Couleur Café : Tu préfères quand on t’appelle Sylvie ou alors Sully ? 

Sully Quay : Quand on s’adresse à moi en tant qu’autrice, on peut m’appeler Sully. Ma mère m’appelle Sully, donc il n’y a aucun souci. Ça peut se dire dans plusieurs langues sans être trop écorché.

Couleur Café : Dans quel environnement as-tu grandi ? 

Sully Quay : Je suis née à Paris. J’y suis restée deux ans ensuite nous avons déménagé à Neuilly-sur-Marne jusqu’à mes 23 ans. Mes parents étaient fonctionnaires. Puis j’ai connu mon ex-mari, nous avons aménagé dans le 95. Et surtout, nous avons passé 10 années en famille à l’étranger.

Couleur Café : Tes origines sont togolaises  

Sully Quay : Oui, d’origine togolaise et béninoise.

C.C : Quel rapport entretiens-tu avec ces deux pays ? 

S.Q : C’était l’endroit où nous passions de temps en temps nos vacances. Les billets d’avion coûtaient cher. On était une famille de deux enfants, ça faisait quatre. On y allait à peu près tous les cinq ans. C’était l’occasion de voir les cousins, les tontons, les tatas. Grâce à mon ex-mari, qui est d’origine togolaise et très attaché aux traditions, j’ai quand même eu un autre regard, sur le Togo et le Bénin. J’ai eu plus d’affection pour les pays, pour la famille. Et en vieillissant, j’ai l’impression que ça m’intéresse de plus en plus. Tout ce qui s’y passe au niveau géopolitique, la conscience, par rapport à la société. Je trouve que c’est important de savoir d’où on vient pour savoir où on va.

C.C : À la lecture des deux livres, il est aussi beaucoup question de voyage, d’envie de partir. Est-ce que c’est ce qui t’inspire dans tes écrits ? 

S.Q : j’ai vécu dix ans à l’étranger. On a vécu en famille avec nos trois enfants parce que mon ex-mari était expatrié. Nous l’avons suivi. Et c’est vrai que faire ces voyages a été une grande source d’inspiration à travers mes œuvres et aussi une grande source de questionnements. « Nos vies ailleurs », au niveau chronologie, est mon premier roman. Au départ, je l’avais écrit en anglais. Je me suis inspirée de ce que j’ai vécu en expatriation. Surtout ce que j’ai vu par rapport à mes copines ou d’autres femmes qui n’étaient pas forcément mes amies, par rapport à nos statuts de femmes expatriées, comment elles le ressentaient et ce qu’elles n’osaient pas dire. 

Pour « Un prisonnier sans étoiles », l’idée m’est venue lorsque je vivais à Cracovie en Pologne, et lorsque j’ai visité le camp d’Auschwitz. Un jour, je me suis questionnée, sur la condition des Noirs dans les camps nazis. Je me suis demandée s’il y’en avait eu. Il faut savoir qu’à Auschwitz, il y a  un panneau avec plein de photos de personnes ayant été emprisonnées, mais on n’y voit pas de Noirs. En même temps, en Europe, il y avait des Noirs pendant la Première Guerre mondiale ainsi que la Seconde Guerre mondiale. Et connaissant les théories nazies, j’étais assez étonnée qu’ils n’aient pas été persécutés. Et j’en ai parlé à une amie qui m’a conseillé de lire « Noirs dans les camps nazis » du journaliste Serge Bilé.

Mon grand-père aussi, de 1936 à 1939, vivait à Paris. Parce qu’il voulait être commissaire de police. Et avant que la Seconde Guerre mondiale n’éclate, mon arrière-grand-mère lui avait dit de rentrer au Togo, au pays. Et c’est à partir de ce moment-là que je me suis dit que si mon grand-père n’était pas rentré, est-ce qu’il aurait été incarcéré ? Est-ce qu’il aurait été résistant ? Est-ce qu’il aurait été collabo ? Je ne sais pas, je me suis posée plein de questions. C’est ainsi que je me suis mise à écrire « Un prisonnier sans étoiles ».

C.C : Pour revenir à « Nos vies ailleurs », tu dévoiles la vie des femmes et des hommes. Est-ce que ça a été facile de récolter toutes ces expériences ? Fiction ou réalité ?

S.Q : J’ai fait une conférence où on me demandait quelle était la limite entre la fiction et la réalité. On est obligé, pour faire de la fiction, je pense, de s’inspirer de la réalité. Par exemple, Anastasia, que je dépeins, n’est pas une personne. Elle incarne différentes femmes. La même chose pour Shirley et Katalin, personnages du livre. Je ne voulais pas stigmatiser sur une personne en particulier. Je voulais également conserver l’anonymat de mes amies.

C.C : Ont- elles ont reçu le livre ? 

S.Q : La plupart de mes amis qui sont francophones ont reçu et ont lu le livre. Elles l’ont trouvé très bien. Elles ne se sont pas reconnues ou n’ont pas osé se reconnaître. Mais pour les personnages principaux, c’était vraiment de la fiction mélangée. 

C.C : Et il n’y a pas que des femmes, il y a aussi quelques hommes

S.Q : C’est vrai que dans chaque pays, j’ai rencontré un homme qui suivait sa femme. Ces hommes étaient très bien acceptés par la communauté féminine. Et en même temps, parfois, j’entendais des petits rires de la part de certains hommes qui travaillaient. Le fait que ces hommes suivent leurs femmes n’était pas très bien vu à l’époque.

C.C : Je fais la navette entre les deux livres. Dans « Un prisonnier sans étoiles », j’avais comme l’impression qu’il y a une espèce de désillusion d’un homme qui parle et qui a beaucoup d’espoir.

S.Q : Oui. Et qui finalement, est abattu par la dureté de la vie, tout ce qu’il rencontre durant son parcours. Et il a Sylvana, dont il espère quelque part qu’elle prolongera sa vie. Et c’est ce qu’elle fait en même temps, parce qu’elle ramène au pays le sable. Ce fameux sable qui rappelle son pays natal, en quoi il ne croyait plus d’ailleurs, parce qu’à un moment, il pense que ce sont des superstitions. 

