Couleur Café : Lorsqu’on observe le visuel de « État d’âme », ton album, plusieurs éléments apparaissent, notamment une éclipse solaire, quel est le message ?

Kristof Négrit : L’éclipse solaire, pour moi, véhicule  le renouveau de ce que je suis. J’ai livré ce que je suis jusque-là. Ce qui m’ouvre à de nouvelles perspectives, permettre à la musique de chez moi de s’ouvrir à autre chose. 

La chaîne brisée symbolise le combat que nos ancêtres ont mené pour leur liberté. Aujourd’hui, nous continuons le travail qu’ils ont initié. C’est un rappel de notre histoire.

Ensuite si on regarde dans la rétine de l’œil, il y a ma fille, le fœtus. Je livre une part de moi dans l’album à travers elle. D’ailleurs, il y a une chanson intitulée « Lorsque LoÏse s’endormira… ». 

C.C :  Tu as travaillé avec Xavier Belin, c’est un excellent pianiste.

K.N : Il y a aussi Sylvain Ransy et Rudi Boa, qui connait le gwo-ka, il a travaillé cette direction-là. Lorsque je composais l’album, j’avais aussi envie d’avoir cette couleur-là, que j’ai travaillé à travers la batterie, aussi au niveau de l’harmonie.

Xavier m’a aidé dès le début pour le titre « État d’âme », les premières mélodies. Il m’a aidé à mettre l’harmonie derrière. Et Sylvain aussi m’a apporté son expérience pour les arrangements des premières compositions à l’époque post-Covid. 

C.C : Raconte-nous tes débuts, ta rencontre avec le « Ka ».

K.N : J’ai commencé par la batterie.  Je n’ai pas commencé par le « Ka ». Mon père m’a initié à la musique populaire, le Zouk, la Biguine, le Kompas, et c’est après que je me suis intéressé à la tradition.

Il y a aussi mon jeune frère, Julianis Négrit, qui intervient sur deux titres dans l’album. Et c’est lui qui a vraiment commencé à pratiquer l’instrument bien avant moi. J’ai commencé à pratiquer le tambour lorsque je suis arrivé en France hexagonale. Puis, je me suis intéressé à la musique traditionnelle quand je suis retourné en Guadeloupe pendant un an. 

C.C : En tant que batteur, comment est-ce qu’on compose ? Qu’est-ce qui vient avant ? Est-ce le rythme ? Les mélodies ? Comment travailles-tu ? 

K.N : Ça dépend. Pour cet album-là, Les thèmes, les mélodies chantées, me sont venus par des émotions. Ce sont les circonstances de la vie. À travers ces mélodies, j’ai imaginé les rythmes que j’ai travaillés. J’ai souvent commencé par soit la ligne de basse ou la mélodie ensuite le rythme. Le reste du travail s’est fait sur mon ordinateur. 

C.C : Dans l’album, on ressent une forte influence africaine

K.N : L’idée était aussi de montrer le lien entre l’Afrique et les Antilles. Et puis, l’afrobeat ressemble un peu à un des rythmes gwo-ka, que j’ai combiné. J’ai mélangé l’aspect rythmique de l’Afrique avec nos mélodies créoles, qui sonnent plus créole-jazz. Ça reste une musique d’énergie, de trance. J’ai aussi voulu véhiculer, l’aspect dansant. Quand on rentre dans le jazz, on pense musique très élitiste, mais il ne faut pas oublier que notre musique de base, c’est des musiques de danse. Tout part de ce socle.

Propos recueillis par Ewané Nja Kwa

Photos @Kloé Puech

Quelques dates :

22 mai 2026 au Baiser Salé, Paris

17 juin 2026, Guadeloupe

Suivre Kristof Négrit : https://www.facebook.com/KristofNegritBatteur/

Miles Davis est né le 26 mai 1926. Cette année, il aurait eu 100 ans. Une belle occasion pour le célébrer, sur tous les continents. 

Son prénom seul, l’identifie au jazz. Miles ! Demandez un disque de Miles et vous serez servi. Dans le désordre : Kind of Blue, ‘Round About Midnight, Bitches Brew, In a Silent Way, Sketches of Spain, E.S.P., Doo-Bop, You’re Under Arrest, Miles Ahead, Decoy… La liste est longue. Chaque opus est une nouvelle ère. Un nouveau groupe pour un son nouveau. La musique de Miles est un mouvement perpétuel, un bouleversement. La perfection était son leitmotiv. Il ne se contentait pas de réinventer une musique, il révélait des musiciens. Le line-up de chacun de ses albums est une palette d’icônes.  

Pour l’occasion, Columbia Records et Legacy Recordings ont la bonne idée de rééditer l’enregistrement « live » d’une performance d’une rare intensité donné au Plugged Nickel à Chicago. 

Nous sommes le 22 décembre 1965. Le trompettiste, entouré de son quartet, entre en scène : Wayne Shorter au saxophone, Herbie Hancock au piano, Ron Carter à la contrebasse  et Tony Williams à la batterie. Après avoir joué pendant plus d’une année ensemble, les musiciens ont envie de surprendre, de faire de l’anti-musique. Et Miles ne se doute pas de ce qui va se passer ce soir-là. « L’idée était de briser les clichés : des silences soudains là où l’on atteindrait normalement un point culminant dramatique ; une intensité accrue au moment où l’on s’attendrait à ce que la musique s’estompe. Prévoir une déconstruction est une chose, la réaliser sur le moment en est une autre, tout à fait, et il faut faire confiance à soi-même et à ses camarades pour réagir de manière créative et ne pas se tromper. » Le trompettiste comprend-il ou fait-il mine de ne pas comprendre ? Toujours est-il que, selon son saxophoniste Wayne Shorter, celui-ci n’a pas sourcillé, « il ne s’est pas retourné pour questionner ses musiciens. Il a suivi le mouvement, même si Columbia Records enregistrait plusieurs soirs de suite dans la salle – un détail qu’il avait omis de mentionner au groupe. » Sur les enregistrements, on perçoit la surprise, les pauses inattendues et les cris de joie – surtout le premier soir. Il ne s’agit plus tout simplement d’improvisation mais de création et de révolution. Le jazz entre dans une nouvelle ère. Happy Birthday Maestro.

Samuel Nja Kwa

Couleur Café : Que signifie « Spedju » ? 

