipolarité identitaire — est une conséquence directe de la colonisation. Il ne s’agit pas de la rejeter, mais de la comprendre, de la soigner, ou de l’assumer pour la transformer.

La musique est pour moi un levier puissant pour se réconcilier avec soi-même, pour proposer autre chose, quelque chose de plus ancré, plus joyeux, plus juste.

Tu évoques l’idée de se libérer de certains complexes. Lesquels ?

L’un des plus tenaces, c’est ce réflexe selon lequel, si quelque chose est bien fait, cela vient forcément de l’extérieur. Lorsqu’un Sénégalais assiste à un événement bien organisé, il pense spontanément qu’il a été pensé ou dirigé par des Européens. Cela traduit un complexe d’infériorité profondément ancré.

Il y a aussi le complexe de ne pas oser proposer autre chose que ce que l’Occident attend de nous. Beaucoup d’artistes s’enferment dans des cadres esthétiques dictés par d’autres — que ce soit la “World Music”, le “Jazz africain”, ou d’autres étiquettes imposées. Mais notre objectif doit être de construire une nouvelle proposition, à partir de nos propres références.

Comment sélectionnes-tu les artistes du festival ? Quelle place donnes-tu à l’expérimentation ?

La programmation se construit de manière intuitive. Je laisse une large place aux rencontres, aux ressentis. Il m’est arrivé de croiser des artistes cinq ans avant de les programmer. Ce sont des gens dont la démarche m’a semblé authentique.Vrai.

Je programme aussi des jam sessions, des musiciens de rue, des chanteurs de plage, ces troubadours du quotidien que personne ne considère comme de “vrais artistes”. Pourtant, ils incarnent une musique sincère, libre, non formatée.

Africa Stereo veut justement offrir un espace pour ces voix-là : celles qui échappent à l’uniformisation ambiante, qui explorent d’autres récits, d’autres langages. C’est un espace d’ouverture et de tolérance, contre le racisme, la misogynie, la xénophobie. Un espace où l’on découvre des musiques qu’on n’attendait pas.

Quels sont les défis auxquels vous avez dû faire face en organisant ce festival à Dakar ?

Les premières années, les difficultés ont surtout été financières. Organiser un festival, c’est mobiliser des ressources importantes. Mais en trois ans, le public a vu la qualité, l’organisation, la richesse humaine du projet. On met en valeur toute une chaîne de métiers autour de la musique. C’est l’un des rares festivals au Sénégal à proposer, pendant dix jours, une vraie expérience artistique.

Quelles sont les actions mises en place pour former les acteurs du secteur musical ?

Nous avons lancé une Open Session qui fonctionne toute l’année. On intervient dans les banlieues, les quartiers informels de Dakar, avec des ateliers sur les droits d’auteur, les bases de l’industrie musicale, souvent méconnues des artistes.

On organise aussi des concours. Les finalistes suivent une master class, puis sont accompagnés par notre label pendant un an : séances photos, press-book, booking, structuration de projet.

Nous avons également lancé la Woman Art Academy, un programme intensif dédié aux femmes, pour leur permettre de comprendre et intégrer les rouages du secteur musical. Certaines joueront d’ailleurs au festival cette année. On forme aussi des technicien.ne.s, des régisseur.se.s de plateau. Il faut penser l’ensemble de l’écosystème.

Avez-vous des partenariats internationaux ? Comment envisagez-vous l’avenir du projet ?

Nous avons des partenaires locaux, comme l’Institut Français ou le Goethe Institute, et nous recevons le soutien du Ministère de la Culture. Mais à ce jour, le festival est encore largement autofinancé et autoproduit. Cela dit, l’intérêt grandit, et de plus en plus de professionnels viennent en mai pour y assister. Notre ambition est claire : faire d’Africa Stereo une plateforme panafricaine ouverte sur le monde. Une capitale de la musique alternative.

Dans un monde saturé de festivals, pourquoi Africa Stereo est-il nécessaire ?

Parce que beaucoup d’événements se contentent d’enchaîner des concerts. Ce festival, porte une vision, il a un centre, une direction. Au Sénégal, il existe un immense vide dans le domaine des musiques alternatives. Africa Stereo veut combler ce manque : donner la parole à des voix marginalisées, à des musiques qui rassemblent, qui désapprennent les logiques coloniales, qui valorisent la mixité, le métissage, le lien. Ce festival, c’est une tentative de réconciliation : entre les Sénégalais et les Européens, mais surtout entre nous-mêmes. Il faut que ceux qui le portent en soient fiers. C’est un projet collectif, porté par des Sénégalais, des Burkinabè, des Maliens. Un projet qui regarde vers le monde, mais les pieds enracinés dans le continent.