C.C : Et finalement, est-ce que ce sont vraiment des superstitions ? 

S.Q : Cette histoire de sable, ne se faisait pas dans ma famille, mais ça se fait dans d’autres. Par exemple, dans la famille de mon ex-mari, il m’en avait parlé. Son père avait eu un cancer. Il était venu en France se faire opérer. Et apparemment, il avait pris du sable de chez lui avec la promesse de revenir au Togo. Et d’après ce que ma belle-famille m’avait dit, il est rentré et il est décédé. Il s’est fait opérer en France. Malheureusement, c’était sans issue. Donc, il est retourné au Togo souffrant et il est mort là-bas. Donc, je ne sais pas si ça marche ou pas. Au début, j’écrivais juste une histoire comme ça. Mais j’ai dû me documenter énormément. Je ne voulais pas non plus raconter n’importe quoi, donc, j’ai fait vraiment beaucoup de recherches. 

C.C : Pour finir, est-ce que tes livres sont distribués en Afrique ? 

S.Q : Je suis très contente, parce que j’ai réussi à récupérer tous mes droits. Et donc, maintenant, je suis édité aux éditions « Graines de pensée ». C’est une maison d’édition panafricaine, qui est au Togo. Mes livres devraient être disponibles là-bas incessamment, sous peu. En tout cas, pour le Salon du livre africain de Paris, j’y serai avec cette maison d’édition. 

Propos recueillis par Ewané N.K. 

Pour Rencontrer Sully Quay :

Stand Graines de Pensées

Les 21 et 22 mars 2026

Salon du livre Africain de Paris

Réfectoire des Cordeliers

15 rue de l’école de Médecine

75006 Paris Métro : Odéon

12 mars au Rocher Palmer à Bordeaux à l’occasion de la sortie de l’album « Alamar » (le 27 mars).

20 Mars à la Salle Gaveau à Paris.

ÉVÉNEMENTS ADRESSES SINGULIÈRES

29 Mars 2026 Rencontre avec Marie Claude Bottius aux Étangs de Corot 55 avenue de Versailles 92410 Ville d’Avray

Le programme :

• Échange sur les personnages féminins noires dans l’opéra français
• Suivie de la projection du clip vidéo La Prière de Zamba
• Dédicace de l’album « Esclave ou Reine Exotisme Lyrique » de Marie Claude Bottius

5 avril Rencontre concert et cocktail Le printemps des poètes avec Kemit aux Étangs de Corot 55 avenue de Versailles 92410 Ville d’Avray

AU STUDIO DE L’ERMITAGE 8 Rue de l’Ermitage 75020 Paris

3 avril Concert Lema y fête ses 80 ans

9 avril Concert de Sonny Troupé Quartet ADD4 à l’occasion de la sortie de l’album « Evy Dance »

Plus d’informations sur : https://www.studio-ermitage.com

CONCERTS JAZZ AU SUNSIDE 60 rue des Lombards, Paris 1^er 

6 mars Leila Olivesi

7 mars Andayoma

1^er avril Crystal Combo

4 avril Ramona Horvath

Toutes les informations sur https://www.sunset-sunside.com/

CONCERTS Jazz et Monde au NEW MORNING rue des Petites-écuries 75010 PARIS

Le New Morning fête ses 45 ans avec une série de concerts

4 & 5 mars Diannes Reeves

6 mars Raul Midon

12 mars Fred Wesley

18 mars Erik Pédurand

10 avril Elida Almeida

Plus d’informations sur : https://www.sunset-sunside.com

DUC DES LOMBARDS 42 rue des Lombards 75001 Paris

11 mars Zangbeto

14 & 15 mars Theo Croker

20 et 21 mars Rolando Luna

16 avril Emma Smith

23 et 24 avril Boby Watson

Plus d’informations sur : https://ducdeslombards.com/fr

ARTS VISUELS

Mickalene Thomas « All About Love » jusqu’au 25 avril 2026 au Grand Palais

Dana Lixenberg « American Images » jusqu’au 24 mai 2026

Samuel Nja Kwa au Musée des Civilisations noires à Dakar à partir du 25 mars 2026

Couleur Café : Que représente Paris pour toi ?

Magou Samb : La musique et les rencontres. À Paris, bien de choses magnifiques se sont passées. J’ai croisé Tonton Manu Dibango à Radio Africa. Je ne savais pas qu’il connaissait mon père, lorsqu’ils étaient étudiants et musiciens. Ils sont devenus potes. Il était aussi ami avec un de mes oncles, il venait à Ngor quand nous étions enfants. Il m’avait invité pour ses 50 ans de carrière, c’est là que j’ai aussi rencontré Robert Brazza.

Couleur Café : Nous sommes en 2026, qu’est-ce que tu nous prépares ?

Magou Samb : Plein de projets, notamment DakarTrans, qui est une formation inédite composée de potes du Sénégal, beaucoup plus expérimenté que moi. Il y a Alphonse qui est un excellent guitariste et pianiste, le plus âgé du groupe, Mamane qui accompagne le Positif Black Soul, Pape Diouf et d’autres artistes, il y a aussi Ignace Fofana qui est un incroyable bassiste, puis il y a  Idi Gallo. Depuis deux ou trois ans, nous avons monté cette formule, et on joue du Mbalax.

Il y a aussi ce projet, Camelot Nomade, avec ma femme, qui est plus acoustique. Et enfin cet autre projet qui s’appelle Immigrant Music, que j’ai fait avec un musicien américain qui s’appelle Thomas Bailey. Ben qui joue de la basse organise des jams, tous les mois à la Gallia, à Pantin, une brasserie qui fait des scènes, des concerts. C’est de la musique traditionnelle américaine, j’apporte la touche de l’Afrique de l’Ouest et plein de choses.

Couleur Café : Comment as-tu rencontré Thomas Bailey ?