E.A : Miroir. C’est un album  très intime. Le miroir est l’objet qui m’a toujours accompagné pendant ma grossesse. Parfois je me sentais bien et parfois triste. C’est l’objet qui reflétait mon humeur. C’était une période où mes sentiments étaient mélangés. Pendant que j’étais enceinte, j’ai commencé à écrire, c’est pour ça que j’ai appelé mon album « Spedju », qui signifie miroir. 

CC : Il s’agit donc  d’un album que tu as porté comme un deuxième bébé. 

E.A : Exactement. Pendant que j’étais en train de donner la vie à ma fille Malika, j’ai fini cet album pratiquement en même temps. Ce sont des jumeaux. Dans l’album, il y a une chanson pour ma fille, ainsi que pour son père. Daddy, en anglais. C’est une chanson qui parle de sa relation avec son père, chaque fois qu’il sort de la maison pour aller travailler, qu’elle pleure comme si elle n’allait plus le revoir.

J’ai grandi sans mon père. Je n’ai jamais vécu ce type de relation, d’avoir un père qui rentre à la maison après le travail, sentir cette alchimie qu’il y a entre un enfant et un père.

CC :  Dans l’album, tu as écrit presque toutes les chansons, sauf « Kumbosa « et « Baka Brabu», qui te ramènent à tes souvenirs d’enfance. 

E.A : Oui, c’est une chanson du compositeur Chando Graciosa. Pour moi, c’est une des plus belles voix au Cap-Vert. J’ai grandi en écoutant cette chanson-là. Je me suis toujours dit qu’un jour, je la réenregistrerais. J’ai eu la chance de le faire dans cet album avec un invité qui s’appelle Garry. Il fait partie de la nouvelle génération  de chanteurs au Cap-Vert.

CC : Dans ton album, il y a trois funanas

E.A : C’est la première fois que ça arrive. Je suis de l’île de Santiago, du sud du Cap-Vert, où le style funana est né. Je chante et je danse funana depuis mon enfance. C’est inscrit dans mes gènes.

CC : Dans une chanson, tu racontes l’histoire du funana.

E.A : L’histoire parle de deux frères, qui étaient esclaves. L’un s’appelait Funa et l’autre Nana, partis de l’île de Santiago, de Praia, pour chercher des endroits inaccessibles aux les colons, emportant avec eux le rythme. Les portugais ayant interdit l’utilisation des rythmes d’Afrique au Cap-Vert, ils ont supprimé tous les instruments percussifs de la musique, et les ont remplacés par les instruments européens : l’accordéon, la guitare portugaise. Ces deux gars-là ont conservé la partie percussive de l’Afrique et ont intégré l’accordéon, qui était un instrument du Portugal, pour créer  le Funana. Aujourd’hui, le Funana est devenu le rythme le plus connu du Cap-Vert. 

CC : Qu’est-ce que Césaria Evora représente pour toi ? 

E.A : La force. Surtout, le courage de continuer à chercher le meilleur pour moi. Elle a chanté toute sa vie, mais elle a été connue très tard. Ce qui pour moi signifie que même si parfois tu as l’impression que ça devient plus difficile, il faut continuer. Ce sont les valeurs qu’elle m’a transmises. 

CC : Ça fait déjà pratiquement plus de dix ans que tu tournes sur la scène internationale, ton premier album est sorti en 2014.

E.A : 2014, ça fait longtemps. Ce sont des années vraiment spéciales. Elles sont passées très vite. J’ai vécu des belles choses, que je ne m’attendais pas. J’étais une fille de la campagne. J’ai étudié en ayant l’ambition de travailler dans l’administration. Et un jour, tout a changé. J’ai gagné le prix RFI, j’ai aussi reçu beaucoup de prix au Cap-Vert. Puis je me suis mise à voyager. Je connais plus de 60 pays dans le monde. Ce sont des années où j’ai connu tant de belles choses. Et beaucoup de travail aussi quand même. Il n’y a rien qui arrive au hasard quand même. 

CC : Aujourd’hui comment est-ce que tu t’organises entre ton travail, la maternité et les concerts à venir ? 

E.A : Je suis remontée sur scène depuis quelques mois. C’est toujours compliqué, mais nous avons appris à nous organiser. J’ai passé 20 jours au Japon, c’était très difficile pour moi de rester tout ce temps-là loin de ma fille. Mon premier fils a grandi comme ça. Il est bien. Il comprend pourquoi j’ai été obligée de partir à l’étranger, pour lui donner la qualité de vie qu’il a. Donc, Malika comprendra aussi, en plus, elle a son père qui près d’elle. Il me soutient aussi tous les jours. 

CC : Que veux-tu que le public retienne de cet album ?

E.A : J’espère que les gens pourront voyager avec moi dans chaque histoire. Il y a des histoires qui parlent de moi, d’autres que ma mère et mon père m’ont racontée. Je parle aussi des mères célibataires.

Je rends hommage à ma tante, que j’ai perdue il y a deux ans. Elle était comme une deuxième mère pour moi. C’était vraiment un moment très difficile pour ma famille.

Propos recueillis par ENK

Dates de concert :

29/05/26 : VILLENEUVE-LA-GARENNE   VIRTUOZ CLUB

30/05/26 : VIC-SUR-CÈRE (Cantal), FESTIVAL DEMAN & PASSAT DEMAN.

Couleur Café : Tu sors le troisième album, « Evy danse », est-ce Evy qui danse ou une évidence ? 

Sonny Troupé : C’est Evy qui vit et qui, à un moment donné, danse. C’est un personnage qui est multi-âge en fonction des pièces de l’album. Ça peut être une enfant, une adolescente, peut-être une adulte ou une personne dans la force de l’âge. En fait, elle est multi-âge et l’album représente tout ce qu’Evy peut rencontrer sur sa route. Il s’agit d’un voyage.

En réalité j’ai cinq albums à mon actif, mais c’est le troisième de ce type-là, avec le Sonny Troupé Quartet Add4. L’idée était de continuer à chercher comment écrire pour d’autres instruments, la musique Gwoka. 

Couleur café : Alors, comment les cordes s’adaptent -elles à ton Gwoka ? 

Sonny Troupé : Elles s’adaptent parce que ce sont simplement des instruments de musique.