Quelles sont les ambitions à moyen et long terme du festival ?

Créer une véritable plateforme de rencontres culturelles pour l’Afrique de l’Ouest, un salon informel où se tisse un marché culturel. On ne le nomme pas encore ainsi, mais c’est bien ce que nous construisons. Une agora où les imaginaires circulent.

Pourquoi le grand public devrait-il absolument découvrir Africa Stereo ?

Pour rencontrer une communauté qui ose faire un pas de côté, et qui contribue à bâtir un nouveau chapitre pour l’Afrique : plus libre, plus équilibré, décomplexé, équitable.

Photos et propos recueillis par Pauline C. pour Couleur Café

Pour plus d’infos :

https://www.stereoafrica.com/fr

Etoile filante de sa génération, Jean K Jean est l’un des rares créateurs malien à s’imposer sur la scène internationale.  Son univers, détonne par ses propositions innovantes. Autant que les saisons dessinent son engagement pour son art, elles forgent l’image de ce jeune créateur aux ciseaux d’or. Nul doute que cet  Ex étudiant du conservatoire Arts et Métiers Mutltimédias Ballafaseké Kouyaté de Bamako, mention chorégraphie fascine par son univers ultra moderne, alliant tradition et modernité pour le bonheur de sa clientèle à travers le monde. Lorsque ce fruit mûr de la biennale artistique et culturelle de 2003, 2008, 2005, 2010 pour la région Sikasso, n’est pas sur la scène de la danse contemporaine, on le trouve dans son atelier en train de créer des pièces de collection. Jean K Jean emboite les pas du chantre de la mode au Mali, Chris Seydou. Chaque pièce transpire l’emprise du maître sur l’élève. Le PDG et le Directeur artistique de JKDRESSING, nous a reçu dans son atelier de Badalabougou, où il modèle avec passion la femme malienne du 21e siècle. Belle, tradi-moderne et assumée, en innovant des étoffes nobles comme le bogolan, le pagne tissé, des tissus bio, issus de teinture setacolor, des couleurs naturelles et végétales comme l’indigo, le ngalama, ou le sorobilen. 

Couleur Café : Comment êtes-vous venu à la mode ?

Jean K Jean: Je peux dire sans manquer de modestie que je suis la mode (rire). Enfant, lorsque nous partions à l’école avec mes frères et sœurs, pour la “petite histoire”, j’étais en 3e année de l’école primaire (niveau CE2), au moment de faire les devoirs, je découpais  les livres d’apprentissages en petites robes, tops ou jupes. C’était, sans le savoir, mon premier atelier créatif. Je découpais toutes les pages et faisais mes modèles. Je devais avoir 8 ou 9 ans, en somme, je pense que j’ai toujours été dans la mode. Je harcelais mes sœurs pour qu’elles me laissent faire des croquis

CC : Vous venez initialement de la danse, quels souvenirs gardez-vous de ces années d’apprentissages?

JKJ : Après la biennale artistique et culturelle du Mali, boosté par les bonnes critiques de mes professeurs, je me suis inscrit au concours d’entrée au conservatoire en 2008 et parallèlement j’ai travaillé avec Kettly Noël, la chorégraphe haïtienne qui avait installé sa compagnie et son festival Dense Bamako Danse au Mali. J’ai travaillé durant 4 ans avec elle, j’étais son assistant de gestion, de comptabilité. On a fait le Festival Dense Bamako Danse ensemble, où j’ai porté le festival en 2013 et 2015, à ses côtés. J’ai pu bénéficier d’une formation sur la coordination d’événements de danse et de festival en Allemagne. Après mon expérience à Donko Seko, je suis rentré et j’ai brusquement arrêté de danser. Je suis remonté sur scène en 2021 pour ma pièce.

CC : Revenons à la mode, vous revenez vers la mode, est-ce un retour aux premiers amours ?