Magou Samb : Dans un studio, Il est venu me voir et  m’a dit : « toi, je t’ai vu jouer de la guitare. » Il voulait que je joue dans son album, je ne pensais pas pouvoir l’accompagner car  pour moi c’est de la musique de cowboys. J’ai écouté sa musique, on a fait des essais, je n’étais pas sûr d’être à ma place, mais lui, en était convaincu, il n’a pas lâché l’affaire. Plus tard, j’ai découvert que ce sont des Afro- Américains qui ont inventé cette musique. J’ai trouvé cela incroyable. Il y a une ADN. Et Thomas l’a bien compris. Il est très militant, j’aime bien ce côté-là. Il joue du violon, de la guitare. On sort l’album le 12 janvier, c’est un super projet, complètement acoustique.

CC : Et tu as aussi un autre projet au Sénégal ?

MS : Oui, je veux y retourner pour organiser un festival à Ngor, monter un projet sur la nature, l’environnement, planter des arbres à Dakar. Il y a trop de béton à Dakar, les Sénégalais ne se rendent pas compte. Il y a des endroits, qui sont comme des sanctuaires, où on ne devait pas construire. On est en train de récupérer les plages qui étaient privatisées. Ce projet débutera probablement en 2026. C’est ce que j’ai envie de faire, Inviter des musiciens locaux et de la sous-région. On n’a pas besoin de gros sponsors, on gère.  

CC : Et ton cousin l’illustre chanteur guitariste Diogal, comment va-t-il ?

MS : On a grandi ensemble, au Sénégal. Il est dans son coin, à Champigny. Il m’a beaucoup poussé, il m’a beaucoup aidé.

Couleur Café : Vous avez vécu trois ans au Mali, qu’est-ce que l’Afrique représente pour vous ? 

James Germain : L’Afrique représente pour moi ce symbole d’être fier d’être Haïtien et Afro-Caribéen. Avant de m’y rendre, je sentais qu’il y avait quelque chose qui me manquait. Je suis né en Haïti. Évidemment, je savais qu’il y avait des gens qui nous ressemblaient. Lorsque je commence à comprendre que c’était justement nos ancêtres, j’en étais fier. L’Afrique, c’est énorme. Ça veut tout dire. 

Couleur Café : Et que se passe-t-il justement lorsque l’Afrique retrouve son enfant devenu Haïtien ? 

James Germain : Les Africains étaient très impressionnés. Et quand j’ai annoncé que j’étais chanteur, on m’a demandé de chanter, on va voir. J’ai eu du mal à ouvrir la bouche parce qu’en fait, je chante en Créole, très peu en français. Du coup, je ne savais pas dans quelle langue chanter, et j’ai commencé à improviser. Et puis là, les gens m’ont dit, mais tu viens de chez nous, tu es un griot. Je me rendais souvent chez le musicien Toumani Diabaté, qui nous a quitté malheureusement. Il avait une soirée tous les vendredis. À chaque fois que j’arrivais là-bas, on me demandait de chanter. C’est une fierté ! Lorsque les griots sont là, donner le micro à une personne qui n’est pas de la culture griot, pour moi, c’était un honneur. J’en étais fier. Je me suis senti chez moi. C’est vrai qu’il y avait la langue, le Bambara, je ne comprenais rien, mais avec le temps, j’ai appris des mots qui m’ont servi. Les gens parlaient, je rigolais, Comme si j’avais compris. Il arrive qu’on comprenne, mais qu’on ne puisse pas traduire. Quand je pense aux odeurs, à la musique, l’atmosphère, tout ça me renvoie justement à mes trois ans passés dans ce pays, le Mali, ainsi qu’à d’autres endroits que j’ai visités sur ce continent. Ça m’a servi quand je suis retourné en Haïti. J’ai ramené un CD de musique mandingue, qui pour moi représentait un carnet de voyage.

Couleur Café : Ton nouvel album se nomme Xù d’Àssa qui signifie ?

James Germain : La traversée de nos ancêtres vers l’Occident. 

CC : C’est un album hommage aux racines qui raconte l’histoire…

J.G : Celle de mon enfance aussi. Mon enfance, l’héritage que ma famille m’a donné par le biais de ma mère. Et d’ailleurs, dans l’album, on retrouve la voix de ma maman. C’était important, elle m’a transmis ce goût de chanter. Depuis mon enfance, ma mère m’a souvent raconté des histoires où il y avait une partie chantée. J’attendais toujours cette partie-là. J’ai inclus la voix de ma mère dans mon album, comme lorsqu’elle me chantait une berceuse quand j’étais enfant.

CC : J’ai aussi retenu que ton album parle du passé et de l’avenir. 

J. G. : C’est ça. Dans les thèmes que j’aborde, je parle du passé.

CC : Mais l’avenir, c’est quoi ? 

J.G. : C’est justement la modernité, les sons, puis les arrangements proposés par le directeur musical. Ce travail n’aurait pas eu de sens si seulement j’étais resté dans le passé.

CC : Comment as-tu trouvé l’équilibre entre les traditions, la modernité et même les sons un peu futuristes ? 

J.G : C’est un son de demain, entre guillemets. L’arrangeur, le guitariste Ralph Lavital a fait un travail extraordinaire. Il a été à mon écoute, et puis il a amené des propositions extraordinaires, dont j’avais besoin. On connaît James, son premier album, le deuxième, le troisième, et j’avais besoin d’apporter quelque chose de différent. Ralph a amené un son électro dans certains morceaux. C’était ce que j’attendais de lui.

CC : Qui est Sainte-Hélène ? 

JG : Je pense que c’était une Amazone, qui a combattu l’esclavage. Je tenais absolument à lui rendre hommage, je la considère comme une reine. Les femmes ont joué un rôle assez important dans le combat contre les colons. Il était important pour moi que ce soit ce titre qui ouvre l’album. 

CC : Dans ton dossier de presse tu dis « Je ne suis qu’un passeur, un passeur de mémoire, un gardien momentané d’un trésor qui me dépasse. » C’est la définition même du Griot, en fait.