Et même si on peut penser que, de manière stéréotypée, le quartet à cordes est fait pour jouer qu’un type de musique, bien au contraire, on peut faire en sorte qu’il joue n’importe quel type de musique et dans ce cas précis, le Gwoka. Et j’ai envie de dire, c’est pareil pour l’instrument Tambour-ka. On peut penser que c’est un instrument à percussion qui ne peut jouer que de la musique Gwoka, mais bien au contraire, il peut très bien jouer de la musique classique ou du jazz. 

CC : Comment est née cette idée-là d’ajouter des cordes ? Et pourquoi ?

S.T. : Je pense que c’est au fil du temps. Le triptyque a commencé en 2013. Je rencontre des musiciens sur la route, des gens qui jouent des instruments à cordes et je me lance aussi des défis. Je me dis voilà, quelque chose qui paraît très loin de nos musiques, ce serait bien de voir comment ce type d’instrument joue des mélodies ou des rythmes qui sont dans nos musiques. 

CC : Dans l’album, il y a des invités. 

S.T. : Il y a plein d’invités. Oui, il y en a cinq.  il y a Raphaël Philibert, qui est saxophoniste, le guitariste Christian Laviso, qui est un sacré musicien, connaisseur de cette musique sur un instrument qui n’est pas l’instrument traditionnel du Gwoka. L’idée est aussi d’avoir des gens qui sont un peu dans cette veine-là. Et puis, à côté de ça, il y a Laurent Lalsingué, qui joue du style Pan. Et là, sur l’album, il y a aussi des morceaux qui sont plus de l’ordre de la fusion entre plusieurs styles musicaux. On trouve aussi la chanteuse Lou Tavano, qui a aussi écrit le texte « Sans mêlée ». Lucien Troupé, dit un texte, « Une étoile toujours sera la bienvenue », ainsi que le morceau « Léòno », qu’il interprète. Il s’agit d’un morceau traditionnel de Michel Laurent, un grand maître.

CC : Je souligne que ton jazz est toujours pétri de tradition. C’est ce qui te caractérise aussi. 

S.T. : Oui, en fait, il y a deux choses : La volonté de continuer à écrire la musique gwoka, et le fait qu’il y ait beaucoup de types de musique que j’aime, par mon éducation. J’aime aussi faire des expériences avec plein de musiques différentes, qui m’animent. Et bien évidemment, le jazz en fait partie, la musique électronique, le métal aussi, des choses que j’ai pu rencontrer, que j’aime bien.

CC : On entend aussi un peu de rap dans ta musique… 

S.T. : Ce que je retire du rap, du hip-hop et de la musique électronique, c’est justement cette idée de mots, de scander les choses, de dire des messages. Et le côté sample aussi, sampler les choses, sampler des voix. Dans l’album, je sample Thomas Sankara, ainsi que des gens du pays. Et ça, c’est vrai que c’est dans le hip-hop, dans la musique électronique, qu’on le fait souvent. C’est ce que j’apprécie et du coup, je m’en sers depuis le premier disque. C’est quelque chose qui reste. 

CC : Et pour finir, il y a toujours cette place que tu fais aussi à l’Afrique, dans ta musique aussi, qui est assez importante, je crois.

S.T. : Oui, c’est très important. De toutes les façons, on ne peut rien faire sans savoir d’où l’on vient. Et c’est toujours intéressant et très important de faire des allers-retours pour avancer. C’est la trajectoire des vies.

Propos recueillis par Ewané Nja Kwa

Couleur Café : Tu as choisi comme nom de scène Papyrus, peux-tu m’en dire plus ? 

Papyrus : Le papyrus, c’est la première page de l’humanité. C’est toute une histoire : Très jeune, j’ai été fasciné par l’Égypte antique, cette civilisation qui a tout inventé ou presque (l’écriture, l’architecture, la médecine, la philosophie). C’est sur cette plante que les anciens ont couché leurs pensées, leurs prières, leurs révoltes. Quand j’ai cherché un nom de scène, je voulais quelque chose qui parle de mémoire, de transmission, d’écriture gravée dans le temps. Papyrus, c’est dire que mes mots ne sont pas jetables. Qu’ils portent quelque chose d’ancien et de vivant à la fois. Je recherchais un nom qui parle de transmission, de trace, de parole qui résiste au temps. Le slam, c’est aussi poser des mots qui demeurent.

Couleur Café : Pourquoi ce choix ? 

Papyrus : Parce que le papyrus n’est pas seulement un objet, c’est un symbole. Il représente la rencontre entre la nature et la pensée humaine, entre le vivant et l’écrit. Je viens d’Afrique, et cette connexion avec l’Égypte ancienne me rappelle que notre continent a été le berceau de la civilisation écrite. Porter ce nom, c’est aussi une manière de revendiquer cet héritage, de dire : nous avons toujours eu des choses à raconter.

CC : Qu’est ce qui caractérise ton slam ?
P : Mon écriture est le cœur de tout. Mais ce qui me distingue peut-être, c’est mon amour profond pour le jazz. Ce n’est pas une simple influence musicale, c’est une philosophie : l’improvisation, la liberté dans la structure, le dialogue entre les voix. Mon slam respire. Et derrière tout ça, il y a un engagement fort pour l’art, l’art comme espace de résistance, de beauté et de vérité.

CC : Parle-nous de la scène slam au Togo, y a-t-il un vrai engouement pour cet art dans ton pays ?

CC : La scène existe, elle respire, elle grandit même si parfois c’est une croissance silencieuse. Le slam au Togo se construit dans les espaces culturelles, les salles de quartier, dans les universités, dans les têtes de jeunes qui cherchent une façon de dire ce que la société préfère taire. 

Peu de scènes dédiées, peu de financements, peu de visibilité médiatique. Ce qui est beau, en revanche, c’est l’énergie du public jeune. L’engouement  est réel, mais il manque encore de structures, de visibilité, de ponts avec l’extérieur. On porte souvent nos textes comme on porte ses rêves : avec conviction, même quand personne ne regarde encore.

La parole poétique, ici touche quelque chose de profond. Il y a une culture de l’oralité très ancrée en Afrique de l’Ouest. Le slam s’inscrit naturellement dans cette tradition du griot, du conteur, de celui qui dit ce que les autres pensent tout bas.