JKJ : Oui absolument. J’ai été embauché pour gérer une maison de couture, AfroFashion dirigée par Mounish. Je faisais le lien entre elle et les tailleurs. J’ai toujours cette fibre de créateur de mode en moi mais je ne travaillais pas vraiment. C’est véritablement en 2017 que j’ai pris la décision d’être designer lorsque j’ai travaillé comme bénévole pour la créatrice Adama Paris à la Dakar Fashion Week. Lors de cette collaboration, j’ai eu le déclic et j’ai décidé de lancer ma propre marque, JK dressing. « J » pour mon prénom Jean et « K » pour Kassim. Dressing est le lien qui montre ce que l’entreprise fait. Je voulais créer ma marque pour les danseurs, les chanteurs, les artistes et non pour le grand public. Mes collections sont un peu décalées par rapport à la norme. C’est le lien que je fais entre la danse et la mode.

CC : Vous restez fidèle à la danse et à la mode, comment faîtes-vous justement le lien ? 

JKJ : Concernant la connexion entre la danse et la mode, elle est très grande, parce que ma création ne se limite pas qu’aux vêtements. La collection Naréna Solo par exemple reflète la culture donso, les pensées, savoirs et thématiques liés à cette confrérie. Le travail d’un danseur contemporain ou du danseur traditionnel est de prendre une thématique purement traditionnelle pour créer une nouvelle pièce. L’art en est la continuité. Prenons un thème purement traditionnel, la collection pyjamas story illustre le mouvement des pyjamas, les tenues que les femmes portent pour leur soirée nuptiale selon nos tradition. L’artiste déplace et transpose des concepts. Je déplace des  éléments vers un espace, dans lequel je m’amuse à créer. Le lien c’est la fluidité entre le corps, le mouvement et l’espace. Quand je travaille sur une collection tant que le tissu ne me parle pas, tant qu’il ne danse pas avec moi, je ne suis pas inspiré. 

CC : Comment définissez-vous vos collections ? Qu’est-ce qu’elles vous inspirent aujourd’hui ? 

JKJ : Toutes mes collections sont fluides, depuis la toute première, N’golo. Il y’a eu pyjama story, Vie-time ; ensuite ligne de wax, après bonjour, a suivi Egypte chic, après il y’a eu Hello, puis Narena Solo, Tonton jean, ainsi que Sabot. Il y a également eu Sankaba 223, oh Le cri de seydou, qui est un hommage à l’icône Chris Seydou. J’ai réalisé 14 collections depuis la création de ma marque. Toutes ces collections dansent, parce qu’à chaque fois que je fais une collection, j’essaye de trouver la musique qui lui l’habille, les accessoires, les personnes qui pourraient les incarner pendant le shooting. Je fais de la haute création, une création qui passe par l’espace, le temps, ainsi que les quatre éléments de la nature.

Propos recueillis par Dia Sacko

Couleur Café : Monsieur Kamaté, il y a quelques mois vous avez été porté à la tête du Marché des Arts et du spectacle d’Abidjan (MASA), peut-on dire que cette nomination est une suite logique de votre parcours ?

Abou Kamaté : Le fait d’être directeur du MASA est un honneur. Le MASA est un événement important pour la Côte d’Ivoire et pour l’Afrique. Et je remercie les autorités ivoiriennes, notamment Madame la ministre de la Culture et de la Francophonie, pour la confiance qu’elle m’a témoignée, tout comme le Conseil d’administration du MASA, qui est constitué de l’Organisation internationale de la Francophonie et du district d’Abidjan. C’est peut-être aussi, comme vous l’avez dit, une suite logique. 

J’ai déjà eu l’occasion de travailler en Côte d’Ivoire. J’ai eu aussi l’occasion d’aller dans d’autres pays africains comme le Sénégal, le Tchad. Je suis également allé en Asie et en France, toujours dans le cadre de mes responsabilités professionnelles. Mais je crois que tout ce parcours doit me ramener à un moment donné au point de départ qui est la Côte d’Ivoire. C’est donc pour moi un retour naturel, la suite logique des choses, que de venir mettre à la disposition de la Côte d’Ivoire et de l’Afrique, tout ce que j’ai pu accumuler comme expérience à l’international.

CC : Monsieur Kamaté, chaque année, le MASA innove. Le changement est permanent sur tous les plans. Quelles seront les grandes innovations pour l’édition à venir ?

AK : Nous allons essayer de les aborder de façon réaliste. Un des premiers points qui me viennent à l’esprit, c’est de clarifier les axes importants du MASA que sont le MASA marché et le MASA festival. Nous nous sommes rendus compte d’une forme de confusion dans les esprits, tant au niveau des professionnels qui sont invités, que du public qui assiste à l’évènement, sans oublier les artistes. 