J.G : Absolument. Et pour moi, c’est important parce qu’il y a une génération qui est en train de découvrir, et qui a besoin de savoir, de connaître ses origines, connaître l’histoire. Et pour moi, c’est un devoir d’être dans ce rôle-là. Notre histoire est tellement riche. Il est important de porter ce que nos ancêtres nous ont légué aussi bien dans la diaspora que dans le continent africain. Nos traditions anciennes sont intactes dans cette région d’Haïti. Et dans le travail que je fais, j’ai amené l’âme de cette tradition avec moi dans ce projet. 

CC : Depuis la naissance de ce pays, Haïti, tellement d’événements se sont passés, comment ce pays tient-il encore debout ? 

J. G : Eh bien, je peux dire que c’est la résilience. Lorsqu’on est là-bas, et qu’on entend ce qui se raconte dans les journaux, les réseaux sociaux, tout ce qu’il s’y passe, qu’on vit directement, on ne peut qu’être résilient. Les gens continuent à vivre, les enfants continuent à aller à l’école dans les endroits où c’est encore possible, bien qu’il y ait des coins vraiment inaccessibles, la population a envie d’aller vaquer à ses occupations, parce qu’il faut vivre. On fait avec parce qu’on n’a pas de choix. On doit aller travailler, on doit aller à l’école, même quand c’est difficile pour certains, qu’on n’a plus rien, on essaie de se relever.

CC : Il y a une chanson qui m’a interpellé, Simbi Dlo, avec une invitée, Tafa Mi Soleil, qui est-ce ? 

J. D : Tafa Mi Soleil est une jeune artiste émergente. J’étais en concert à Boston elle m’a tout de suite interpellé. On s’est écrit sur les réseaux sociaux, et elle m’a demandé de faire un duo avec elle, et comme j’aimais bien sa voix, on l’a fait sur mon projet qui est arrivé bien avant le sien, sur Simbi Dlo, qui parle de nos ancêtres caribéens.

CC : Ton concert à Paris a eu lieu le 12 janvier, que représente cette date ?

J.G : Le 12 janvier 2010, j’étais au Mali. Il y a eu un tremblement de terre en Haïti. Et quand j’y suis retourné, j’ai vu tous les dégâts, physique et moral. De nombreuses personnes nous ont quitté, c’est une date très symbolique.

Propos recueillis par Ewané Nja Kwa

Couleur Café : Pourquoi avoir rajouté « Exotisme Lyrique » au titre de ton album ? 

Marie Claude Bottius : Parce que, au départ, le projet de spectacle, n’était pas seulement un album, mais un récital. Et c’est également une conférence. Au début, je l’avais intitulé Exotisme Lyrique, parce lorsque je travaillais des morceaux, je voyais et j’entendais des musiques avec des rythmes afro-descendants, une couleur que mes partenaires blancs n’entendaient pas.

Il y a des morceaux dans l’art lyrique qui ont été écrits par des compositeurs blancs, hommes, mais qui, pour moi, sont directement influencés de ma culture caribéenne. Je suis martiniquaise. Ensuite, je suis allée plus loin. En 2018, j’ai été appelée pour passer des auditions pour le rôle principal d’un opéra écrit en 1842, avant l’abolition de l’esclavage en France. Cet opéra, qui a été oublié, s’appelle Le Code Noir, il dénonce l’esclavage et qui évoquent la femme noire, de l’esclave à la reine. Voilà pourquoi ce titre est en deux temps. 

Couleur Café : En parlant d’écriture et de rythme, l’introduction d’un tambour bèlè aurait-il été nécessaire ? 

Marie Claude Bottius : Dans mon album, j’ai voulu vraiment respecter l’écriture musicale. Je n’ai pas voulu rajouter de percussions, mais j’ai déjà fait des spectacles où on a rajouté des percussions. Par exemple, j’ai répondu à une commande de Lydie Bétis, directrice du SERMAC et du Festival de Fort-de-France, en Martinique, en 2017. On a fait une magnifique soirée de gala où justement on a fait jouer trois joueurs de bèlè avec un quatuor à cordes et un piano. Nous avons proposé tout un programme d’art lyrique. On a mélangé des musiques classiques caribéennes avec des grands airs de musique classique. Par exemple, des extraits de Carmen ou de Porgy and Bess. On l’a fait. Mais dans ce projet-là, j’ai préféré le violoncelle au tambour. Je voulais vraiment montrer que ces morceaux sont connus comme étant des morceaux classiques. Et je ne veux pas non plus faire des projets qui me ramènent seulement à ma culture caribéenne. 

CC : Comment es-tu tombée dans la musique lyrique ? 

MCB : Je suis née à Paris. J’ai eu la chance d’avoir des parents qui me permettaient de comprendre mon histoire et de m’emmener régulièrement en Martinique. Mes parents, qui sont catholiques, m’ont mis au catéchisme de façon très simple. Et c’est le prêtre qui a dit au chef de chœurs, prends-la, elle chante tout le temps. J’ai chanté en chœurs et j’avais des vibrations qui me procuraient  un bonheur inouï. 

J’ai chanté aussi bien aux Invalides qu’à Notre-Dame de Paris. Des expériences vraiment extraordinaires avec orchestre, des chœurs d’adultes. C’est une sensation et un bonheur que j’ai voulu continuer à vivre, en devenant adulte. 

CC : Pour revenir à l’album, ce récital est composé de pièces qui ont déjà été composées ? MCB : Oui, c’est vraiment de la musique classique qui a été écrite au XIXe siècle. Et ce n’est que de la musique française, l’album est en français.

Le XIXe siècle parce que c’est le siècle des abolitions de l’esclavage. Je trouvais intéressant de me dire comment cette musique était comprise et interprétée, intégrée au niveau culturel.

CC : Pouvez-vous me parler de Louis Clapisson ? 