CC : Comment procèdes-tu pour écrire tes textes ? 

P : Je n’écris jamais à froid. Il me faut une étincelle une conversation entendue dans le bus, une actualité qui me révolte, une image qui refuse de partir. J’observe beaucoup, je note beaucoup. Parfois, un texte commence par un seul mot que je trouve beau ou violent. Ensuite vient le travail : je cherche le rythme avant même le sens, parce que pour moi la musicalité d’un texte, c’est son squelette. Je lis à voix haute dès le début du processus. Si ça sonne faux dans ma bouche, c’est faux sur le papier. J’écris souvent la nuit, quand le monde est silencieux.

CC : Est-ce la musique qui s’adapte à tes textes ou le contraire ?

P : C’est un dialogue, pas une hiérarchie. Pour être honnête, je pars toujours du texte. La parole est première chez moi c’est elle qui dicte le tempo, les respirations, les silences. Ensuite, les musiciens entrent dans cet espace et le transforment. Ce qui est fascinant avec le jazz notamment, c’est que les musiciens improvisent autour de ma voix comme si elle était un instrument parmi les autres. Parfois ils me surprennent tellement que je modifie ma propre façon de dire le texte. Il y a une vraie co-construction qui se fait en temps réel sur scène, ce qui le rend vivant.

CC : Tu débarques à Paris pour la première fois, tu as décliné ton slam au Baiser salé, une salle de jazz parisienne, en rencontrant des musiciens de jazz, comment s’est faite la rencontre et qu’est-ce que tu en as tiré ?

P : Je me promenais dans Paris avec un ami et je lui ai demandé de m’emmener dans un jazz club. Mais pas dans n’importe lequel. Je lui ai précisé : le Baiser Salé. J’en avais tellement entendu parler, ce lieu avait une aura presque mythique dans mon imaginaire. Je voulais voir de mes propres yeux comment ça se passe, comment la musique vit dans cet endroit.

En arrivant, c’était la deuxième session d’une soirée jam, l’énergie était là, les musiciens jouaient, et quelque chose en moi m’a poussé à m’avancer. J’ai demandé à collaborer. Sans protocole, sans rendez-vous, ils ont dit oui. Ce moment m’a confirmé quelque chose d’essentiel : la musique et la parole parlent la même langue, il suffit d’oser la conversation.

CC : Tu participes au festival Togo Art, comment as-tu été sélectionné ?

P : C’est la chanteuse Laura Prince qui a été le lien. On s’était déjà croisés à Lomé, on avait partagé une scène ensemble et apparemment quelque chose dans mon travail avait résonné en elle. Quand elle est devenue marraine de cette deuxième édition, elle a pensé à moi. C’est aussi ça la force des rencontres artistiques : elles ne s’oublient pas. Les gens qui vous écoutent vraiment gardent une trace de vous, et parfois cette trace devient une porte ouverte. C’est ainsi que j’ai pu venir en France. Ce voyage n’aurait pas été possible sans le soutien de l’Institut Français de Lomé, à travers son projet FEF Création. C’est une aide précieuse pour les artistes comme moi — elle ne fait pas que financer un voyage, mais apporte le soutien nécessaire pour qu’un autiste puisse d’être vu ailleurs. C’est une forme de reconnaissance, plus qu’un coup de pouce pour la suite de ma carrière.

CC : Que retiens-tu de ce festival ?
P : Togo Art Festival est une fenêtre ouverte sur le monde. Une vitrine pour la culture togolaise à l’international, mais surtout un espace de retrouvailles entre la diaspora togolaise, les autres diasporas africaines établies en France, et une communauté française qui veut sincèrement aller à la rencontre de l’Afrique contemporaine. Ce que je retiens surtout, c’est la chaleur de ces échanges, la fierté collective.

CC : As-tu d’autres projets en France ou ailleurs ?

P : L’aventure est loin d’être terminée. Au Togo et dans toute la sous-région ouest-africaine, je continue à construire, à rencontrer, à performer. Et puis il y a un projet qui me tient particulièrement à cœur : une création au Canada, plus précisément en Acadie, qui devrait voir le jour en octobre de cette année. Une rencontre entre ma parole d’Africain et cette autre francophonie là, celle qui se bat pour exister. Et si tout s’aligne, une résidence artistique en France l’année prochaine le temps de vraiment creuser, de créer loin du bruit, de revenir avec quelque chose de nouveau et de consistant.

Propos recueillis par Samuel Nja Kwa

Couleur Café : Tu préfères quand on t’appelle Sylvie ou alors Sully ? 

Sully Quay : Quand on s’adresse à moi en tant qu’autrice, on peut m’appeler Sully. Ma mère m’appelle Sully, donc il n’y a aucun souci. Ça peut se dire dans plusieurs langues sans être trop écorché.

Couleur Café : Dans quel environnement as-tu grandi ? 

Sully Quay : Je suis née à Paris. J’y suis restée deux ans ensuite nous avons déménagé à Neuilly-sur-Marne jusqu’à mes 23 ans. Mes parents étaient fonctionnaires. Puis j’ai connu mon ex-mari, nous avons aménagé dans le 95. Et surtout, nous avons passé 10 années en famille à l’étranger.

Couleur Café : Tes origines sont togolaises  

Sully Quay : Oui, d’origine togolaise et béninoise.

C.C : Quel rapport entretiens-tu avec ces deux pays ? 

S.Q : C’était l’endroit où nous passions de temps en temps nos vacances. Les billets d’avion coûtaient cher. On était une famille de deux enfants, ça faisait quatre. On y allait à peu près tous les cinq ans. C’était l’occasion de voir les cousins, les tontons, les tatas. Grâce à mon ex-mari, qui est d’origine togolaise et très attaché aux traditions, j’ai quand même eu un autre regard, sur le Togo et le Bénin. J’ai eu plus d’affection pour les pays, pour la famille. Et en vieillissant, j’ai l’impression que ça m’intéresse de plus en plus. Tout ce qui s’y passe au niveau géopolitique, la conscience, par rapport à la société. Je trouve que c’est important de savoir d’où on vient pour savoir où on va.

C.C : À la lecture des deux livres, il est aussi beaucoup question de voyage, d’envie de partir. Est-ce que c’est ce qui t’inspire dans tes écrits ? 