Pour cette année, nous avons lancé deux appels distincts. Un appel pour le MASA marché, en précisant clairement qu’il était réservé aux groupes artistiques africains et de la diaspora africaine. Le MASA festival, quant à lui, concerne les groupes artistiques de partout. Que vous soyez américain, asiatique, européen, ou que vous soyez, vous avez la possibilité de postuler au MASA festival. 

Autre innovation, nous avons souhaité que le comité artistique international, qui choisit les groupes qui se produisent dans le cadre du MASA marché, soit renouvelé. Renouvelé pour partir un peu plus vers une forme de parité des genres, donc une meilleure représentation des femmes au sein de ce comité artistique. Aujourd’hui, vous verrez que géographiquement, vous retrouvez dans le Comité artistique international (CAI) du MASA des représentants de l’Amérique du Nord à travers le Canada, des Américains, des Brésiliens, des Mexicains. Du côté de l’Asie, vous avez des Sud-Coréens. Vous avez du côté de l’Europe, un Français. Vous en avez aussi du côté africain bien évidemment. Une personne au Burkina, deux en Côte d’Ivoire, ce qui me semble normal. Une personne du Cameroun, une du Nigeria, du Mozambique, de l’Afrique du Sud, du Rwanda, du Congo. Ce qui vous permet aujourd’hui, quand vous regardez la carte du monde, de voir que le comité artistique du MASA prend en compte toutes les zones. Donc, aspect genre, aspect représentativité mondiale, mais aussi aspect expertise, crédibilité et réseau des différentes personnes.

L’exemple que j’aime souvent donner, parce que la dimension marché est plus que jamais au cœur de nos préoccupations, l’expert que nous avons par exemple du Brésil est le président d’une fédération qui regroupe 100 festivals au Brésil. L’idée pour nous c’est qu’en travaillant avec une sommité, avec une personnalité de cette envergure, les artistes africains puissent avoir d’autres horizons où aller se produire. 

Autre innovation, nous avons souhaité que ce MASA, dont le thème est jeunesse, innovation et entrepreneuriat, fasse la part belle à la programmation jeune. Nous voulons que les artistes émergents trouvent dans notre programmation un espace pour que le public, les professionnels et les acheteurs les découvrent. 

Autre chose, nous souhaitons que ce MASA fasse également la part belle aux artistes féminines avec notamment la création d’un prix féminin qui sera mis en place au prochain MASA. Elles sont importantes numériquement dans ce paysage et malheureusement, elles n’ont pas toujours la visibilité qu’elles méritent. 

Le public enfant va initier cette année un village enfant. Un village qui ne sera pas dans un petit coin de nos installations, mais qui sera au cœur du Massa, de sorte que les familles, les enfants, les parents puissent aussi s’approprier l’événement. C’est de cette façon que nous allons préparer la relève en termes de public, en termes de consommateurs et donc de la culture. 

La dernière innovation qui me vient à l’esprit, nous ferons en sorte que le MASA s’engage sur la question environnementale. Vous n’êtes pas sans ignorer que toutes les difficultés auxquelles nous sommes aujourd’hui confrontés (inondations sécheresses…), sont dues à l’activité humaine. Nous pensons que le MASA peut être un espace de sensibilisation à ces enjeux, notamment à travers le recyclage des déchets que nous allons produire pendant l’édition pour en faire une œuvre artistique. Et la création de cette œuvre sera aussi un temps de sensibilisation porté par les artistes sculpteurs, les artistes que nous inviterons à échanger autour de cette problématique avec le public. 

CC : Monsieur le directeur, la Côte d’Ivoire est une plaque tournante de la culture africaine depuis les années 60-70. Peut-on dire aujourd’hui que la vision du MASA s’accorde avec celle des autorités ivoiriennes ?

AK : Je dirais qu’il y a une réelle convergence. Depuis que je suis là, cette volonté et l’implication de l’État de Côte d’Ivoire dans la réussite de la prochaine édition du MASA est visible. Notre tutelle est le ministère de la Culture et de la Francophonie, avec Madame la ministre Françoise Remarck, qui elle-même est une professionnelle du secteur. Cela facilite les échanges, puisque nous parlons de la même chose.  