MCB : Louis Clapisson était compositeur. Et en plus, c’était un collectionneur d’instruments extrêmement connu à son époque. Il était plus célèbre que Berlioz mais il est tombé dans l’oubli. Un orchestre a retrouvé la partition du Code Noir qu’il avait écrite et a décidé de monter cet opéra dont Eugène Scribe a écrit les textes. Ils sont partis d’un livre, « Les épaves », écrit par une femme, Fanny Reybaud, qui a dénoncé l’esclavage au XIXe siècle. On dit qu’un épave, c’est un esclave qui n’a pas de maître et qui n’est donc pas référencé, qui n’a pas d’attache et qui peut être considéré encore pire que tout. 

Je trouve qu’il est important de pouvoir dire qu’au XIXe siècle, il y avait des femmes qui écrivaient, et étaient publiées. Et ce qu’elle a écrit a été repris aussi bien par Louis Clapisson et Eugène Scribe que par des personnes du théâtre. Ce livre a aussi été adapté au théâtre.

De nombreux textes sont tombés dans l’oubli, or l’esclavage est la source de ces textes-là. 

CC : Et quel est le but du jeu, en fait ? 

MCB : Mon but est multiple. Le premier, est de dire que la musique classique n’est pas faite que pour les Blancs, parce que les Afro-descendants peuvent également trouver dans la musique classique des influences et des choses qui viennent du sud du monde. Lorsque j’ai commencé à étudier la musique classique et l’art lyrique, les Blancs disaient : « Ah, c’est rare d’avoir des gens d’ailleurs qui s’intéressent à la musique classique. » Le but, c’est aussi de répondre aux Noirs qui disent « Ah ouais, mais la musique classique, c’est une musique de Blancs. » Je trouve intéressant de voir que des hommes blancs ont écrit des œuvres pour parler de personnages féminins noirs comme premier rôle. C’est rare. Souvent, les héros sont des hommes. Ils ont écrit aussi pour des héroïnes femmes et des héroïnes femmes noires. Ils ne les ont pas du tout réduites à des femmes-objets. Contrairement à ce qu’on pourrait penser et aux idées reçues qu’on a aujourd’hui encore sur le stéréotype de la femme exotique allongée sur un canapé. Non, là, les femmes qui sont héroïnes dans les opéras que j’ai choisis, que j’ai montrées dans ce projet, ont un tas d’aventures, elles prennent des décisions, elles s’échappent, elles se vengent. C’est important de dire qu’au XIXe siècle, ça existait. 

Tout ça pour montrer qu’il n’y a pas d’un côté le blanc, de l’autre le noir, d’un côté l’Europe riche, de l’autre côté l’Afrique pauvre. Non, il y avait déjà des mélanges, il y avait déjà des influences. Et on peut être fier, en tant qu’afro-descendant, de dire qu’on a participé à la richesse culturelle.

Propos recueillis par Samuel Nja Kwa

Découvrez le clip officiel de La Prière de Zamba  : https://www.youtube.com/watch?v=DgKJecWikFU

L’album Esclave ou Reine Exotisme Lyrique est disponible sur toutes les plateformes, sur le site du label Maguelone et à la Fnac : https://www.maguelone.fr/fr/home/201-esclave-ou-reine-exotisme-lyrique-3770003584704.html

Ton papa était guitariste, Peux-tu nous rappeler tes débuts dans la musique ?

Je ne m’en rappelle pas trop bien, je ne sais plus à quel âge j’ai commencé à chanter. Je me souviens que je chantais pendant que mon père jouait de la guitare devant notre maison à Bonabéri, non loin de Douala.

En tant que femme, est-ce facile de vivre de la musique en Afrique ? 

Être artiste musicien n’est pas facile en Afrique, et femme artiste encore moins. Au Cameroun l’art peine à exister et à être reconnu comme profession mais on se bat. Je suis une femme artiste entrepreneure, j’apporte plus de lumière à l’industrie culturelle, principalement au KAMERJAZZ qui est mon genre musical.

Au bout de 20 ans de carrière, tu as dû faire beaucoup de sacrifices, qu’est ce qui te motive aujourd’hui ?

C’est justement l’envie de trouver des solutions pour la jeunesse et pour la profession. Participer au rayonnement de la musique camerounaise à l’international. 

Tu es Déléguée Générale du Fejamac, ambassadrice de Espoir Santé Afrique ainsi que de du projet Juste une Étincelle organisé par l’Association Promotion et Assistance de la Femme Africaine, où trouves-tu le temps et qu’est-ce que ça implique ?

Je suis également la présidente de l’association PRODE qui chapeaute plusieurs projets dont le FEJAMAC effectivement. Le temps est une denrée rare dans ma vie, je navigue entre la famille et le travail, j’ai à peine le temps de me reposer décemment. C’est ainsi que ma vie a du sens. La vision, les projets et les objectifs sont au-dessus de tout.

Tu as été choriste de Manu Dibango, Ben Decca, Étienne Mbappé, Charlotte Dipanda, tu as accompagné d’autres artistes camerounais, qu’est-ce que ces expériences t’ont apportées ?

Le professionnalisme L’ouverture d’esprit L’expérience La maturité 

Raconte-nous ton voyage musical en Chine, comment ta musique a-t-elle été accueillie ?

Grâce à l’entregent de Didier Toko promoteur culturel camerounais, j’ai été sollicitée en 2024 par Haiying Song, Productrice chinoise vivant au Canada pour un contrat de 3 mois en Chine avec mon équipe. Ce fut une expérience enrichissante et inoubliable, la rencontre des peuples et des cultures, le partage des connaissances. Notre répertoire Kamerjazz a été super bien accueilli et a attiré beaucoup de curiosité.

Tu reviens au-devant de la scène avec un nouvel album, Mukati, qui signifie ? Et de quoi parle cet album ?

Mukati signifie Pont en langue Duala. C’est un album aux sonorités traditionnelles et jazz dans une ambiance acoustique. C’est un retour à l’essentiel, aux origines tout en ouvrant sur le monde avec la présence de la langue anglaise sur certaines chansons. Mukati est définitivement une passerelle entre les mondes.

Tu t’exprimes dans plusieurs langues camerounaises, ainsi qu’en français et en anglais, tout semble facile pour toi, en tant que coach vocale, est-ce facile de chanter ou de passer d’une langue à une autre ?