S.Q : j’ai vécu dix ans à l’étranger. On a vécu en famille avec nos trois enfants parce que mon ex-mari était expatrié. Nous l’avons suivi. Et c’est vrai que faire ces voyages a été une grande source d’inspiration à travers mes œuvres et aussi une grande source de questionnements. « Nos vies ailleurs », au niveau chronologie, est mon premier roman. Au départ, je l’avais écrit en anglais. Je me suis inspirée de ce que j’ai vécu en expatriation. Surtout ce que j’ai vu par rapport à mes copines ou d’autres femmes qui n’étaient pas forcément mes amies, par rapport à nos statuts de femmes expatriées, comment elles le ressentaient et ce qu’elles n’osaient pas dire. 

Pour « Un prisonnier sans étoiles », l’idée m’est venue lorsque je vivais à Cracovie en Pologne, et lorsque j’ai visité le camp d’Auschwitz. Un jour, je me suis questionnée, sur la condition des Noirs dans les camps nazis. Je me suis demandée s’il y’en avait eu. Il faut savoir qu’à Auschwitz, il y a  un panneau avec plein de photos de personnes ayant été emprisonnées, mais on n’y voit pas de Noirs. En même temps, en Europe, il y avait des Noirs pendant la Première Guerre mondiale ainsi que la Seconde Guerre mondiale. Et connaissant les théories nazies, j’étais assez étonnée qu’ils n’aient pas été persécutés. Et j’en ai parlé à une amie qui m’a conseillé de lire « Noirs dans les camps nazis » du journaliste Serge Bilé.

Mon grand-père aussi, de 1936 à 1939, vivait à Paris. Parce qu’il voulait être commissaire de police. Et avant que la Seconde Guerre mondiale n’éclate, mon arrière-grand-mère lui avait dit de rentrer au Togo, au pays. Et c’est à partir de ce moment-là que je me suis dit que si mon grand-père n’était pas rentré, est-ce qu’il aurait été incarcéré ? Est-ce qu’il aurait été résistant ? Est-ce qu’il aurait été collabo ? Je ne sais pas, je me suis posée plein de questions. C’est ainsi que je me suis mise à écrire « Un prisonnier sans étoiles ».

C.C : Pour revenir à « Nos vies ailleurs », tu dévoiles la vie des femmes et des hommes. Est-ce que ça a été facile de récolter toutes ces expériences ? Fiction ou réalité ?

S.Q : J’ai fait une conférence où on me demandait quelle était la limite entre la fiction et la réalité. On est obligé, pour faire de la fiction, je pense, de s’inspirer de la réalité. Par exemple, Anastasia, que je dépeins, n’est pas une personne. Elle incarne différentes femmes. La même chose pour Shirley et Katalin, personnages du livre. Je ne voulais pas stigmatiser sur une personne en particulier. Je voulais également conserver l’anonymat de mes amies.

C.C : Ont- elles ont reçu le livre ? 

S.Q : La plupart de mes amis qui sont francophones ont reçu et ont lu le livre. Elles l’ont trouvé très bien. Elles ne se sont pas reconnues ou n’ont pas osé se reconnaître. Mais pour les personnages principaux, c’était vraiment de la fiction mélangée. 

C.C : Et il n’y a pas que des femmes, il y a aussi quelques hommes

S.Q : C’est vrai que dans chaque pays, j’ai rencontré un homme qui suivait sa femme. Ces hommes étaient très bien acceptés par la communauté féminine. Et en même temps, parfois, j’entendais des petits rires de la part de certains hommes qui travaillaient. Le fait que ces hommes suivent leurs femmes n’était pas très bien vu à l’époque.

C.C : Je fais la navette entre les deux livres. Dans « Un prisonnier sans étoiles », j’avais comme l’impression qu’il y a une espèce de désillusion d’un homme qui parle et qui a beaucoup d’espoir.

S.Q : Oui. Et qui finalement, est abattu par la dureté de la vie, tout ce qu’il rencontre durant son parcours. Et il a Sylvana, dont il espère quelque part qu’elle prolongera sa vie. Et c’est ce qu’elle fait en même temps, parce qu’elle ramène au pays le sable. Ce fameux sable qui rappelle son pays natal, en quoi il ne croyait plus d’ailleurs, parce qu’à un moment, il pense que ce sont des superstitions. 

C.C : Et finalement, est-ce que ce sont vraiment des superstitions ? 

S.Q : Cette histoire de sable, ne se faisait pas dans ma famille, mais ça se fait dans d’autres. Par exemple, dans la famille de mon ex-mari, il m’en avait parlé. Son père avait eu un cancer. Il était venu en France se faire opérer. Et apparemment, il avait pris du sable de chez lui avec la promesse de revenir au Togo. Et d’après ce que ma belle-famille m’avait dit, il est rentré et il est décédé. Il s’est fait opérer en France. Malheureusement, c’était sans issue. Donc, il est retourné au Togo souffrant et il est mort là-bas. Donc, je ne sais pas si ça marche ou pas. Au début, j’écrivais juste une histoire comme ça. Mais j’ai dû me documenter énormément. Je ne voulais pas non plus raconter n’importe quoi, donc, j’ai fait vraiment beaucoup de recherches. 

C.C : Pour finir, est-ce que tes livres sont distribués en Afrique ? 

S.Q : Je suis très contente, parce que j’ai réussi à récupérer tous mes droits. Et donc, maintenant, je suis édité aux éditions « Graines de pensée ». C’est une maison d’édition panafricaine, qui est au Togo. Mes livres devraient être disponibles là-bas incessamment, sous peu. En tout cas, pour le Salon du livre africain de Paris, j’y serai avec cette maison d’édition. 

Propos recueillis par Ewané N.K. 

Pour Rencontrer Sully Quay :

Stand Graines de Pensées

Les 21 et 22 mars 2026

Salon du livre Africain de Paris

Réfectoire des Cordeliers

15 rue de l’école de Médecine

75006 Paris Métro : Odéon

12 mars au Rocher Palmer à Bordeaux à l’occasion de la sortie de l’album « Alamar » (le 27 mars).