Elle a une vision très claire de ce que représentent les industries culturelles et créatives. Elle a commencé à soutenir ce secteur en Côte d’Ivoire bien avant d’être ministre. Je ne pouvais pas mieux souhaiter comme responsable, pour faire avancer la cause de cet événement. Pour résumer, l’État de Côte d’Ivoire est plus que jamais engagé sur le MASA, à l’accompagner. Cela transparaît dans les échanges quotidiens que j’ai avec le ministère de la Culture, mais aussi avec d’autres structures publiques. 

CC : Tout n’est pas toujours rose. Votre mission, nous pouvons le dire, est délicate car il s’agit de la conduite d’un évènement d’une envergure internationale qui parfois, a eu des difficultés avec notamment peu d’acheteurs à certaines éditions. Quel est le message que vous pouvez adresser aux artistes, aux acheteurs ainsi qu’à tous ceux qui attendent cette nouvelle édition avec impatience ?

AK : Ce sont des critiques que j’entends et auxquelles je souhaite pouvoir répondre à travers la prochaine édition. Le message que je peux apporter, concerne notre volonté de faire plus, de faire mieux que les éditions passées, ce qui n’enlève absolument rien au mérite, évidemment, des devanciers. Nous souhaitons aller très loin avec cette édition en améliorant la qualité d’accueil des invités, en montrant les spectacles dans de bonnes conditions techniques, en ayant une programmation rigoureuse, en ayant un comité artistique irréprochable et crédible.

Autant de choses que nous allons faire pour que le MASA continue d’attirer, pour qu’il soit l’événement où l’on se rend sans hésiter pour les prochaines éditions. 

CC : Votre message à l’endroit de ceux qui viendront d’ailleurs ?

AK : Le message est tout simple. Venez, venez, venez. Nous travaillons d’arrache-pied pour vous accueillir dans de bonnes conditions, pour faire en sorte que vous voyez le meilleur de la création africaine, pour faire en sorte que vous puissiez, pour le professionnel, venir faire des affaires. Les Arts du spectacle est un secteur économique à part entière. Nous l’avons en tête. Nous allons faire en sorte de démontrer aux yeux et du public et des décideurs dans les différents pays qui vont se déplacer ici qu’ils ont intérêt à investir dans le secteur du spectacle parce que c’est un secteur qui est pourvoyeur d’emploi. C’est un secteur qui crée de la valeur. C’est un secteur qui peut absorber aujourd’hui une bonne partie du chômage auquel nos pays sont confrontés. Et surtout, c’est un secteur où les jeunes s’expriment et s’expriment sans bornes. 

Propos recueillis par Mory Touré

Pour plus d’informations :

MASA du 13 au 20 avril 2024 à Abidjan. 

Couleur Café : Être directeur artistique d’un festival qu’est-ce que ça suppose ?

Benjamin Tanguy : Lorsqu’on est directeur de festival, le plus dur au début est de dire non.  Parce qu’on a beaucoup de propositions intéressantes, on a la chance d’entendre plein de projets qu’on aimerait programmer, mais il faut répondre à un cahier de charge. Le cahier de charge de Jazz à Vienne c’est l’unique scène payante, qui doit être rentable. Elle est la plus regardée, on montre l’évolution, il y a tout un équilibre à trouver entre les noms attendus, les nouvelles générations, les projets de créations. Ça demande beaucoup d’énergie, on passe par des moments de doute de ses capacités à monter des programmes, de savoir exactement si on a fait les bons choix.

CC : Tu as vécu une grande histoire avec le festival Jazz à Vienne

BT : Je suis arrivé comme stagiaire en 2009, ensuite je suis allé bosser 1 an à Nîmes, puis je suis arrivé en septembre 2010 d’abord en tant que programmateur des scènes gratuites et responsable de l’action culturelle et depuis 2016, co-directeur et Directeur artistique en gardant la programmation du club, de Cybèle et le développement à l’international : États-Unis, Japon, Brésil, Togo. 

CC : Avoir un carnet de charge signifie que tu travailles toute l’année en fait…

BT : Tout à fait. Mais il est fait selon ma sensibilité. Le nouveau directeur artistique, Guillaume Anger, aura sa façon de faire, mais très peu de choses vont évoluer, il n’y a qu’une scène payante et c’est très bien comme ça.

CC : En réalité, le festival dure combien de temps ?