Absolument pas. C’est un travail énorme sur la connaissance des différentes langues, la prononciation, la rime et le rythme, et surtout le sens des mots et expressions.

On ressent dans cet album une atmosphère particulière, qu’est-ce qui le caractérise ?

J’ai associé le mvet (guitare traditionnelle camerounaise) et le balafon au piano sur des accords jazzy. J’ai aussi chanté en étant accompagnée d’une guitare acoustique. Le tout pour un résultat épuré mais intense et typé. J’ai co-arrangé l’album avec Samy Mahop, Étienne Mbappé qui a ré-arrangé le titre Mbu’Époupa de François Misse Ngoh, il a également mis une guitare acoustique sur titre O Hou Ka Djié. Au balafon, j’étais accompagnée par la jeune Amady sur le titre Will You Be The One, et au mvet par François Alima sur les titres Mukati et Be Grateful. Patrick Tawambe a apporté son jeu groovy à la Bass sur les titres Mbango, Wa nde we, Be Grateful et Will you be the one.

Propos recueillis par Ewané

Couleur Café : Ok, Kossi Kossi, ça veut dire quoi ?

Kossi Mawun : Kossi, c’est tout simplement le prénom que l’on donne à un enfant qui nait un dimanche, c’est mon cas.

CC : Et tu as appelé cet album Culte, pourquoi ?

KM : Il s’agit d’un mélange de chants traditionnels du Togo. Ces chants sont joués dans des couvents, lors des harmonies vodun. Il existe des chants traditionnels, avec des rimes traditionnelles, des harmonies pentatoniques. Il y a tout un mélange de percussions et de batterie.

CC : C’est ton deuxième album ? qu’est-ce qui t’a poussé à mélanger les rythmes à la fois traditionnels et moderne jazz ?

TKM : oui c’est mon deuxième album. Il est vrai que je joue du bebop, mais je ne pourrais jamais jouer comme un Américain. J’y ai mis mon identité, mes traditions. C’est ce qui fait la spécificité de n’importe quel artiste. Lorsque tu vas au Maroc par exemple, ils rajoutent leur propre identité dans le jazz. C’est ce qui fait que je m’identifie par rapport aux rythmes de chez moi, que je mélange avec un jazz contemporain.

CC : Y-a-t-il des artistes ou des musiques qui t’inspirent ?

KM : J’ai écouté beaucoup d’albums de jazz. Comme Pat Metheny, le batteur, Makaya McCraven, Elvin Jones, Dave Holland. Leur musique m’inspire. En ce qui concerne mes compositions, j’écoute les chants traditionnels, que je transforme et que je retranscris en jazz. Parfois, je suis inspiré par la mélodie, les chants. La nuit, il m’arrive de me réveiller et de chanter une mélodie sur mon portable, que j’associe à un rythme. Ensuite, j’appelle à mon pianiste, je lui dicte les mélodies, puis nous trouvons les accords et les harmonies qui nous servent de base pour une chanson.

CC : Combien de temps pour réaliser cet album ?

KM : Je travaille sur ce projet depuis 2023. Il faut des moyens, je suis auto producteur il fallait être patient. Chaque fois que je gagnais un peu de sous, je l’investissais sur mon disque.

CC : Qui est la chanteuse avec qui tu joues ?

KM : C’est la femme d’un ami. J’étais chez lui lors d’un rituel. Sa femme a commencé à chanter, Ça m’a plu, alors je l’ai enregistrée en studio. Elle a chanté tout ce qu’elle savait. Ce sont des chants traditionnels vodun, c’était naturel pour elle. Puis nous  avons trouvé les accords, le rythme, la ligne de basse. Je travaille de façon instinctive mais je sais ce que je veux.

CC : Tu es venu en France pour une date au Rocher de Palmer le 20 novembre dernier…

KM : Oui je suis passé en première partie du batteur américain Makaya McCraven. J’étais accompagné du bassiste David Kokodoko et du pianiste Joackim Amouzou.

CC : Est-ce que tu prévois de faire des concerts en Europe ?

KM : Pour l’instant, je serai à Jazzhead à Brême (Allemagne) en 2026 et j’espère avoir d’autres dates.

Album Culte, 2025

Une musique inspirée des cultes vodun, cet opus est une pépite que je vous invite à découvrir.

Ewané Nja Kwa

Couleur Café : Que représente Manu Dibango pour vous ?

Mariana Ramos : C’est un homme que j’ai apprécié parce que lorsque j’étais petite, je le voyais à la télévision, je le regardais, je l’entendais jouer avec sa voix, c’était notre Barry White, je l’adorais. Et puis plus tard, quand je deviens chanteuse, je le rencontre, il m’invite à jouer lors de son concert. J’étais tellement fière.

Couleur Café : Lui aussi, il avait fait le safari symphonique…

Mariana Ramos :  Il y a beaucoup de choses qui nous lient. On avait évoqué l’éventualité de le faire ensemble, faire en sorte que lui puisse jouer quelques-uns de ses titres et moi sur scène, mon répertoire, ça aurait été génial. Malheureusement, il est parti avant. Ça aurait été formidable de pouvoir faire quelque chose de symphonique à deux.

CC : Donc vous avez enregistré votre répertoire avec l’orchestre National des pays de la Loire. 

MR : Oui, j’ai eu l’occasion, le plaisir de chanter ce répertoire et d’être accompagné par cet orchestre sur trois événements : deux à Nantes et un à Angers. On en a profité pour enregistrer ces trois concerts et comme le résultat n’était pas mal on a décidé ensemble d’en faire un CD. C’était en 2018. On a mis quelques années à le réaliser parce que j’ai eu d’autres projets, et puis il y a eu le Covid.  Aujourd’hui, en 2025, je me suis dit dit qu’il fallait que ça sorte avant décembre, parce que c’est les 50 ans d’indépendance de quelques pays d’Afrique, dont le Cap-Vert.

CC : Comment avez-vous choisi les titres ?