20 Mars à la Salle Gaveau à Paris.

ÉVÉNEMENTS ADRESSES SINGULIÈRES

29 Mars 2026 Rencontre avec Marie Claude Bottius aux Étangs de Corot 55 avenue de Versailles 92410 Ville d’Avray

Le programme :

• Échange sur les personnages féminins noires dans l’opéra français
• Suivie de la projection du clip vidéo La Prière de Zamba
• Dédicace de l’album « Esclave ou Reine Exotisme Lyrique » de Marie Claude Bottius

5 avril Rencontre concert et cocktail Le printemps des poètes avec Kemit aux Étangs de Corot 55 avenue de Versailles 92410 Ville d’Avray

AU STUDIO DE L’ERMITAGE 8 Rue de l’Ermitage 75020 Paris

3 avril Concert Lema y fête ses 80 ans

9 avril Concert de Sonny Troupé Quartet ADD4 à l’occasion de la sortie de l’album « Evy Dance »

Plus d’informations sur : https://www.studio-ermitage.com

CONCERTS JAZZ AU SUNSIDE 60 rue des Lombards, Paris 1^er 

6 mars Leila Olivesi

7 mars Andayoma

1^er avril Crystal Combo

4 avril Ramona Horvath

Toutes les informations sur https://www.sunset-sunside.com/

CONCERTS Jazz et Monde au NEW MORNING rue des Petites-écuries 75010 PARIS

Le New Morning fête ses 45 ans avec une série de concerts

4 & 5 mars Diannes Reeves

6 mars Raul Midon

12 mars Fred Wesley

18 mars Erik Pédurand

10 avril Elida Almeida

Plus d’informations sur : https://www.sunset-sunside.com

DUC DES LOMBARDS 42 rue des Lombards 75001 Paris

11 mars Zangbeto

14 & 15 mars Theo Croker

20 et 21 mars Rolando Luna

16 avril Emma Smith

23 et 24 avril Boby Watson

Plus d’informations sur : https://ducdeslombards.com/fr

ARTS VISUELS

Mickalene Thomas « All About Love » jusqu’au 25 avril 2026 au Grand Palais

Dana Lixenberg « American Images » jusqu’au 24 mai 2026

Samuel Nja Kwa au Musée des Civilisations noires à Dakar à partir du 25 mars 2026

Couleur Café : Que représente Paris pour toi ?

Magou Samb : La musique et les rencontres. À Paris, bien de choses magnifiques se sont passées. J’ai croisé Tonton Manu Dibango à Radio Africa. Je ne savais pas qu’il connaissait mon père, lorsqu’ils étaient étudiants et musiciens. Ils sont devenus potes. Il était aussi ami avec un de mes oncles, il venait à Ngor quand nous étions enfants. Il m’avait invité pour ses 50 ans de carrière, c’est là que j’ai aussi rencontré Robert Brazza.

Couleur Café : Nous sommes en 2026, qu’est-ce que tu nous prépares ?

Magou Samb : Plein de projets, notamment DakarTrans, qui est une formation inédite composée de potes du Sénégal, beaucoup plus expérimenté que moi. Il y a Alphonse qui est un excellent guitariste et pianiste, le plus âgé du groupe, Mamane qui accompagne le Positif Black Soul, Pape Diouf et d’autres artistes, il y a aussi Ignace Fofana qui est un incroyable bassiste, puis il y a  Idi Gallo. Depuis deux ou trois ans, nous avons monté cette formule, et on joue du Mbalax.

Il y a aussi ce projet, Camelot Nomade, avec ma femme, qui est plus acoustique. Et enfin cet autre projet qui s’appelle Immigrant Music, que j’ai fait avec un musicien américain qui s’appelle Thomas Bailey. Ben qui joue de la basse organise des jams, tous les mois à la Gallia, à Pantin, une brasserie qui fait des scènes, des concerts. C’est de la musique traditionnelle américaine, j’apporte la touche de l’Afrique de l’Ouest et plein de choses.

Couleur Café : Comment as-tu rencontré Thomas Bailey ?

Magou Samb : Dans un studio, Il est venu me voir et  m’a dit : « toi, je t’ai vu jouer de la guitare. » Il voulait que je joue dans son album, je ne pensais pas pouvoir l’accompagner car  pour moi c’est de la musique de cowboys. J’ai écouté sa musique, on a fait des essais, je n’étais pas sûr d’être à ma place, mais lui, en était convaincu, il n’a pas lâché l’affaire. Plus tard, j’ai découvert que ce sont des Afro- Américains qui ont inventé cette musique. J’ai trouvé cela incroyable. Il y a une ADN. Et Thomas l’a bien compris. Il est très militant, j’aime bien ce côté-là. Il joue du violon, de la guitare. On sort l’album le 12 janvier, c’est un super projet, complètement acoustique.

CC : Et tu as aussi un autre projet au Sénégal ?

MS : Oui, je veux y retourner pour organiser un festival à Ngor, monter un projet sur la nature, l’environnement, planter des arbres à Dakar. Il y a trop de béton à Dakar, les Sénégalais ne se rendent pas compte. Il y a des endroits, qui sont comme des sanctuaires, où on ne devait pas construire. On est en train de récupérer les plages qui étaient privatisées. Ce projet débutera probablement en 2026. C’est ce que j’ai envie de faire, Inviter des musiciens locaux et de la sous-région. On n’a pas besoin de gros sponsors, on gère.  

CC : Et ton cousin l’illustre chanteur guitariste Diogal, comment va-t-il ?

MS : On a grandi ensemble, au Sénégal. Il est dans son coin, à Champigny. Il m’a beaucoup poussé, il m’a beaucoup aidé.

Couleur Café : Vous avez vécu trois ans au Mali, qu’est-ce que l’Afrique représente pour vous ? 

James Germain : L’Afrique représente pour moi ce symbole d’être fier d’être Haïtien et Afro-Caribéen. Avant de m’y rendre, je sentais qu’il y avait quelque chose qui me manquait. Je suis né en Haïti. Évidemment, je savais qu’il y avait des gens qui nous ressemblaient. Lorsque je commence à comprendre que c’était justement nos ancêtres, j’en étais fier. L’Afrique, c’est énorme. Ça veut tout dire. 

Couleur Café : Et que se passe-t-il justement lorsque l’Afrique retrouve son enfant devenu Haïtien ? 