BT : Je dis toujours qu’il dure 15 jours, mais c’est plutôt 3 semaines.  Cette année, nous sommes sur 18 jours de festival, en comptant la partie jeune public.

CC : Sur la scène payante comment s’articule la programmation ?

BT : Les soirées thématiques ont été mises en place par Jean-Paul Boutellier. Le fait d’avoir ces labels donne une liberté assez intéressante pour présenter plein de couleurs, faire plein de mélange et présenter différentes générations de musiciens. Cette année, nous avons présenté une soirée Cuba avec pour commencer un latin Jazz dans sa forme classique et moderne avec Harold Lopes-Nussa, produit par Michael League, puis une tradition Son avec Grupo Compay Segundo pour terminer sur des combinaisons afro funk de Cimafunk. Donc on raconte une histoire.

CC : C’est une façon de raconter l’évolution du jazz avec tous ces croisements.

BT : Oui on parle de nouvelles générations, de nouveaux sons, de l’intérêt de ces artistes à raconter autre chose tout en respectant la tradition. C’est ce qu’il y a de génial.

CC : Durant la période où tu as été directeur artistique de ce festival, j’imagine que la période la plus difficile a été celle de la COVID-19

BT : C’était très difficile. Je ne l’ai pas très bien appréhendée, je l’ai mal vécue. Lorsqu’on a un rythme soutenu depuis une dizaine d’année, ton corps et ton esprit y est habitué. En 2020 on n’a rien fait, c’était compliqué mais nous étions tous embarqués dans le même bateau, on ne pouvait rien faire. En 2021, les ¾ des festivals n’ont pas pu se tenir, on s’est battu pour faire cette édition cette année-là, on s’est retrouvé parfois seul à prendre des décisions, nous avons eu la sensation d’être un peu abandonnés par les pouvoirs publics, c’était un moment de doute, à savoir quel est notre rôle dans la société. 80% du programme qu’on avait présenté au mois d’avril avait changé durant le festival. Nous avons créé un fichier qui représente tous les changements, les remplacements et les annulations qu’on a dû faire. Salif Keita qui était venu pour 2 concerts mais était en quarantaine à Paris, Lianne la Havas c’était pareil, c’était difficile. On ne pouvait pas s’appuyer sur d’autres festivals, il y a eu la distanciation sociale, la jauge, les couvre-feux, la fermeture des frontières. Il y a eu des moment où nous n’étions plus une famille, par contre le public était là, il a senti qu’on se battait pour le festival et on s’est rendu compte qu’on avait un des plus beaux public.

CC : Avec du recul, fallait-il que le festival se tienne durant cette période ?

BT : J’ai failli dire que dès les premières notes tout était oublié. Nous avons bien fait de faire cette édition pour les artistes et le public qui nous ont remercié de nous être battus pour qu’il se tienne. Les bénévoles, les techniciens, tout le monde était ravi, c’était fort. 

CC : Quels sont les moments forts que tu retiens pendant ces années passées à Jazz à Vienne ?

BT : Il y en a plein, entre le fait de découvrir un artiste, de te dire qu’il faut le présenter au public et de voir les réactions positives, il y a eu beaucoup de moments d’émotion.

CC : Quel bilan dresses-tu de ces années ?

BT : Il y a une augmentation du public de 15 à 20%, il est de plus en plus varié, de plus en plus jeune, il y a un travail de communication qui est fait en direction des familles. On sait que le jazz souffre souvent du vieillissement de la population et de son renouvellement, c’était un de mes objectifs.

Propos recueillis par Samuel Nja Kwa

SNK

Originaire du Gabon, Femme de caractère, déterminée, Cheffe Frédérique, comme tout le monde l’appelle, fonctionne à l’instinct. C’est ce qui l’a emmenée à exercer le métier qu’elle a choisi et surtout à proposer une carte inédite. Afro-fusion. Nous l’avons croisée à Kigali, invitée à réaliser un cocktail pour une clientèle privée. Nous avons apprécié.

Couleur Café : Être chef (au féminin) en Afrique comment est-ce que c’est vu ? Comment êtes-vous considérée ?

Cheffe Frédérique : Comme on le sait, ce monde est exclusivement masculin. Les femmes cheffes sont comme une attraction, une nouveauté. On apporte un peu plus de finesse, un nouvel élan dans ce qu’on fait. Nous avons des cuisinières traditionnelles qui sont nos mamans ou nos grand-mères, aujourd’hui, voir des femmes évoluer dans ce milieu de manière professionnelle est innovant. Surtout en Afrique. Et ça fait du bien.