J’en ai choisi une quinzaine, on a dû en enregistrer une douzaine. Ce sont des titres écrits par des auteurs cap-verdiens. Lorsque j’ai rencontré Marc-Olivier Dupin, qui est l’arrangeur, il m’a proposé de faire ce projet avec moi, de faire les arrangements d’une quinzaine de titres. Il fallait trier, choisir. Ensuite, nous avons travaillé ensemble sur chaque titre pour trouver l’esprit, les arrangements. Il fallait lui parler des rythmes différents du Cap-Vert. 

CC : Quel a été véritablement le rôle de Marc-Olivier Dupin ?

MR : Sur ce projet, Marc-Olivier Dupin a fait les arrangements, il est aussi le Chef d’orchestre et l’éditeur. Il a dirigé les trois concerts qu’on a fait avec l’ONPL. 

CC : Comment s’est fait la rencontre avec l’Orchestre National des Pays de la Loire ?

Tout simplement. Le premier concert qu’on a fait avec Olivier Dupin était avec l’Orchestre d’Avignon du Théâtre d’Avignon, c’était la première représentation. C’était quelques années bien avant. Nous avons fait une seule représentation avec cet orchestre, en 2013. À l’époque, Philippe Grison était directeur du Théâtre d’Avignon. Il m’a proposé de faire ce concert avec Marc-Olivier Dupin et l’Orchestre d’Avignon. Ensuite il  m’a confié qu’il voulait faire ce projet avec Césaria Evora et que celle-ci lui avait répondu qu’elle était bien trop fatiguée et trop vieille, qu’il fallait voir ça avec Mariana Ramos. C’est ainsi qu’il a contacté Olivier Dupin, qui a bien voulu faire les arrangements. C’est comme ça qu’est né le projet.

CC : Et quelles sensations avez-vous eu en jouant avec un orchestre symphonique ? 

MR : J’avais l’habitude d’aller écouter des orchestres symphoniques. Je n’avais jamais pensé chanter ma musique avec un orchestre symphonique. J’ai toujours pensé que ma musique  n’avait rien à voir avec la musique classique. Eh bien, j’avais tort. Si je n’étais pas tombée sur Marc-Olivier Dupin, qui m’a fait de jolis arrangements, je ne serais peut-être pas aussi satisfaite de ce projet. C’est vraiment un plaisir de découvrir ma musique avec d’autres instruments, ma voix qui reste la même. J’ai interprété les chansons comme je les aurais interprétées dans la musique traditionnelle. Je trouve que tous les instruments ont donné encore plus d’intensité à ma voix, à mon timbre de voix. 

Quel répertoire pour célébrer 50 d’indépendance ?

J’ai repris différents rythmes du Cap-Vert pour dire au public : «  voilà, l’esprit et l’âme du Cap Vert est dans cet album. » N’importe qui peut se reconnaître à travers cette musique, parce que tout le monde sait que la musique capverdienne, au départ, c’est une musique un peu mélancolique, un peu comme le fado. Il y a quelque chose de puissant, de profondément ancré dans l’âme. 

Pour les 50 ans du Cap Vert, c’est un cadeau. Il faut savoir que ces 50 années d’indépendance, ont aussi un sens pour moi, parce que mon frère et mon oncle ont participé à la lutte pour l’indépendance du Cap-Vert. Cette histoire est aussi en rapport avec ma famille.

Propos recueillis par Samuel Nja Kwa
Nouvel album : Mariana Ramos, Sinfonico, Casa Verde Productions 2025

Commissaire d’exposition indépendante et galeriste, Carole Onambélé Kvasnevski est née à Yaoundé au Cameroun et vit à Paris où elle a ouvert sa première galerie en 2010. Elle y expose des artistes originaires d’Afrique et de sa diaspora. Visible dans les grands événements d’art dans le monde, c’est à Paris Photo que nous l’avons rencontrée. 

Couleur Café : Comment est née l’idée de la galerie ?

Carole Kvasnevski : La galerie est arrivée parce que j’avais un lieu en tant qu’artiste. Et ce lieu est devenu un lieu d’exposition pour des amis artistes. Et de fil en aiguille, on a pris goût à exposer les autres. On a vu que ça fonctionnait pas mal, qu’il y avait des amateurs d’art qui s’intéressaient à ces artistes qui étaient des amis. Donc on s’est dit qu’il y avait quelque chose à faire pour développer des expositions. 

CC : Et en quelle année as-tu vraiment commencé ?

CK : C’était dans les années 2003. C’était à Bois-Colombe. C’était une galerie associative que j’avais créée avec une amie. Nous étions deux à exploiter ce lieu situé vers la gare de Bois-Colombe.

CC : Ensuite tu as changé de statut ? 

CK : Oui, j’ai changé de statut parce que moi j’habite à Paris depuis plus de 30 ans. Et donc j’allais dans l’autre sens. J’étais à contre-courant par rapport au flux du matin, les gens qui venaient travailler à Paris. Moi j’allais en banlieue, même si c’était une banlieue proche à 5 minutes de Paris. Et au bout d’un moment j’ai trouvé que ça aurait été quand même bien que je m’installe là où je vis à Paris. C’est là où les choses se passaient, donc j’ai ouvert un deuxième lieu après 6 ans à Bois-Colombe. 

CC : Aujourd’hui donc t’es entre Paris et New York, qu’est-ce qui t’a poussée à faire ce choix ? 

CK : C’est un choix qui s’est imposé, ça m’a semblé évident. Depuis 2016 nous participons à des foires, des salons un peu partout dans le monde. Et une de ces destinations c’est les États-Unis. Puisque c’est là où on trouve beaucoup de collectionneurs. New York étant la première ville d’art au monde, là où on trouve le plus de collectionneurs. Donc nos clients étaient un peu partout aux États-Unis et surtout à New York. Ça nous a semblé évident qu’il fallait aller au plus proche de nos clients et de nos collectionneurs. 

CC : Il y a pas mal de photos est-ce un choix ?