James Germain : Les Africains étaient très impressionnés. Et quand j’ai annoncé que j’étais chanteur, on m’a demandé de chanter, on va voir. J’ai eu du mal à ouvrir la bouche parce qu’en fait, je chante en Créole, très peu en français. Du coup, je ne savais pas dans quelle langue chanter, et j’ai commencé à improviser. Et puis là, les gens m’ont dit, mais tu viens de chez nous, tu es un griot. Je me rendais souvent chez le musicien Toumani Diabaté, qui nous a quitté malheureusement. Il avait une soirée tous les vendredis. À chaque fois que j’arrivais là-bas, on me demandait de chanter. C’est une fierté ! Lorsque les griots sont là, donner le micro à une personne qui n’est pas de la culture griot, pour moi, c’était un honneur. J’en étais fier. Je me suis senti chez moi. C’est vrai qu’il y avait la langue, le Bambara, je ne comprenais rien, mais avec le temps, j’ai appris des mots qui m’ont servi. Les gens parlaient, je rigolais, Comme si j’avais compris. Il arrive qu’on comprenne, mais qu’on ne puisse pas traduire. Quand je pense aux odeurs, à la musique, l’atmosphère, tout ça me renvoie justement à mes trois ans passés dans ce pays, le Mali, ainsi qu’à d’autres endroits que j’ai visités sur ce continent. Ça m’a servi quand je suis retourné en Haïti. J’ai ramené un CD de musique mandingue, qui pour moi représentait un carnet de voyage.

Couleur Café : Ton nouvel album se nomme Xù d’Àssa qui signifie ?

James Germain : La traversée de nos ancêtres vers l’Occident. 

CC : C’est un album hommage aux racines qui raconte l’histoire…

J.G : Celle de mon enfance aussi. Mon enfance, l’héritage que ma famille m’a donné par le biais de ma mère. Et d’ailleurs, dans l’album, on retrouve la voix de ma maman. C’était important, elle m’a transmis ce goût de chanter. Depuis mon enfance, ma mère m’a souvent raconté des histoires où il y avait une partie chantée. J’attendais toujours cette partie-là. J’ai inclus la voix de ma mère dans mon album, comme lorsqu’elle me chantait une berceuse quand j’étais enfant.

CC : J’ai aussi retenu que ton album parle du passé et de l’avenir. 

J. G. : C’est ça. Dans les thèmes que j’aborde, je parle du passé.

CC : Mais l’avenir, c’est quoi ? 

J.G. : C’est justement la modernité, les sons, puis les arrangements proposés par le directeur musical. Ce travail n’aurait pas eu de sens si seulement j’étais resté dans le passé.

CC : Comment as-tu trouvé l’équilibre entre les traditions, la modernité et même les sons un peu futuristes ? 

J.G : C’est un son de demain, entre guillemets. L’arrangeur, le guitariste Ralph Lavital a fait un travail extraordinaire. Il a été à mon écoute, et puis il a amené des propositions extraordinaires, dont j’avais besoin. On connaît James, son premier album, le deuxième, le troisième, et j’avais besoin d’apporter quelque chose de différent. Ralph a amené un son électro dans certains morceaux. C’était ce que j’attendais de lui.

CC : Qui est Sainte-Hélène ? 

JG : Je pense que c’était une Amazone, qui a combattu l’esclavage. Je tenais absolument à lui rendre hommage, je la considère comme une reine. Les femmes ont joué un rôle assez important dans le combat contre les colons. Il était important pour moi que ce soit ce titre qui ouvre l’album. 

CC : Dans ton dossier de presse tu dis « Je ne suis qu’un passeur, un passeur de mémoire, un gardien momentané d’un trésor qui me dépasse. » C’est la définition même du Griot, en fait.

J.G : Absolument. Et pour moi, c’est important parce qu’il y a une génération qui est en train de découvrir, et qui a besoin de savoir, de connaître ses origines, connaître l’histoire. Et pour moi, c’est un devoir d’être dans ce rôle-là. Notre histoire est tellement riche. Il est important de porter ce que nos ancêtres nous ont légué aussi bien dans la diaspora que dans le continent africain. Nos traditions anciennes sont intactes dans cette région d’Haïti. Et dans le travail que je fais, j’ai amené l’âme de cette tradition avec moi dans ce projet. 

CC : Depuis la naissance de ce pays, Haïti, tellement d’événements se sont passés, comment ce pays tient-il encore debout ? 

J. G : Eh bien, je peux dire que c’est la résilience. Lorsqu’on est là-bas, et qu’on entend ce qui se raconte dans les journaux, les réseaux sociaux, tout ce qu’il s’y passe, qu’on vit directement, on ne peut qu’être résilient. Les gens continuent à vivre, les enfants continuent à aller à l’école dans les endroits où c’est encore possible, bien qu’il y ait des coins vraiment inaccessibles, la population a envie d’aller vaquer à ses occupations, parce qu’il faut vivre. On fait avec parce qu’on n’a pas de choix. On doit aller travailler, on doit aller à l’école, même quand c’est difficile pour certains, qu’on n’a plus rien, on essaie de se relever.

CC : Il y a une chanson qui m’a interpellé, Simbi Dlo, avec une invitée, Tafa Mi Soleil, qui est-ce ? 

J. D : Tafa Mi Soleil est une jeune artiste émergente. J’étais en concert à Boston elle m’a tout de suite interpellé. On s’est écrit sur les réseaux sociaux, et elle m’a demandé de faire un duo avec elle, et comme j’aimais bien sa voix, on l’a fait sur mon projet qui est arrivé bien avant le sien, sur Simbi Dlo, qui parle de nos ancêtres caribéens.

CC : Ton concert à Paris a eu lieu le 12 janvier, que représente cette date ?

J.G : Le 12 janvier 2010, j’étais au Mali. Il y a eu un tremblement de terre en Haïti. Et quand j’y suis retourné, j’ai vu tous les dégâts, physique et moral. De nombreuses personnes nous ont quitté, c’est une date très symbolique.

Propos recueillis par Ewané Nja Kwa

Couleur Café : Pourquoi avoir rajouté « Exotisme Lyrique » au titre de ton album ? 

Marie Claude Bottius : Parce que, au départ, le projet de spectacle, n’était pas seulement un album, mais un récital. Et c’est également une conférence. Au début, je l’avais intitulé Exotisme Lyrique, parce lorsque je travaillais des morceaux, je voyais et j’entendais des musiques avec des rythmes afro-descendants, une couleur que mes partenaires blancs n’entendaient pas.