Couleur Café : Qu’est-ce qui vous a poussé à embrasser ce métier ?

Cheffe Frédérique : C ’est une histoire assez bizarre. Je me suis retrouvée dans cet univers grâce à une amie. J’ai organisé son cocktail de fiançailles, 3 jours après, elle m’a exposée sur les réseaux sociaux, au bout d’une semaine j’ai reçu plein de demandes et de but en blanc je me suis laissée tenter. J’ai d’abord exercé en tant que traiteur, au fil du temps, j’ai commencé à avoir des doléances un peu plus précises : Des gens qui avaient besoin d’un chef privé pour des soirées bien précises. C’est de là où tout est parti.

C.C : Quelles sont les différentes étapes pour devenir cheffe cuisinière ?

C.F : Déjà, il faut savoir que je suis autodidacte. Je suis devenue cheffe grâce à ma communication, au travail, à mes créations. J’ai un parcours très atypique, je suis devenue cheffe au gré de ma clientèle et au vu des prestations que j’ai été emmenée à faire.

C.C : Est-ce à dire que vous avez abandonné votre côté traiteur ?

C. F : Non. Être traiteur est un autre corps de métier, c’est ce qui m’a révélée. Je suis devenue cheffe grâce à des clients, à un cadre très sélect, avec des besoins précis pour un petit nombre de personnes. Lorsqu’on est Cheffe on a une technique bien différente de celle d’un traiteur.

C.C : Quelle est la carte que vous proposez ?

C.F : A la base, je suis spécialisée dans l’afro-fusion : C’est un mélange de culture en partant d’une base, l’Afrique, ensuite on ramène l’Asie, l’Europe etc. dans nos assiettes. J’apporte des ingrédients nouveaux, très peu connus, de façon surprenante. Par exemple si je cuisine un mafé, je peux rajouter un peu de lait de coco, une noix de cardamome et ça devient quelque chose de revisité.

C.C : D’où vous vient l’inspiration ?

C.F : Ma cuisine est instinctive. Lorsque je vois des choses, je me dis pourquoi pas ? Ensuite je fais des tests. L’essentiel de l’afro-fusion est de redécouvrir des plats qu’on connait sous d’autres formes avec un autre goût sans qu’il ne soit dénaturé. C’est comme un métissage, on essaie de mettre ensemble différentes cultures. On ne dénature pas, mais on apporte un plus.

Le blanc-manger coco 

Pour 6 personnes : 

• 25 cl de lait – 20 cl de crème fleurette 
• 20 cl de crème fraîche – 40 cl de lait de coco 
• 3 blancs d’œufs 
• 100g de sucre de canne 
• 5 feuilles de gélatine 

Faire ramollir les feuilles de gélatine dans l’eau froide. Porter le lait et la crème fraîche à ébullition. 
Hors du feu, incorporer le sucre et les feuilles de gélatine essorées. Bien mélanger. Ajouter le lait de coco (on peut ajouter un trait de rhum blanc). 
Faire prendre au moins 2h au réfrigérateur dans des ramequins individuels. Accompagner d’un coulis de mangues ou d’une salade de fruits exotiques.

Le féroce d’avocat

Pour 4 personnes 
300g de chiquetaille de morue 
100g de farine de manioc 
2 avocats 
Pour la chiquetaille de morue, on peut utiliser la chiquetaille déjà préparée en bocal (plus rapide !), sinon : 
200g de morue séchée 
1 oignon – 3 cives – 3 gousses d’ail 
1 citron vert 
1 piment selon votre goût 
thym, persil 
poivre, huile 

Matoutou de crabes 

Pour 6 personnes
Préparation : 30 minutes
Cuisson : 50 minutes

Ingrédients

– 500 g de riz blanc 
– 10 crabes de terre nettoyés 
– 1 cuillerée à soupe de cumin en grain 
– 150 g de poitrine fuméer 
– 1 petite boite de tomates pelées 
– 2 citrons 
– 2 oignons 
– 1 piment 
– 1 bouquet garni 
– 6 clous de girofle 
– 3 gousses d’ail 
– 2 feuilles de bois d’inde 
– 2 feuilles de laurier 
– Huile, sel, poivre

Confection

• Lavez, brossez les crabes. Séparez les carapaces des pattes, gardez la graisse.
• Séparez les pattes en deux, coupez les griffes et cassez les pinces afin que l’assaisonnement pénètre. Faites macérer dans du jus de citron et du sel.
• Faire revenir dans l’huile l’oignon haché finement, le cumin, la poitrine fumée, la graisse de crabe et le crabe pendant environ 10 minutes.
• Ajoutez les tomates coupées en dés, les épices et l’ail hachés. Salez et poivrez. Rajoutez 1/2 litre d’eau afin de faire une sauce et laissez mijoter environ 20 minutes.
• Enlevez les crabes de la sauce. Réservez-en le quart.