CK : Il y a beaucoup de photos parce que tout simplement nous sommes dans une foire dédiée à la photo, Paris Photo, où on ne présente que de la photo, sous toutes ses formes. La galerie Carole Kvasnevski est une galerie généraliste. Nous avons des artistes peintres, plasticiens en tous genres, sculpteurs et des photographes. 

CC : Il y a tout de même beaucoup de travaux de femmes.

CK : Parce que je me suis rendue compte, lorsque j’ai ouvert ma galerie, que j’avais beaucoup d’artistes hommes voire uniquement des artistes hommes. Et à un moment donné il y avait cette invisibilité des femmes qui m’a paru criante et je me suis dit qu’il fallait aussi intégrer des artistes femmes et arriver à une parité. Et c’est vrai que, me penchant plus vers le travail des femmes, petit à petit je me suis retrouvée avec pas mal d’artistes femmes. Étant une femme aussi, je me sens concernée. 

CC : La galerie présente dans les salons en Afrique ? 

CK : Oui nous faisons quelques salons en Afrique là où ça se passe c’est-à-dire Marrakech avec 1-54, Cape Town, je suis aussi allée à Lagos. Oui il y a encore plus à faire, j’ai participé à d’autres événements à Dakar, pendant la biennale Dak’Art. 

CC : Une question un peu plus générale, quel est ton regard sur l’art aujourd’hui en Afrique ? 

C K : Je suis née au Cameroun où j’ai grandi jusqu’à l’âge de 10 ans. Lorsque je suis arrivée en France, j’ai un petit peu oublié tout ça pendant un petit moment. Je me souviendrai toujours de la phrase de mon père qui disait : «  Je vous ai emmené en France, à vous de vous retourner vers l’Afrique et de savoir y retourner. » Et un jour je me suis réveillée, cette phrase m’a interpellée et je me suis dit qu’il était temps que j’aille à nouveau découvrir ce qui se passe au Cameroun pour commencer puisque c’est mon pays. J’ai commencé à aller voir des scènes là-bas vers les années 2014 2015, j’y ai pris goût, puis je suis allée voir ce qu’il se passe dans d’autres pays, au Sénégal, en Côte d’Ivoire, et j’ai vraiment découvert une scène foisonnante qui évolue au fil des années, qui est complètement connectée au monde. Nous avons une richesse incroyable avec des artistes incroyables.

Plus d’informations sur : https://www.galeriecarolekvasnevski.com/

Né dans le Nord de l’Angola, à Maquela do Zombo, le chanteur virtuose de la sanza Lulendo revient au-devant de la scène du festival Africolor, accompagné de ses compagnons de musique, le guitariste chanteur Lameck et le danseur Benjamin Kimpari. Ils unissent leurs voix, guitare, sanza, danse, et racontent leur Angola. Rencontre.

Couleur Café : Ce projet Nossa Angola regroupe le guitariste Lameck, le danseur Benjamin Kimpari et toi, Lulendo, comment vous êtes-vous rencontrés ?

Lulendo : J’ai rencontré Lameck à Paris pendant une réunion des associations angolaises. Peu de temps après nous avons travaillé ensemble sur mon projet Trio de l’époque ; je cherchais un guitariste pour m’accompagner en tournée. Après chacun a évolué dans son coin et a écrit son histoire. Le danseur Benjamin nous a été présenté par un autre artiste multidisciplinaire Kabwenha afin qu’il fasse partie de cette création, Nossa Angola.

CC : Qui signifie ?

L : Notre Angola. Il s’agit d’une création performante pour le cinquantième anniversaire de l’indépendance de L’Angola (Ndlr : 1975, indépendance de l’Angola). 

CC : Que représente l’Angola pour toi ?

L : Pour moi, l’Angola représente une identité, un point de repère, une boussole qui me guide à travers le monde. 

CC : Et l’indépendance ?

L : La période de l’indépendance est une renaissance, l’espoir d’une vie meilleure, être responsable de notre destinée même si aujourd’hui je vois les choses autrement. 

CC : Comment est née l’idée de ce projet ?

L : Le projet est né d’une rencontre avec le Festival Africolor, qui a eu l’idée de célébrer les indépendances des pays lusophones. Et l’Angola ne pouvait pas être absente de ce projet. L’équipe du festival a rencontré Lameck qui m’en a fait part, c’est comme ça que l’aventure a commencé. Et nous sommes ravis de représenter l’Angola dans ce cadre. 

CC : Comment se décline le projet ? Est-ce un récital ?

L : Oui une sorte de récital musical à travers nos chansons respectives qui parlent de l’Angola. La danse fait le lien entre toutes les cultures de notre terre et la poésie d’Agostinho Neto, le premier Président (Ndlr : Homme d’État angolais, premier président de la république populaire d’Angola et président du Mouvement populaire de libération de l’Angola, décédé en septembre 1979 à Moscou). Puis il y a l’acquisition de notre indépendance, qui symbolise notre attachement à ce grand pays. Nous pensons à celles et ceux qui se sont sacrifiés pour nous libérer du colonialisme. 

CC : Comment avez-vous travaillé ?

L : Nous avons travaillé à distance et en présentiel. Les technologies et le numérique nous le permettent aujourd’hui. Après avoir monté le répertoire il était plus facile pour nous d’échanger et de nous adapter, nous approprier la matière et d’en faire quelque chose d’agréable musicalement et visuellement. 

Propos recueillis par Ewané Nja Kwa

CONCERT : Festival Africolor www.africolor.com 

17 Décembre 2025 : Théâtre Public de Montreuil 

18 Décembre 2025 : Théâtre Gérard Philippe de Saint-Denis.

Album de Lulendo à réécouter : Mwinda, 2017

Enregistré et publié en 2017, Mwinda, le dernier opus de l’auteur-compositeur Lulendo est une lumière sur l’Angola, sa terre. Mwinda (feat. Tony Allen), Africa Meu Amor (feat. Tony Allen), Kimapa Vita sont les titres phare de l’album qui en comporte 10. À découvrir ou à redécouvrir.