Il y a des morceaux dans l’art lyrique qui ont été écrits par des compositeurs blancs, hommes, mais qui, pour moi, sont directement influencés de ma culture caribéenne. Je suis martiniquaise. Ensuite, je suis allée plus loin. En 2018, j’ai été appelée pour passer des auditions pour le rôle principal d’un opéra écrit en 1842, avant l’abolition de l’esclavage en France. Cet opéra, qui a été oublié, s’appelle Le Code Noir, il dénonce l’esclavage et qui évoquent la femme noire, de l’esclave à la reine. Voilà pourquoi ce titre est en deux temps. 

Couleur Café : En parlant d’écriture et de rythme, l’introduction d’un tambour bèlè aurait-il été nécessaire ? 

Marie Claude Bottius : Dans mon album, j’ai voulu vraiment respecter l’écriture musicale. Je n’ai pas voulu rajouter de percussions, mais j’ai déjà fait des spectacles où on a rajouté des percussions. Par exemple, j’ai répondu à une commande de Lydie Bétis, directrice du SERMAC et du Festival de Fort-de-France, en Martinique, en 2017. On a fait une magnifique soirée de gala où justement on a fait jouer trois joueurs de bèlè avec un quatuor à cordes et un piano. Nous avons proposé tout un programme d’art lyrique. On a mélangé des musiques classiques caribéennes avec des grands airs de musique classique. Par exemple, des extraits de Carmen ou de Porgy and Bess. On l’a fait. Mais dans ce projet-là, j’ai préféré le violoncelle au tambour. Je voulais vraiment montrer que ces morceaux sont connus comme étant des morceaux classiques. Et je ne veux pas non plus faire des projets qui me ramènent seulement à ma culture caribéenne. 

CC : Comment es-tu tombée dans la musique lyrique ? 

MCB : Je suis née à Paris. J’ai eu la chance d’avoir des parents qui me permettaient de comprendre mon histoire et de m’emmener régulièrement en Martinique. Mes parents, qui sont catholiques, m’ont mis au catéchisme de façon très simple. Et c’est le prêtre qui a dit au chef de chœurs, prends-la, elle chante tout le temps. J’ai chanté en chœurs et j’avais des vibrations qui me procuraient  un bonheur inouï. 

J’ai chanté aussi bien aux Invalides qu’à Notre-Dame de Paris. Des expériences vraiment extraordinaires avec orchestre, des chœurs d’adultes. C’est une sensation et un bonheur que j’ai voulu continuer à vivre, en devenant adulte. 

CC : Pour revenir à l’album, ce récital est composé de pièces qui ont déjà été composées ? MCB : Oui, c’est vraiment de la musique classique qui a été écrite au XIXe siècle. Et ce n’est que de la musique française, l’album est en français.

Le XIXe siècle parce que c’est le siècle des abolitions de l’esclavage. Je trouvais intéressant de me dire comment cette musique était comprise et interprétée, intégrée au niveau culturel.

CC : Pouvez-vous me parler de Louis Clapisson ? 

MCB : Louis Clapisson était compositeur. Et en plus, c’était un collectionneur d’instruments extrêmement connu à son époque. Il était plus célèbre que Berlioz mais il est tombé dans l’oubli. Un orchestre a retrouvé la partition du Code Noir qu’il avait écrite et a décidé de monter cet opéra dont Eugène Scribe a écrit les textes. Ils sont partis d’un livre, « Les épaves », écrit par une femme, Fanny Reybaud, qui a dénoncé l’esclavage au XIXe siècle. On dit qu’un épave, c’est un esclave qui n’a pas de maître et qui n’est donc pas référencé, qui n’a pas d’attache et qui peut être considéré encore pire que tout. 

Je trouve qu’il est important de pouvoir dire qu’au XIXe siècle, il y avait des femmes qui écrivaient, et étaient publiées. Et ce qu’elle a écrit a été repris aussi bien par Louis Clapisson et Eugène Scribe que par des personnes du théâtre. Ce livre a aussi été adapté au théâtre.

De nombreux textes sont tombés dans l’oubli, or l’esclavage est la source de ces textes-là. 

CC : Et quel est le but du jeu, en fait ? 

MCB : Mon but est multiple. Le premier, est de dire que la musique classique n’est pas faite que pour les Blancs, parce que les Afro-descendants peuvent également trouver dans la musique classique des influences et des choses qui viennent du sud du monde. Lorsque j’ai commencé à étudier la musique classique et l’art lyrique, les Blancs disaient : « Ah, c’est rare d’avoir des gens d’ailleurs qui s’intéressent à la musique classique. » Le but, c’est aussi de répondre aux Noirs qui disent « Ah ouais, mais la musique classique, c’est une musique de Blancs. » Je trouve intéressant de voir que des hommes blancs ont écrit des œuvres pour parler de personnages féminins noirs comme premier rôle. C’est rare. Souvent, les héros sont des hommes. Ils ont écrit aussi pour des héroïnes femmes et des héroïnes femmes noires. Ils ne les ont pas du tout réduites à des femmes-objets. Contrairement à ce qu’on pourrait penser et aux idées reçues qu’on a aujourd’hui encore sur le stéréotype de la femme exotique allongée sur un canapé. Non, là, les femmes qui sont héroïnes dans les opéras que j’ai choisis, que j’ai montrées dans ce projet, ont un tas d’aventures, elles prennent des décisions, elles s’échappent, elles se vengent. C’est important de dire qu’au XIXe siècle, ça existait. 

Tout ça pour montrer qu’il n’y a pas d’un côté le blanc, de l’autre le noir, d’un côté l’Europe riche, de l’autre côté l’Afrique pauvre. Non, il y avait déjà des mélanges, il y avait déjà des influences. Et on peut être fier, en tant qu’afro-descendant, de dire qu’on a participé à la richesse culturelle.

Propos recueillis par Samuel Nja Kwa

Découvrez le clip officiel de La Prière de Zamba  : https://www.youtube.com/watch?v=DgKJecWikFU

L’album Esclave ou Reine Exotisme Lyrique est disponible sur toutes les plateformes, sur le site du label Maguelone et à la Fnac : https://www.maguelone.fr/fr/home/201-esclave-ou-reine-exotisme-lyrique-3770003584704.html