Retirer et servir avec du riz cuit à la créole. Bon appétit !

Colombo de mouton 4 personnes

• 1 kg d’épaule de mouton en morceaux, ou de collier, ou de souris de gigot
• 3 c. à café de poudre de colombo
• 2 oignons France
• 1 bouquet garni (thym, oignons-pays, persil)
• 3 graines de tamarin (facultatif)
• 2 gousses d’ail
• 1 piment
• 1 belle courgette
• 1 aubergine
• 1 belle christophine
• 2 pommes de terre
• 3 c. à soupe d’huile

Faites revenir les morceaux de mouton dans l’huile avec les oignons émincés. Versez un peu d’eau puis la poudre de colombo, ajoutez la chair qui entoure les graines de tamarin (facultatif), bien mélanger, salez, poivrez.

Comment est née l’idée de créer des Kimonos avec des tissus wax ? 

En juin 2019, à lors d’un voyage en Guadeloupe, je me suis fait confectionner un kimono en tissus pagne. Face à l’engouement suscité par ma tenue entre mon départ de Paris et mon arrivée à destination, j’ai décidé de lancer la marque Kiru’Mono. J’ai pour ainsi dire fait une étude de marché in vivo.

Avez-vous déjà été au Japon ?

J’avais prévu d’y aller en avril 2020. La pandémie étant passée par là, j’ai reporté ce projet, ainsi que d’autres.

La culture japonaise est à priori tellement éloignée à la vôtre, qu’est ce qui les rapproche ?

Dans mon pays natal le Cameroun, nous avons une ethnie à l’ouest qui porte des vêtements qui rappellent le kimono. J’ai donc fait le parallèle.

Vous respectez tous les codes de la création du Kimono, comment travaillez-vous ? Est-ce vous qui les dessinez ?

Je travail à l’instinct. Je suis autodidacte. Je travaille avec différentes dessinatrices à qui je donne des indications. Elles me font les dessins.

Avez-vous une clientèle Japonaise ? Si oui Comment a-t-elle accueilli ces kimono version africaine ?

J’ai effectivement des clients japonais, lorsqu’ils voient le nom de la marque et me voient en personne, ils sont agréablement surpris parce qu’ils observent qu’un travail de fond a été effectué, que la marque Kiru’Mono est une déclaration d’amour à ce pays où je ne suis jamais allé.

Est-ce des modèles uniques ou les fabriquez-vous en série ?

Quand j’ai démarré en 2019, je faisais des pièces uniques pour ne pas bloquer ma trésorerie et trouver ma clientèle. Aujourd’hui je fais des séries limitées par tissus, numérotées de 1 à 10 et chaque série porte un nom ou fait référence à un thème.

Quel est le coût de vos créations et quelle est votre clientèle ?

Leur coût démarre à 300€. Mes créations sont destinées aux personnes qui aiment s’habiller avec des vêtements de qualité.

L’Afrique se reconnait-elle dans le kimono ?

Kiru’Mono est une marque multiculturelle destinées aux amoureux de la mode. Le kimono est un vêtement traditionnel japonais qui date du XVIIe siècle, que j’ai modernisé en y incluant des poches, une ceinture amovible. Chaque modèle est en taille unique et mixte.

Pourquoi le choix de fabriquer vos créations en France ?

Dans le futur, je souhaite travailler avec les acteurs majeurs du secteur du coton et des artisans de pays où j’aurais l’occasion de travailler. Faire fabriquer mes créations en France me permet de suivre et de vérifier le travail et de garantir le Made in France qui est une référence dans le monde.

Quels sont vos objectifs ? 

Continuer de développer ma marque, devenir une actrice majeure de la mode, continuer à transmettre comme je l’ai fait à Abidjan avec une ONG Internationale Solidarité Laïque.